Si t'y danses - balades urbaines
Téléchargeable gratuitement, l’application mobile « Si t’y danses – balades urbaines » permet de faire trois balades à Bruxelles et à Saint-Gilles en toute autonomie. Les balades invitent à poser un regard nouveau sur la ville et son patrimoine architectural, tout en mettant en lumière l’art chorégraphique.
À chaque étape du parcours, une citation sur la danse apparaît sur smartphone, révélant une dimension poétique, politique ou sociale de cet art du mouvement. Après avoir positionné la citation en réalité augmentée dans l’espace qui les entoure, les participant.es ont accès à un bonus lié : vidéos d’archives, invitations à danser, explorations guidées, créations et anecdotes historiques…
1)Téléchargez gratuitement l’application :
> App Store : https://apps.apple.com/fr/app/si-ty-danses/id1616615527
> Play Store https://play.google.com/store/apps/details?id=com.ArteamInteractive.BaladesUrbaines
2) Baladez-vous
> Sélectionnez la balade que vous souhaitez faire. Grâce à l’outil de géolocalisation, rejoignez l’une des étapes du parcours. Il est possible de commencer les balades de n’importe quelle étape mais nous vous conseillons vivement de commencer par la première pour une meilleure expérience.
> Découvrez une anecdote sur le patrimoine à chaque étape et suivez l’itinéraire tracé sur la carte.
3) Interagissez avec l’espace urbain
> Une fois arrivé.e à l’endroit indiqué, une citation sur la danse ainsi qu’une anecdote historique lui faisant écho apparaissent dans l’application.
> Grâce à votre appareil photo, positionnez la citation en réalité augmentée dans l’espace qui vous entoure.
> Enregistrez votre photo, modifiez-la si vous le souhaitez, pour débloquer le bonus.
4) Profitez des bonus
> Explorations guidées, vidéos d’archives, créations et invitations à danser, les bonus prennent des formes variées.
> Retrouvez tous les bonus débloqués dans la partie « galerie » de l’application.
Anne Golaz et Florence Corin
Divers lieux à Bruxelles
Bruxelles
Festival
Si t'y danses - balades urbaines
Brigitte en Novembre
La création chorégraphique belge francophone du moment
Le mois de novembre, aux Brigittines, est désormais consacré à la création chorégraphique belge, et plus particulièrement aux artistes de la Fédération Wallonie-Bruxelles, des plus confirmé·es aux plus émergent·es.
Pour cette seconde édition, cinq spectacles sont à découvrir, pour cinq univers, cinq personnalités, au croisement de la danse, de la danse-théâtre, du théâtre physique et de la performance.
Après des mois de répétitions, Ahmed Ayed, Oumar Diallo, Delphine Friquet et Astero Styliani Lamprinou joueront leurs premières représentations. Tandis que Benjamin Kahn montrera pour la première fois en Belgique le spectacle qu’il aura créé quelques mois plus tôt à l’étranger. Cinq œuvres de danse, toutes coproduites par Les Brigittines, qui disent la diversité de la création chorégraphique en Belgique francophone.
Les Brigittines
Bruxelles
Festival
Brigitte en Novembre
Ballroom
Dans un camion réaménagé en espace scénique, le jongleur Stijn Grupping donne vie à une chorégraphie d’une précision remarquable, où des balles rebondissantes semblent défier les lois du temps et de l’espace.
Un spectacle visuel et sans paroles qui explore avec finesse la répétition, le travail et notre capacité à transformer le quotidien.
Quelque part, Quelqu’un s’est vu confier la tâche de remettre sans relâche les mêmes balles dans le même bac. Ce que Quelqu’un fait, jour après jour, année après année, sans que personne ne sache vraiment pourquoi. Dans l’espoir que les murs ne s’écroulent pas sur lui, Quelqu’un commence à leur lancer des balles. Ainsi, Quelqu’un fait parcourir aux balles des trajectoires de plus en plus longues à travers l’espace.Des trajectoires parfois gracieuses et d’une simplicité trompeuse, d’autres fois puissantes et complexes, au bout desquelles, si tout va bien, les balles atterrissent dans le bac.
Sauf que tout ne va pas toujours bien. Et combien de « pas bien » Quelqu’un peut-il supporter ?
Alors que les balles se transforment en fardeaux, Quelqu’un tente de démêler Quelque part une nouvelle dimension dans le temps et dans l’espace – ou dans la tête – afin d’échapper à la monotonie incolore. Et quand cela réussit, il se passe Quelque chose qu’on pourrait qualifier de magique.
Pour Ballroom, le public prend place dans un camion réaménagé. L’artiste plasticien Lodewijk Heylen a créé un décor en béton dans lequel le jongleur Stijn Grupping fait exécuter à des balles rebondissantes une chorégraphie extraordinaire, fruit de beaucoup d’entraînement et d’un peu de magie.
Accompagné de sonorités composées par les musiciens Jochem Baelus et Frederik Meulyzer, et sans dire mot, Grupping emmène tout un chacun faire un voyage inoubliable.
Creation: Ine Van Baelen & Stijn Grupping
Performance: Stijn Grupping
Direction: Ine Van Baelen
Composition musique: Frederik Meulyzer & Jochem Baelus
Scénographie: Lodewijk Heylen
Chorégraphie: Kinga Jaczewska
Lumière: Lucas Van Haesbroeck
Costumes: Nushi Lambreva
Technique: Bert Laurijssens
Design graphique: Watson Memić
Outside eye: Koen Haagdorens
Maison communale de Watermael-Boitsfort
Watermael-Boitsfort
Spectacle
Ballroom
Work-in-progress • Africa is/in the Future
Le festival porté par La Bellone poursuit son indispensable mise
en lumière des initiatives artistiques noires et afrodescendantes
à Bruxelles.
Le festival porté par La Bellone poursuit son indispensable mise en lumière des initiatives artistiques noires et afrodescendantes à Bruxelles.
Depuis plus d’une décennie, Africa is/in the Future s’est imposé comme un espace de convergence artistique et festif. Un festival pluridisciplinaire qui ne se contente pas de programmer mais fait dialoguer des contemporanéités africaines et afrodiasporiques. Ouvert à tous·tes, il adresse néanmoins une invitation explicite aux personnes noires et afrodescendantes, originaires du continent et des diasporas.
Pour cette 11e édition, l’événement se place sous le signe d’une redéfinition permanente, complice et complexe, comme condition d’un futur réellement partagé.
Au Théâtre National, la rencontre approfondira ces réflexions passionnantes. Quatre artistes, Lois Lumonga Brochez, Naïma’l-Nour Mzé Hamadi, Elsa 'Zema' Mulder, et dada, invité·es par Marie Umuhoza, programmatrice du festival, partageront des fragments de recherches et travaux en cours. Cette présentation se prolongera par un échange avec Sékou Séméga, artiste et programmateur à La Bellone, et les artistes invité·es.
Ces artistes, dont les œuvres résonnent avec les thématiques de l'édition, exploreront des perspectives et des narrations diverses. Chacune de leurs propositions, extraits ou ébauches, sont des gestes complexes et complices à part entières. Des conversations suivront et offriront l’occasion d'entrer dans leurs univers intimes et processus créatifs pour aborder ensemble les dynamiques translocales qui s’y jouent.
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
→ Toute la programmation à découvrir sur www.africaisinthefuture.be
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Work-in-progress • Africa is/in the Future
The Sassy Cabaret
Plongez dans l'univers du Sassy Cabaret ! La patronne, Lili Mirezmoi, personnage haut en couleur, à la fois sexy et drôle, qui n'a pas sa langue dans sa poche, vous propose un show hybride aux multiples surprises.
Chaque mois, vous pouvez découvrir de nouveaux artistes : Evita de Mee, le bras droit de la patronne et stage kitten inoubliable, une effeuilleuse burlesque au déhanché endiablé, une pole danseuse enivrante, une drag queen époustouflante, mais aussi des drag kings révolutionnaires qui vont vous faire fondre, des acrobates virtuoses, et bien d'autres saltimbanques fiers et fières de l'être.
Dans la veine de ce que le cabaret a toujours été, le Sassy est un show divertissant, impertinent, politique, drôle, surprenant et inclusif. Il bouscule vos certitudes et vous remplit les yeux d'étoiles.
Welcome to the Sassy Cabaret!
L'Os à Moelle
Schaerbeek
Spectacle
The Sassy Cabaret
Jovany : Le dernier saltimbanque
Une malle s'ouvre... Bienvenue dans le grenier de notre enfance.
JOVANY nous conte l'histoire de son Grand-Père Saltimbanque. Il s'amuse à redevenir un enfant au débit particulièrement rapide et à l'émerveillement facile dans l'espoir qu'un soir, il puisse le revoir.
Une malle s'ouvre... Bienvenue dans le grenier de notre enfance.
JOVANY nous conte l'histoire de son Grand-Père Saltimbanque. Il s'amuse à redevenir un enfant au débit particulièrement rapide et à l'émerveillement facile dans l'espoir qu'un soir, il puisse le revoir.
Place à l'imaginaire! Ce créateur d'émotions, vif d'esprit, nous parle de son héritage, de ses racines et de son Grand-Père qui lui à tout appris: "À grandir, à écrire, à faire des bêtises... D'ailleurs, la plus grande bêtise qu'il ait pu faire, c'est de grandir..."
C'est avec humour, poésie et nostalgie qu'il nous partage son regard amusé sur notre monde un peu cabossé. Ce spectacle est une invitation à savourer l'insouciance de chaque instant avant qu'elle ne s'efface.
Et si grandir, c'était simplement apprendre à rester enfant?
Alors, ne grandissez pas! Venez découvrir cet Artiste Singulier au Talent Pluriel dans cette performance pluridisciplinaire portée par une scénographie fantasque & féérique qui fascine le "Tout Public" dans le monde entier.
Jovany
Le Fou Rire Théâtre
Ixelles
Spectacle
Jovany : Le dernier saltimbanque
HOUB
En arabe, « ḥoub » signifie l’amour sous toutes ses formes. Dans ce spectacle, cet amour s’exprime à travers un dialogue sororal entre la poésie de Zaïneb Ḥamdi et la pratique du turntablism de Soumaya Phéline Abouda. Puisant dans son recueil de poésie Où mon amour sera ḥoub*, Zaïneb aborde des questions pressantes qui concernent les deux artistes. La musique orchestrée en direct par Soumaya donne lieu à un croisement artistique et sensoriel. Poésie, musique et silence créent ainsi ensemble un espace d’écoute et de vibration commune.
Comment décrire nos corps si nous n’avons pas de langage ? En arabe, ḥoub signifie « amour » sous toutes ses formes. La racine ح ب ب (« ḥbb ») fait référence à la graine, au noyau, à ce qui porte la vie en soi. Ici, Ḥoub symbolise un dialogue sororal entre la poésie de Zaïneb Ḥamdi et la pratique du turntablism de Soumaya Phéline Abouda. Puisant dans son recueil de poésie Où mon amour sera ḥoub*, Zaïneb Hamdi exprime des questions pressantes qui concernent les deux artistes : la réappropriation des corps non blancs, de leurs langues et de leur histoire, le retrait des « systèmes des Pères » et le refus de toute essentialisation comme instrument de pouvoir. Ḥoub déploie ces mots poétiques en scènes, entre confessions et incantations. En écho, la musique orchestrée en direct derrière les platines devient un récit à part entière, qui déconstruit et compose des voix, des textures et des samples pour accompagner le souffle du poème. Ensemble, Zaïneb et Soumaya font flotter un langage vivant entre oralité et sons. Elles appellent à la pluralité discursive en invitant à chaque représentation une voix du monde de la poésie sur scène afin de faire résonner, le temps d’un texte, une histoire unique au cœur du spectacle. Dans un décor circulaire aux allures de science-fiction, Ḥoub plonge le public dans une pollinisation croisée artistique et sensorielle où la poésie, la musique et le silence ouvrent la voie à l’écoute ainsi qu'à la vibration collective. • Zaïneb Hamdi est une poétesse, écrivaine et performeuse belge. Son premier recueil de poésie, Fils d’Arabe, a été publié en 2017. En 2024, elle a publié Où mon amour sera ḥoub, récompensé par le prix littéraire Les Grenades – Prix de la marraine 2025, qui distingue une œuvre poétique féministe. Ses textes explorent la différence, la place des femmes, les rapports à la masculinité, au corps et au langage, tout en estompant les frontières entre l’intime et le collectif. Outre l’écriture, elle est également active dans l’espace numérique des réseaux sociaux, où elle crée de courtes formes de poésie visuelle et sonore combinant image, texte et vidéo. Sur scène, elle développe une forme de poésie performative qui combine spoken word, récitation et performances en solo. Ses spectacles ont été présentés dans diverses institutions culturelles, notamment La Bellone, la Maison Poème, le Beursschouwburg et le Palais de Tokyo. • Soumaya Phéline Abouda, originaire de Bruxelles, est artiste sonore, DJ, compositrice et performeuse, active depuis 2006 sur les scènes belges et internationales. En tant que résidente chez Kiosk Radio, cofondatrice des soirées High Needs Low et coorganisatrice du Club Détour, elle se situe à la croisée de la création sonore et des cultures électroniques alternatives. Son travail explore l’évolution du métier de DJ et la manière dont les outils (CDJ, platines et table de mixage) peuvent devenir de véritables instruments narratifs et expressifs. Elle qualifie cette approche de « CDJism », dans le prolongement du turntablism, dont elle perpétue les gestes, la physicalité et l’imaginaire. À travers cette recherche, elle transforme la performance DJ en un espace d’écoute active, d’improvisation et de composition en temps réel, où chaque mouvement devient un acte d’écriture. Son univers sonore se caractérise par une exploration technique et organique des sons, où elle combine des basses profondes, des breakbeats complexes et des structures polyrythmiques, créant ainsi des expériences uniques et éphémères. En tant que membre du collectif féministe « Psst Mlle », elle s’engage pour plus de diversité et d’inclusivité dans la musique électronique.
Soumaya Phéline Abouda / Zaïneb Hamdi
Atelier 210
Etterbeek
Spectacle
HOUB
Moya
Cirque
Zip Zap Circus
Dès 6 ans
En piste ! Dix circassiens diplômés de l’école de cirque social Zip Zap implantée au Cap, vous emmènent dans un spectacle multicolore, joyeusement décoiffant et terriblement énergique. Une célébration haute en couleur de la diversité sud-africaine. Entre danses et musiques, techniques acrobatiques et jongleries – en solo, duo ou collectivement –, ces jeunes artistes racontent leurs histoires faisant écho au
destin de la nation arc-en-ciel. C’est virtuose, généreux et c’est à partager en famille.
METTEUR EN SCÈNE Brent van Rensburg COMPOSITEUR Josh Hawks CIRCASSIENS Jason Barnard, Luqmaan Benjamin, Bridgette Berning, Jacobus Claassen, Masizakhe Kovi, Vuyani Lottering, Akho Narwele, Phelelani Ndakrokra, Matthew Risk, Lukhanyo Samson CHORÉGRAPHE Adele Blank PRODUCTION Elizabeth Barnard- Scott, Xavier Gobin, Zip Zap Circus
Wolubilis, pôle culturel de Woluwe-Saint-Lambert
Woluwe-Saint-Lambert
Spectacle
Moya
Le Sassy Show spécial Game Ovaires#8
Cabaret / Festival Mutation.s
Le Sassy est le cabaret le plus résistant de Bruxelles ! 12 ans d'existence et pas une ride. Il se réinvente au fil des collaborations et des rencontres.
Pour ce show spécial Game Ovaires fait sa mue, le Sassy cabaret mélange ancien.nes et nouvelleaux. Sur la même scène : plusieurs générations de cabaret et genre pluriels.
Direction artistique: Lili mirezmoi
Avec Lili mirezmoi, Evita de mee, Lissa kay, Majo, Mélusine beauséjour, Finally Flo
And more…
Centre Culturel Jacques Franck
Saint-Gilles
Spectacle
Le Sassy Show spécial Game Ovaires#8
Au musée des arts comptant pour rien
Comment ? Vous n’avez jamais visité le Musée International de la Jarre ? Vraiment ? Incroyable !
Et pourtant, savez-vous que ce lieu mythique, renfermant des perles rares, est devenu « the place to be » de l’art comptant pour rien ?
Rassurez-vous ! Le musée ouvrira prochainement et exceptionnellement ses portes pour une visite inoubliable !
Ce sera l’occasion d’admirer ses chefs-d’œuvre mais surtout de découvrir le petit monde qui y vit et qui le visite.
Vous serez surpris de voir cette bande de clowns s’y croiser étrangement et joyeusement.
Rires, émotions, tendresse, poésie et engagement seront au rendez-vous !
Une création collective, unique et complètement originale mettant en scène 7 clowns aux univers bien différents réunis par l’amour de la scène et du public. Un spectacle pensé comme une célébration de l’éphémère, de l’émotion partagée.
Spectacle organisé dans le cadre de l’événement Espèce(s) de Clown.e.s ! Festival Sérieux des Arts Idiots.
Prix libre à partir de 7 € (En cash le soir-même).
Réservation obligatoire.
Alexandre Chaidron; Baudouin Defrance; Déborah Koch; Denis Clérin; Franfran de Gottal; Laurie Leclercq; Maja Lay; Valentina Viscido; Marco Vullo
Archipel 19
Berchem-Sainte-Agathe
Spectacle
Au musée des arts comptant pour rien
La LIP : Défis d'impro
Une myriade d’improvisations courtes, explosives et à l’humour décapant. Ces scènes seront garnies de contraintes. Vous serez certainement sollicités pour nous compliquer la tâche !
L’impro la plus plébiscitée par le public en première partie sera reprise dans une performance de 45 minutes. Une seule histoire faite de rebondissements, de surprises, d’émotions et garnie de références !
Une myriade d’improvisations courtes, explosives et à l’humour décapant. Ces scènes seront garnies de contraintes. Vous serez certainement sollicités pour nous compliquer la tâche !
L’impro la plus plébiscitée par le public en première partie sera reprise dans une performance de 45 minutes. Une seule histoire faite de rebondissements, de surprises, d’émotions et garnie de références !
Avec les Défis d’impro, c’est le plaisir des impros punchy combiné au délice de l’impro longue. Un souvenir inoubliable.
La Ligue d’Improvisation Professionnelle Wallonie-Bruxelles (LIP) est une association d’une quarantaine d’artistes issus de différents horizons : théâtre, jeune public, cinéma, doublage, mise en scène, écriture, musique, combat scénique, audiodescription…
Leur point commun ? Une grande pratique de l’impro à un haut niveau et l’envie de sans cesse explorer d’autres facettes de cette discipline.
La LIP évolue continuellement et donne à voir des spectacles qualitatifs et uniques.
Venez découvrir l'impro sous toutes ses formes : la LIP débarque chaque mois au Fou-rire pour vous en mettre plein les yeux !
La Lip
Le Fou Rire Théâtre
Ixelles
Spectacle
La LIP : Défis d'impro
Tijd van Toen
Bibliotheek Anderlecht
Anderlecht
Spectacle
Tijd van Toen
Rectum Crocodile
Rectum Crocodile sonne comme le titre d’un roman noir et décalé, mais c’est un conte fabuleux où les personnages défilent dans de magnifiques parures. Ainsi, fantômes, humain•e•s et bêtes se mêlent, les arbres parlent, et collectivement, ce beau monde tente d’expier un colonialisme tenace.
Au cœur d’une plantation coloniale, les êtres vivants ou morts défilent et se croisent, guidés par la voix malicieuse et énigmatique d’un enfant. Tout droit jaillis de l’imaginaire carnavalesque des Caraïbes, différentes figures nous font face, déclamant poèmes et incantations. Rectum Crocodile est un conte magique, une fable politique et dansée qui tente d’exorciser les fantômes de la domination blanche dans le « Nouveau Monde ». Marvin M’toumo, à la fois metteur en scène et styliste, nous offre une création profonde et fiévreuse où le geste se mêle à la parole et les deux se confondent en danses. Les costumes conçus avec soin et exigence participent à la dimension merveilleuse. Comme son auteur, la pièce se situe à l’intersection de plusieurs arts : la danse, la performance, le théâtre et la poésie entre autres. Elle convoque autant les codes scéniques européens que les imaginaires caribéens, ayant tous deux l’Histoire en trait d’union. Au sein d’une plantation luxuriante, la nature et les humain•e•s interrogent l’esclavagisme, le colonialisme et toutes formes de domination. Polyphonies de voix et de corps croisés, ce poème dansé est un pamphlet lumineux et éclatant contre la discrimination et l’oppression. Programmée avec la complicité du Théâtre Varia, Rectum Crocodile est autant un rugissement qu’un manifeste. Éblouissante et insolente de magnificence, la pièce convoque le passé colonial et lui demande des comptes. Elle souligne l’importance de continuer à creuser collectivement cet héritage commun. • Marvin M’toumo est un artiste dont la poésie singulière se réclame au-delà des distinctions académiques entre arts, théâtre, littérature et mode. Il exprime sa sensibilité dans la fluidité d’une pratique décloisonnée, où il place les identités, les stéréotypes et les archétypes au centre d’une poétique critique remplie de symboles, d’humour et de dramaturgie. Diplômé de l’École Nationale Supérieure de la Villa Arson de Nice en 2016 et de la Haute Ecole d’Arts et de Design (HEAD) de Genève en 2019, Rectum Crocodile est sa deuxième création de théâtre après Concours de larmes (2022), qu’il a écrit, mis en scène, performé et pour laquelle il a conçu la scénographie et les costumes. Dans le monde de la mode, il a collaboré avec l’atelier Lognon de la maison Chanel et avec la maison Jean Paul Gaultier.
Marvin M'toumo
Théâtre Varia
Ixelles
Spectacle
Rectum Crocodile
Aline Olmos Steler — The Origin Of the Future - WIP
Culottes sales, bio-prophéties et nouvelles façons d'envisager l'avenir : la performance d'Aline Olmos Steler déploie un univers de clairvoyance humide et d'intimité délirante. Avec une énergie charismatique, elle titille le public tout en touchant, à chaque détour, quelque chose de viscéralement humain.
Chaque jour, des milliards de personnes produisent des pertes vaginales. Pourtant, elles sont invisibilisées et taboues depuis la nuit des temps. C'est de ce constat que part la nouvelle création d'Olmos Steler : une exposition muséale où des culottes sales sont présentées dans des cadres dorés, invitant le public à scruter leurs traces et à en interpréter les présages.
À la manière de la lecture du marc de café ou des lignes de la main, la performance invente la “Dischargemancy” : une pratique divinatoire fictive fondée sur l'interprétation des taches laissées par les pertes vaginales. Sur le coton apparaissent peu à peu des images : une femme fumant la pipe, un canard mort, un paysage, un fantôme.
Plus on regarde, plus on voit.
À mi-chemin entre le théâtre, l'exposition et le clown, The Origin of the Future naît d'une crainte: celle de ne plus voir, un jour, qu'une simple tache là où se cache tout un monde.
Pour sa première production avec le KVS, Aline Olmos Steler présente au festival Próximamente une étape de travail de cette nouvelle création, aujourd'hui entrée dans sa dernière phase de développement.
about
Aline Olmos Steler est une metteuse en scène, clown et artiste de théâtre brésilienne installée à Bruxelles. Diplômée d'une licence et d'un master en arts du spectacle de l'UNICAMP (Brésil), elle a récemment obtenu un second master au DAS Theatre d'Amsterdam. Sa pratique explore les possibilités de l'accumulation et de la superposition, en faisant du chaos, de l'absurde et de l'humour ses principaux modes d'expression. Attirée par ce qui se tient en marge, elle s'intéresse à des sujets aussi divers que les pertes vaginales, le sommeil, les excréments, la masturbation féminine, la vulve non sexualisée ou encore la piraterie. À la croisée du théâtre populaire, de l'art du clown et du théâtre postdramatique, ses créations adoptent souvent une esthétique DIY élaborée à partir de matériaux du quotidien. Elles interrogent les frontières entre l'artiste et le public, tout en questionnant les conditions mêmes de la création et de sa réception dans le capitalisme tardif. Depuis 2019, elle codirige le collectif ultraVioleta_s au Brésil. Elle est artiste en résidence chez Right About Now INC. (Pays-Bas, 2025–2026), bénéficie du soutien de Mestizo Arts Platform (Belgique) et fait partie du programme KVS Faces (Bruxelles, 2027–2031). Elle développe actuellement The Origin of the Future, dont la création est prévue en 2027.
https://www.instagram.com/aline.olmos/
Próximamente Festival met en lumière des artistes d’Amérique latine et de ses diasporas, dans une invitation à engager le dialogue avec les artistes de Bruxelles. Próximamente, qui signifie « bientôt » ou « à venir », incarne non seulement l’attente de ce qui est à venir, mais aussi la proximité et les liens qu’il favorise.
https://www.instagram.com/proximamente.festival/
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CONCEPTION & DIRECTION Aline Olmos Steler DRAMATURGY Laiza Dantas y Mahsa Koochak PERFORMER Aline Olmos Steler SET DESIGN Renan Marcondes LIGHTING DESIGN Gabriele Souza SOUND DESIGN Bartira PUPPET DESIGN Lili Huston-Herterich PUPPETEER Mahsa Koochak VIDEO DESIGN Laiza Dantas PLAYWRIGHTS Aline Olmos Steler, Carolina Nóbrega, Joachim Robbrecht y Mahsa Koochak, con extractos de The Egg and the Chicken de Clarice Lispector PRODUCED BY KVS SUPPORTED BY Mestizo Art Platform & RIGHTABOUTNOW INC
Thanks to the artists and creative provocateurs who contributed to this process during its earlier stages: Tetembua Dandara, Paula Mirhan, Carolina Nóbrega, Giovanna Kelly, Leandro Souza, Charlissa Feller, Pero Manzé, Nahuel Cano, Billy Mullaney, Gabriela Fernandes, Marta Keil, Ingrid Vranken, Maarten van Hinte, and special thanks to Marjorie Boston Marjorie Boston for the support and enthusiasm.
image 2 © Tim Mai Tan
image 3 © Victoriano Moreno
image © Gabi Fernandes
image © Renan Marcondes
Beursschouwburg
Bruxelles
Spectacle
Aline Olmos Steler — The Origin Of the Future - WIP
Endless Summer Camp
Avec Endless Summer Camp, Sophie Guisset prolonge ses recherches sur les espaces de liberté et les alliances inédites. S’inspirant de son expérience intime au sein du mouvement scout, elle en reprend le cadre et la structure … pour mieux en détourner les codes.
Bienvenue à un utopique camp d’été réservé aux adultes, où des performeur·euses créent une troupe éphémère et explorent ensemble le désir, la transgression et la joie. Comme autrefois dans les bois, il s’agira de déployer son imagination dans l’invention, la construction et l’organisation d’un
espace de jeu, et de faire corps avec
le groupe.
Ici, vice, perversion et transcendance de soi ne sont pas des tabous, mais des sources de plaisir et de fierté. L’esprit scout, cette ingéniosité face à l’imprévu, cette attention portée au milieu qui nous entoure, devient le moteur d’une exploration intime et collective du désir et de la sexualité, vécus avec vulnérabilité, humour et délicatesse.
Endless Summer Camp nous invite à repenser notre rapport au désir et à imaginer, ensemble, de nouveaux scénarios relationnels … et à le faire sous le soleil.
Avec Endless Summer Camp, Sophie Guisset prolonge ses recherches sur les espaces de liberté et les alliances inédites. S’inspirant de son expérience intime au sein du mouvement scout, elle en reprend le cadre et la structure … pour mieux en détourner les codes.
Bienvenue à un utopique camp d’été réservé aux adultes, où des performeur·euses créent une troupe éphémère et explorent ensemble le désir, la transgression et la joie. Comme autrefois dans les bois, il s’agira de déployer son imagination dans l’invention, la construction et l’organisation d’un
espace de jeu, et de faire corps avec
le groupe.
Ici, vice, perversion et transcendance de soi ne sont pas des tabous, mais des sources de plaisir et de fierté. L’esprit scout, cette ingéniosité face à l’imprévu, cette attention portée au milieu qui nous entoure, devient le moteur d’une exploration intime et collective du désir et de la sexualité, vécus avec vulnérabilité, humour et délicatesse.
Endless Summer Camp nous invite à repenser notre rapport au désir et à imaginer, ensemble, de nouveaux scénarios relationnels … et à le faire sous le soleil.
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Endless Summer Camp
Danseprophétique àl’îlebizarre
Au cœur d’une forêt blanche, l’artiste performeuse Geneviève Matthieu se livre à des métamorphoses parmi les cris et les hululements de la nuit. Par la poésie, l’entraînement physique, la musique et le chant, elle invoque une île étrange où les repères vacillent et où vivants, souvenirs et présences invisibles cohabitent dans un même souffle. Les signes apparaissent. Les coïncidences se multiplient. Des fragments de destin se dessinent sous nos yeux. Entre rituel mystique et performance pop, Danseprophétiqueàl’îlebizarre invite à une traversée où chaque spectateur·rice fraye son propre chemin.
Geneviève Matthieu (Québec)
Maison Poème
Saint-Gilles
Spectacle
Danseprophétique àl’îlebizarre
In Petto - Duo clownesque
Pour cette création, OKIDOK retrouve un travail de duo clownesque non verbal, orienté par un théâtre gestuel à l’esthétique affirmée. Les clowns, miroirs déformés de nos fragiles humanités, y convoquent, in petto, l’absurde de nos existences.
Comment survivre quand le monde s’écroule perpétuellement sous nos pieds ? La charrette qui les abrite, à la fois logis, loge et promontoire, est en équilibre instable sur l’axe unique de ses deux roues. Elle bascule sans cesse, les balance d’un côté à l’autre, elle les fauche, les expulse et les tourmente. Ils tenteront de trouver, dans un moment suspendu, un compromis, un équilibre précaire, une solution salutaire qui leur permettra de poursuivre leur route, le chemin de leur vie.
Xavier Bouvier; Benoît Devos
Archipel 19
Berchem-Sainte-Agathe
Spectacle
In Petto - Duo clownesque
Performance : La bande à Matéo
A partir des archives de Matéo Maximoff (1917-1999), grande figure des mondes romanis, Erell Latimier et Jonathan Larcher proposent une performance sonore et visuelle pour retrouver sa trajectoire et ses expériences de vie. Tous les deux chercheurs et artistes, ils utilisent les archives, dans une perspective académique et sensible.
A partir des archives de Matéo Maximoff (1917-1999), grande figure des mondes romanis, Erell Latimier et Jonathan Larcher proposent une performance sonore et visuelle pour retrouver sa trajectoire et ses expériences de vie. Tous les deux chercheurs et artistes, ils utilisent les archives, dans une perspective académique et sensible.
Ainsi, entre les lignes des journaux et les photogrammes silencieux des films Super 8, la voix de Matéo émerge et raconte à nouveau son histoire et ses luttes : des activités manuelles et quotidiennes des membres de sa famille aux réveils religieux et politiques des années 1960 et 1970.
Jonathan Larcher : Cinéaste, maître de conférence en études cinématographiques et spécialiste de l'anthropologie visuelle
Erell Latimier : Sociolinguiste et compositrice
Théâtre de la Parole
Auderghem
Spectacle
Performance : La bande à Matéo
Drag Brunch au SERRA Brussels avec Bikini & Dina Price
Le Sunday Drag Brunch revient au SERRA Brussels pour une nouvelle édition haute en couleur, menée par Bikini, Queen of Good Vibes, accompagnée de Dina Price. Au programme : performances drag en live, chant, danse, humour et jeux interactifs, autour d’un buffet brunch sucré-salé à volonté dans une ambiance chaleureuse et inclusive.
Le Sunday Drag Brunch revient au SERRA Brussels pour une nouvelle édition haute en couleur.
Nommé aux visit.brussels Awards, ce rendez-vous festif est mené par Bikini, Queen of Good Vibes, vue récemment sur la scène bruxelloise dans la comédie musicale Kinky Boots. Pour l’occasion, elle sera accompagnée de Dina Price.
Au programme : chant, danse, humour, performances drag en live et jeux interactifs pour transformer ton dimanche en vraie fiesta. Entre deux numéros, profite d’un buffet brunch sucré-salé à volonté préparé par l’équipe du SERRA, dans une ambiance chaleureuse, inclusive et pleine de good vibes.
Que ce soit pour célébrer un anniversaire, un EVJF, une réussite entre amis ou simplement pour lutter contre le blues du dimanche, c’est le plan parfait pour passer un moment mémorable.
Un verre de cava t’attend à l’arrivée, et une bouteille est offerte aux groupes de six personnes et plus.
Viens affamé·e, viens curieux·se, et prépare-toi pour un brunch glamour, caliente et résolument fabuleux.
Infos pratiques:
Date et heure : Dimanche 22 novembre 2026 de 12h à 15h30
Durée : 3h30
Lieu : SERRA Brussels, 20 Place Charles Rogier, 1210 Bruxelles
Hotel Indigo Brussels City
Saint-Josse-Ten-Noode
Spectacle
Drag Brunch au SERRA Brussels avec Bikini & Dina Price
Fabulation
Spectaculaire ? Sans aucun doute ! Une imposante structure dresse ses volumes comme des immeubles à gravir. Casques vissés sur la tête, deux motardes les escaladent puis disparaissent derrière ces montagnes de toile.
Avec Fabulation, Gianna Sutterlet et Constance Bugnon unissent leurs talents de voltigeuse et d’acrobate dans une proposition hybride où le cirque se frotte à la cascade physique et inversement.La moto devient leur agrès central : tantôt support d’équilibre, tantôt engin à provoquer les chutes ou les envols. Chaque geste est calculé : comme au cinéma, les artifices permettent d’effacer la frontière entre illusion et réalité.
Fabulation détourne l’univers viril de la cascade et propose d’inventer un terrain de jeu acrobatique aussi émancipateur que réjouissant.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Spectaculaire ? Sans aucun doute ! Une imposante structure dresse ses volumes comme des immeubles à gravir. Casques vissés sur la tête, deux motardes les escaladent puis disparaissent derrière ces montagnes de toile.
Avec Fabulation, Gianna Sutterlet et Constance Bugnon unissent leurs talents de voltigeuse et d’acrobate dans une proposition hybride où le cirque se frotte à la cascade physique et inversement.La moto devient leur agrès central : tantôt support d’équilibre, tantôt engin à provoquer les chutes ou les envols. Chaque geste est calculé : comme au cinéma, les artifices permettent d’effacer la frontière entre illusion et réalité.
Fabulation détourne l’univers viril de la cascade et propose d’inventer un terrain de jeu acrobatique aussi émancipateur que réjouissant.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Fabulation
Une tentative presque comme une autre
Représentation Relax*
Clément et Guillaume Papachristou sont jumeaux. Vêtus à l’identique, ils se présentent sur un plateau nu. Les deux corps gémellaires, l’un valide, l’autre porteur de handicap moteur IMC (infirmité motrice cérébrale), entament une danse faite d’enlacements et de séparations. Ils s’étreignent, s’agrippent, se chamaillent. Ils partent de leur histoire intime et de leur extrême ressemblance physique pour explorer les notions du double, du (dis)semblable et de l’altérité.
Dans une communion sensible et drôle, ils explorent leurs sentiments, leurs doutes, leurs réalités respectives et les contraintes partagées. Entre ressemblance physique de la gémellité et écart physique dû au handicap, le spectacle met en lumière la recherche d’une entraide insoupçonnée et qui se (re)découvre sans cesse. Une performance intime et terriblement émouvante.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
* Une représentation relax est une invitation à partager la culture dans un environnement inclusif et respectueux des besoins de chacun·e.
Proposant une atmosphère bienveillante, tranquille et détendue basée sur l'acceptation de chacun et chacune, le spectacle reste le même.
Les codes de représentation sont juste un peu assouplis pour que chacun·e puisse la vivre à sa façon (Les stimulus sonores et lumineux ont été légèrement adoucis). Le public est libre de se déplacer ou pas et d’exprimer ses réactions spontanément.
Représentation Relax*
Clément et Guillaume Papachristou sont jumeaux. Vêtus à l’identique, ils se présentent sur un plateau nu. Les deux corps gémellaires, l’un valide, l’autre porteur de handicap moteur IMC (infirmité motrice cérébrale), entament une danse faite d’enlacements et de séparations. Ils s’étreignent, s’agrippent, se chamaillent. Ils partent de leur histoire intime et de leur extrême ressemblance physique pour explorer les notions du double, du (dis)semblable et de l’altérité.
Dans une communion sensible et drôle, ils explorent leurs sentiments, leurs doutes, leurs réalités respectives et les contraintes partagées. Entre ressemblance physique de la gémellité et écart physique dû au handicap, le spectacle met en lumière la recherche d’une entraide insoupçonnée et qui se (re)découvre sans cesse. Une performance intime et terriblement émouvante.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
* Une représentation relax est une invitation à partager la culture dans un environnement inclusif et respectueux des besoins de chacun·e.
Proposant une atmosphère bienveillante, tranquille et détendue basée sur l'acceptation de chacun et chacune, le spectacle reste le même.
Les codes de représentation sont juste un peu assouplis pour que chacun·e puisse la vivre à sa façon (Les stimulus sonores et lumineux ont été légèrement adoucis). Le public est libre de se déplacer ou pas et d’exprimer ses réactions spontanément.
11 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 € / 24 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Une tentative presque comme une autre
STONE
« Tout le monde est lesbienne ». Garance Maillot s’empare de cette affirmation joyeusement frontale et en fait le point de départ d’un récit chorégraphique sur les héritages. Elle s’appuie sur un deuil, celui de son grand-père, pour questionner ce que peut signifier aujourd’hui de se définir comme lesbienne.
Disposées autour d’elle, des chaises personnifient des présences. Elles évoquent des figures longtemps invisibilisées : Loïe Fuller, Jill Johnston, Lucinda Childs ou Valeska Gert, autant d’artistes qui ont marqué la danse et la pensée lesbienne. Auprès d’elles, Garance Maillot cherche des réponses avec le public : que contient ce mot, « lesbienne » ? Peut-on regarder une œuvre lesbienne ou queer simplement comme une œuvre d’art ?
Inattendu et lumineux, ce solo trace une nouvelle généalogie qui libère des forces de transformation.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
« Tout le monde est lesbienne ». Garance Maillot s’empare de cette affirmation joyeusement frontale et en fait le point de départ d’un récit chorégraphique sur les héritages. Elle s’appuie sur un deuil, celui de son grand-père, pour questionner ce que peut signifier aujourd’hui de se définir comme lesbienne.
Disposées autour d’elle, des chaises personnifient des présences. Elles évoquent des figures longtemps invisibilisées : Loïe Fuller, Jill Johnston, Lucinda Childs ou Valeska Gert, autant d’artistes qui ont marqué la danse et la pensée lesbienne. Auprès d’elles, Garance Maillot cherche des réponses avec le public : que contient ce mot, « lesbienne » ? Peut-on regarder une œuvre lesbienne ou queer simplement comme une œuvre d’art ?
Inattendu et lumineux, ce solo trace une nouvelle généalogie qui libère des forces de transformation.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
STONE
Bocson
Avec Bocson, Juliette Chevalier déploie une œuvre chorégraphique pour six femmes en lutte, dans un univers de bâches, de tissus et de métal. Un pluralisme brut inspiré des paysages industriels du Nord (de la Belgique à la France), et des cataclysmes climatiques qui ont récemment ravagé cette région. Cette pièce engage les corps dans des territoires traversés et résilients. Entre carnaval, boxe et cultures populaires, elle tisse un manifeste sensible où les luttes intimes et collectives se répondent. Une danse de l’effort et de l’épuisement, entre effondrement et résurgence.
Avec Bocson, Juliette Chevalier déploie une œuvre chorégraphique pour six femmes en lutte, dans un univers de bâches, de tissus et de métal. Un pluralisme brut inspiré des paysages industriels du Nord (de la Belgique à la France), et des cataclysmes climatiques qui ont récemment ravagé cette région. Cette pièce engage les corps dans des territoires traversés et résilients. Entre carnaval, boxe et cultures populaires, elle tisse un manifeste sensible où les luttes intimes et collectives se répondent. Une danse de l’effort et de l’épuisement, entre effondrement et résurgence.
La Drache
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
Bocson
PEOPLE
Performeur de la matière, Claudio Stellato nous avait déjà régalé·es en jonglant avec des stères de bois dans La Cosa ou en jouant les bricoleurs déjantés dans Work. Avec People, il poursuit ses explorations d’univers instables à base d’objets. Très vite, le plateau se remplit d’un bric-à-brac de trouvailles copieusement arrosées de peinture noire, manipulées par des personnages en pleine tempête émotionnelle, pris de cris, de rires et de pleurs. Progressivement, silhouettes et objets se confondent dans une sorte de grande sculpture vivante qui fusionne la fête improvisée et le rituel frénétique.
En s’inspirant des personnes vivant dans la rue et de l’accumulation obsessionnelle, People révèle la poésie inattendue qui surgit au milieu du chaos. Quand l’équilibre précaire des corps et du désordre révèle la beauté de la vulnérabilité humaine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Performeur de la matière, Claudio Stellato nous avait déjà régalé·es en jonglant avec des stères de bois dans La Cosa ou en jouant les bricoleurs déjantés dans Work. Avec People, il poursuit ses explorations d’univers instables à base d’objets. Très vite, le plateau se remplit d’un bric-à-brac de trouvailles copieusement arrosées de peinture noire, manipulées par des personnages en pleine tempête émotionnelle, pris de cris, de rires et de pleurs. Progressivement, silhouettes et objets se confondent dans une sorte de grande sculpture vivante qui fusionne la fête improvisée et le rituel frénétique.
En s’inspirant des personnes vivant dans la rue et de l’accumulation obsessionnelle, People révèle la poésie inattendue qui surgit au milieu du chaos. Quand l’équilibre précaire des corps et du désordre révèle la beauté de la vulnérabilité humaine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
PEOPLE
NEZ NOIR
Assise au bout d’un fil tendu entre deux points d’ancrage, Estelle Samira Borel tricote, vêtue d’un costume de mouton. Ses doigts travaillent la laine tandis que résonnent des bêlements. Un tableau qui pourrait sembler bucolique.
Mais derrière cette image, la fildefériste propose une traversée intime et décoloniale du Valais, le canton suisse où elle a grandi. Un territoire dont l’héritage raciste reste trop peu assumé. Car l’animal laineux qui l’accompagne sur scène n’est pas un simple costume pastoral : il s’inspire des Nez Noir, ces moutons bicolores emblématiques de la région, et renvoie à la comparaison d’une violence persistante entre personnes noires et animalité.
En s’en saisissant dans une performance acrobatique, Estelle Samira Borel retourne le stigmate pour fabriquer une figure de résistance d’une grande puissance.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Assise au bout d’un fil tendu entre deux points d’ancrage, Estelle Samira Borel tricote, vêtue d’un costume de mouton. Ses doigts travaillent la laine tandis que résonnent des bêlements. Un tableau qui pourrait sembler bucolique.
Mais derrière cette image, la fildefériste propose une traversée intime et décoloniale du Valais, le canton suisse où elle a grandi. Un territoire dont l’héritage raciste reste trop peu assumé. Car l’animal laineux qui l’accompagne sur scène n’est pas un simple costume pastoral : il s’inspire des Nez Noir, ces moutons bicolores emblématiques de la région, et renvoie à la comparaison d’une violence persistante entre personnes noires et animalité.
En s’en saisissant dans une performance acrobatique, Estelle Samira Borel retourne le stigmate pour fabriquer une figure de résistance d’une grande puissance.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
NEZ NOIR
anger angels ETERNAL LETDOWN
La chorégraphe vénézuélienne Sophia RodrÍguez, déjà familière du public belge, et l’artiste autrichienne Teresa Vittucci, dont l’humour subversif a parcouru les scènes européennes, unissent leurs univers dans une première collaboration à ne pas rater.
De leur rencontre est née Anger Angels, une performance hypnotique et volontiers décalée, éloge de la colère comme matière première catalyseuse d’énergie collective. Dans un décor de bureau aux allures surréalistes, deux anges messagers accueillent et traduisent la fureur humaine. A travers le mouvement et la voix, elles donnent corps à cette émotion longtemps disqualifiée, en particulier lorsqu’elle vient des femmes.
Anger Angels entreprend une formidable réhabilitation de la rage, envisagée avec humour comme une source d’apaisement. La colère finalement, ça fait du bien.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
La chorégraphe vénézuélienne Sophia RodrÍguez, déjà familière du public belge, et l’artiste autrichienne Teresa Vittucci, dont l’humour subversif a parcouru les scènes européennes, unissent leurs univers dans une première collaboration à ne pas rater.
De leur rencontre est née Anger Angels, une performance hypnotique et volontiers décalée, éloge de la colère comme matière première catalyseuse d’énergie collective. Dans un décor de bureau aux allures surréalistes, deux anges messagers accueillent et traduisent la fureur humaine. A travers le mouvement et la voix, elles donnent corps à cette émotion longtemps disqualifiée, en particulier lorsqu’elle vient des femmes.
Anger Angels entreprend une formidable réhabilitation de la rage, envisagée avec humour comme une source d’apaisement. La colère finalement, ça fait du bien.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
anger angels ETERNAL LETDOWN
anger angels
Deux messagères angéliques évoluent dans un paysage surréaliste et y assimilent la colère humaine. Dans cette première collaboration, Sophía Rodríguez et Teresa Vittucci nous confrontent dans leur première collaboration, à la répression de la colère féminine. Ces « anges de la colère » planent, chantent dans des langues extraterrestres et interagissent avec leur environnement corporate. Un spectacle qui agit comme un massage profond, dont vous ignoriez avoir besoin.
Anger Angels : ETERNAL LETDOWN est la première collaboration entre les artistes de performance Sophía Rodríguez et Teresa Vittucci. Dans cette performance hypnotique, humoristique et physique, elles explorent la colère en tant que force transformatrice, voire céleste.Dans un paysage surréaliste inspiré du monde des affaires, deux messagères angéliques naviguent et assimilent la colère humaine. Ces anges ne sont pas des êtres sereins, mais des catalyseur·euse·s actifs : à la fois auditrices, combattantes et traductrices entre les mondes. Par le mouvement, la voix et une ironie sincère, ils transforment la colère en quelque chose de libérateur. anger angels ETERNAL LETDOWN donne l’impression d’un massage en profondeur de vos tissus conjonctifs dont vous ne soupçonniez pas avoir besoin : à la fois déstabilisant et étrangement réconfortant. • Sophía Rodríguez (1984, VE/BE, elle) est actrice, danseuse, chorégraphe et artiste de cirque. Elle a étudié le cirque, la danse et le théâtre physique au Venezuela (Universidad Experimental de las Artes), à Cuba (École nationale de cirque de Cuba) et en Suisse (Accademia Dimitri). Ses échanges de longue date et sa formation avec David Zambrano ont fortement influencé sa pratique artistique. En tant que créatrice, elle utilise la performance physique, la connaissance incarnée, la voix et l’improvisation comme éléments constitutifs de spectacles énergiques, féministes et critiques qui oscillent toujours entre les disciplines. Le Kaaitheater avait déjà présenté son FRICTION (2023) en collaboration avec Charleroi Danse. • Teresa Vittucci (AT/CH, elle/iel) est une artiste née à Vienne qui vit à Zurich depuis 2015. Dans ses performances de danse contemporaine, elle explore des perspectives féministes et queer sur la culture pop, l’histoire et la religion, en s’appuyant sur un humour subversif comme point de départ fondamental. Depuis 2018, Teresa travaille sur Trilogy in Praise of Vulnerability, composée des pièces en solo HATE ME, TENDER, SANE SATAN et du duo DOOM avec Colin Self. Parmi ses autres œuvres, citons UNLEASH (2012), LUNCHTIME (2015), ALL EYES ON (2017) et WE BODIES, une collaboration avec Michael Turinsky et Claire Vivianne Sobottke. Teresa a notamment collaboré avec Colin Self, Marilú Mapengo Namoda, Annina Machaz, Simone Aughterlony, Nils A. Lange, Michael Turinsky, Claire Teresa entretient également des liens artistiques étroits avec la Belgique et collabore régulièrement avec des artistes et des créateur·ices belges. Son œuvre ALL EYES ON a été présentée au festival With Pleasure de VIERNULVIER, et CAMPO a présenté HATE ME, TENDER et DOOM. Sa signature artistique physique, provocante et profondément personnelle, fait non seulement écho au travail de Rodríguez, mais occupe également une place importante dans le paysage des arts de la scène belges.
Sophia Rodriguez / Teresa Vittucci
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
anger angels
Complicités Créatives - Carte Blanche
Complicités Créatives - Carte Blanche
Un rendez-vous d’artistes gravitant principalement autour de la danse sera présenté lors d’une soirée Carte Blanche au GC Ten Weyngaert. Ces Complicités Créatives, organisées par l’artiste Clélie Chassignet, mettront en lumière 9 artistes emergent.es. Au programme : conte, spectacles de danse et musique. Vous pourrez aussi profiter du finissage de l'exposition en cours dans la galerie. Tarif : Entrée 10€. Prix solidaire : 5€ Artistes : Ieva Braženaite, Ka-Lai Lau, Iraklis Miragias, Clara Cabecas Segura, Clélie Chassignet, Virginie Gobert, Solène Niess, Irene Márquez, Matthieu Raulic, Eléonore Pinet Bodin et Tomàs Denis
GC Ten Weyngaert
Forest
Spectacle
Complicités Créatives - Carte Blanche
Nocturne Parade
Qui chevauche si tard à travers la nuit et le vent ?
C’est le père avec son enfant.
Il porte l’enfant dans ses bras,
Il le tient ferme, il le réchauffe.
Sur base du poème « Le Roi des Aulnes de Goethe, Phia Ménard signe avec Nocturne (Parade) une magnifique fable sur le pouvoir de l’enfance.
Un enfant, arrimé à son père sur le dos d’un cheval, sent poindre un danger mortel que l’adulte ne voit pas ou ne veut pas voir. C’est la parabole de notre époque en totale déréliction.
Dans un cercle de lumière, le vent souffle, les formes s’animent. Gonflées et mues par les souffles de l’air, ces marionnettes de fortune composent le ballet somptueux et poignant d’un monde qui déraille.
Pensée comme un voyage dans un tunnel obscur, cette pièce immerge les spectateur·ices dans un univers onirique où l’on perçoit avant de voir. En mettant en scène cette traversée sensorielle, le spectacle invite à entrer en lutte contre une nuit menaçante. Phia Ménard porte ainsi, magnifiquement, la contradiction aux vents mauvais et liberticides de l’obscurantisme.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Qui chevauche si tard à travers la nuit et le vent ?
C’est le père avec son enfant.
Il porte l’enfant dans ses bras,
Il le tient ferme, il le réchauffe.
Sur base du poème « Le Roi des Aulnes de Goethe, Phia Ménard signe avec Nocturne (Parade) une magnifique fable sur le pouvoir de l’enfance.
Un enfant, arrimé à son père sur le dos d’un cheval, sent poindre un danger mortel que l’adulte ne voit pas ou ne veut pas voir. C’est la parabole de notre époque en totale déréliction.
Dans un cercle de lumière, le vent souffle, les formes s’animent. Gonflées et mues par les souffles de l’air, ces marionnettes de fortune composent le ballet somptueux et poignant d’un monde qui déraille.
Pensée comme un voyage dans un tunnel obscur, cette pièce immerge les spectateur·ices dans un univers onirique où l’on perçoit avant de voir. En mettant en scène cette traversée sensorielle, le spectacle invite à entrer en lutte contre une nuit menaçante. Phia Ménard porte ainsi, magnifiquement, la contradiction aux vents mauvais et liberticides de l’obscurantisme.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 € / 24 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Nocturne Parade
La Belle Epoque de Noël
Du 27 novembre au 6 décembre 2026, durant 10 soirées, Tour des Sites Organisation propose LA BELLE ÉPOQUE DE NOËL. Ce spectacle narratif sur 180° puise son inspiration dans l’histoire du Bruxelles 1900 durant les fêtes de fin d’année. Ce grand conte de Noël fera évoluer des artistes au sein de l’église ixelloise, entouré de projections d’images géantes.
LA BELLE EPOQUE DE NOEL est un spectacle monumental déployé à l’intérieur de l’église Sainte-Croix d’Ixelles sur 180°. Ce spectacle immersif est présenté du 27 novembre au 6 décembre 2026.
Ce show met en scène l’histoire, les traditions et l’âme de la ville, au travers d’un récit visuel et sonore immersif pensé pour sublimer l’intérieur de l’église Sainte-Croix. Chaque soir, du 27 novembre au 6 décembre, cette création artistique prendra vie dans ce lieu de prestige.
Pensé comme un véritable voyage sensoriel, ce spectacle mêlera vidéo-mapping, effets visuels, lumières et performances artistiques. L’objectif est de magnifier les volumes, les détails architecturaux et l’atmosphère unique de l’église, tout en racontant l’histoire de Bruxelles et d’Ixelles à la Belle Epoque à travers une approche poétique et contemporaine.
Acteurs et performers incarnant des personnages de la Belle Epoque sont omniprésents dans ce spectacle. Ils seront au centre de l’action tout en habitant véritablement le récit
Eglise Sainte-Croix
Ixelles
Spectacle
La Belle Epoque de Noël
MOLE
Une femme dans sa chambre. Elle a décidé d'en finir. Son Opinel n'est pas assez aiguisé, le miroir Ikea refuse de se casser, et le numéro anti-suicide ne répond pas. La mort ne joue pas le jeu ce soir-là.
Autour de ce ratage fondateur, Carla Margarita Manrique construit un spectacle totalement inclassable, à la fois conférence et film d'horreur, témoignage clownesque et voyage endoscopique. Le suicide y est abordé comme sujet polémique, théorisé depuis l'Antiquité, porté ici par une dramaturgie volontairement instable. À l'image de l'oscillation constante entre vie et mort que connaissent celles et ceux qui y pensent.
Circassienne de formation, Carla Margarita Manrique suspend son corps à de faux intestins, rejoue l'absurde avec précision. Son outil: l'humour. Pas pour esquiver, mais pour réparer. « If I don't turn it into a joke it will destroy me.” Une façon de tenir debout avec panache sur une ligne très fine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Une femme dans sa chambre. Elle a décidé d'en finir. Son Opinel n'est pas assez aiguisé, le miroir Ikea refuse de se casser, et le numéro anti-suicide ne répond pas. La mort ne joue pas le jeu ce soir-là.
Autour de ce ratage fondateur, Carla Margarita Manrique construit un spectacle totalement inclassable, à la fois conférence et film d'horreur, témoignage clownesque et voyage endoscopique. Le suicide y est abordé comme sujet polémique, théorisé depuis l'Antiquité, porté ici par une dramaturgie volontairement instable. À l'image de l'oscillation constante entre vie et mort que connaissent celles et ceux qui y pensent.
Circassienne de formation, Carla Margarita Manrique suspend son corps à de faux intestins, rejoue l'absurde avec précision. Son outil: l'humour. Pas pour esquiver, mais pour réparer. « If I don't turn it into a joke it will destroy me.” Une façon de tenir debout avec panache sur une ligne très fine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
MOLE
MOLE
Le point de départ de ce projet est une expérience personnelle, mais pas unique. Le suicide est un sujet que l’humain théorise depuis l’antiquité, soit pour l’exalter soit pour le condamner (surtout pour le condamner).
Peu importent les raisons pour lesquelles quelqu’un·e décide d’en finir avec sa vie, c’est un sujet polémique et une question de débat éthique, religieux, médical, économique, sociologique et politique.
Pourtant, personne n’échappe aux réflexions autour de sa propre mort. Avec du recul (et beaucoup de thérapie), une évidence s’impose : aborder un sujet aussi lourd passe par la légèreté et la distance qu’offrent l’humour.
Le spectacle propose un cadre où les spectateur·ices sont invité·es à questionner leur rapport au suicide, à réfléchir au-delà des tabous, pour se planter, pour se donner le droit d’être frustré·es, pour rigoler du tragique, peut-être pour essayer de comprendre.
TW : suicide
Écriture et interprétation : Carla Margarita Manrique / Jeu et regard extérieur dramaturgique : Hugo Henner / Regard extérieur : Marine Fourteau / Création lumière : Maureen Vom Dorp / Création sonore : Valentin San Pietro / Création costumes : Marie Romanens/ Captations vidéo aux étapes de travail : Tomè-Manon Cotte / Consultant technique vidéo : Guillaume Bautista
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
MOLE
Zodiac Dance : Spectatelier
Et si, le temps d’une danse, vous pouviez être à la fois spectateur·ice et participant·e ?
Le dimanche 29 novembre, Zodiac Dance vous invite à découvrir Spectatelier, une expérience immersive et participative guidée par Ana Stegnar, à la croisée du spectacle et de l’atelier.
Entre spectacle et atelier, place à l’expérience !
À la lisière de la lumière, nous vous invitons à plonger dans une expérience intérieure, à suivre le fil d’Ariane dans le labyrinthe de vos ressentis. Des propositions guidées vous accompagneront pour explorer cet espace intime, en confiance.
Au fond, la pratique somatique, c’est simple : respirer amplement, regarder tendrement, se détendre délicatement. C’est aussi prendre le temps d’habiter son corps, d’écouter ce qui s’y joue et de reconnaître ce qu’il a à nous dire, dans un monde qui ne nous laisse pas toujours cet espace.
La performance se tissera comme une toile, entre danses à regarder et mouvements à explorer soi-même, ponctuée de citations de philosophes, d’écrivain·es, de scientifiques et d’artistes de notre temps. Autant de voix et de pensées pour nourrir nos réflexions, faire résonner nos expériences et ouvrir des espaces de rencontre.
Peut-être qu’au fil des mouvements et des mots, une résonance commune se dessinera : une autre manière d’habiter nos corps, de prendre place et d’imaginer ensemble ce que nous voulons en faire.
Spectateur·ice ou participant·e ? Et si vous pouviez être les deux ?
Compagnie de danse amateur inspirée notamment par la Skinner Releasing Technique et la composition instantanée, Zodiac Dance partage une danse accessible et joyeuse, notamment auprès de publics fragilisés. Avec ce premier Spectatelier, elle propose une autre manière de vivre la danse : sortir de sa place habituelle de spectateur·ice, se laisser inspirer et, si on le souhaite, entrer dans le mouvement.
Une proposition de Zodiac Dance, guidée par Ana Stegnar, en collaboration avec Mouvance. Ce projet est réalisé avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles, de la COCOF, The Faculty et l’Escale du Nord.
The Faculty
Anderlecht
Spectacle
Zodiac Dance : Spectatelier
The Mystery Cabaret - Magie
Bruxelles, 1905 : la dernière pierre du vénérable Collège Saint-Michel est posée.
Dans une des ailes du bâtiment, une poignée de jésuites aménagent secrètement un minuscule cabaret, lieu caché de divertissement. Fascinés par les arts occultes et les sciences de l’étrange, ils y invitent sur scène magiciens, mentalistes et autres artistes du bizarre, issus du monde entier. La bière (trappiste) y coule à flots : « The Mystery Cabaret » est né ! Le lieu n’est répertorié sur aucune carte ni plan ; il a survécu à deux guerres et aux assauts du temps. Exceptionnellement, il ouvre de temps à autres ses portes aux non-initiés, sur invitation : ne ratez surtout pas cette occasion unique de découvrir …
Avec Louis Loriot, Patrick Kurota et leurs invités
Spectacle de 1h45 avec entracte
A partir de 8 ans
Plus d'infos : https://www.themysterycabaret.com/
Le Petit Chapeau Rond Rouge
Etterbeek
Spectacle
The Mystery Cabaret - Magie
Assis sur ma chaise
Blaise est un enfant tout à fait banalement extraordinaire. Comme chaque matin d’école, son réveil sonne à 7h00, inévitablement. Sur le chemin de l’école, tout son corps le supplie de faire marche arrière, alors il chante pour se donner du courage.
« Assis sur ma chaise » est un spectacle sur l’échec scolaire, mais aussi et surtout sur la possibilité de se relever. C’est un voyage imaginaire au cœur du blocage. Une plongée dans la tête d’un enfant qu’on croit perdu. Ce spectacle veut offrir aux enfants un autre regard, un autre récit pas pour nier la difficulté, mais pour lui redonner du sens – et pourquoi pas – de la beauté. Ce spectacle s’adresse aux enfants, mais aussi aux adultes qui les accompagnent : enseignant·e·s, éducateur·ice·s, parents. Il ouvre un espace d’écoute, de partage et de discussion. Il ne cherche pas à accuser. Il cherche à rendre visible un fonctionnement qui semble incohérent pour la plupart des gens.
Distribution
ÉCRITURE : Louison De Leu
MISE EN SCÈNE : Louison De Leu, avec la collaboration de Laurie Périssutti, Jérôme Poncin et Marie-Odile Dupuis
INTERPRÉTATION : Mélissa Diarra et Adrie Debiasi
SCÉNOGRAPHIE : Louise Vandervorst, Marie Kersten, Evy Demotte, Laurie Perissutti
CONSTRUCTION : François De Myttenaere
CRÉATION LUMIÈRE : Cha Persoons
TARIF : 5 € - 1.25€ Article 27
Distribution
ÉCRITURE : Louison De Leu
MISE EN SCÈNE : Louison De Leu, avec la collaboration de Laurie Périssutti, Jérôme Poncin et Marie-Odile Dupuis
INTERPRÉTATION : Mélissa Diarra et Adrie Debiasi
SCÉNOGRAPHIE : Louise Vandervorst, Marie Kersten, Evy Demotte, Laurie Perissutti
CONSTRUCTION : François De Myttenaere
CRÉATION LUMIÈRE : Cha Persoons
Le Senghor - Centre Culturel d’Etterbeek
Etterbeek
Spectacle
Assis sur ma chaise
Saint-Nicolas au théâtre 140 : un après-midi magique à vivre en famille !
Saint-Nicolas au théâtre 140 : un après-midi magique à vivre en famille !
Cette année, la Saint-Nicolas s'invite au théâtre Le 140 pour un après-midi magique et chaleureux. Le dimanche 6 décembre de 14h à 17h, les familles sont invitées à partager un moment rempli de surprises, d'émerveillement et de convivialité.
Au programme :
- Un spectacle de magie pour faire rêver toute la famille ;
- Un stand de distribution de chocolats, de spéculoos et de mandarines pour régaler les enfants ;
- La venue du Saint-Nicolas, qui prendra le temps de rencontrer les familles et de poser pour des photos souvenirs inoubliables.
Rires, surprises et magie seront au rendez-vous pour faire de cet après-midi une expérience mémorable.
Evénement réservé aux familles Schaerbeekoise.
Fredini le magicien
Théâtre 140
Schaerbeek
Spectacle
Saint-Nicolas au théâtre 140 : un après-midi magique à vivre en famille !
Ça marche. HAPPY END
HAPPY END est une création avec des adolescent·es sourd·es, qui explore l'adolescence comme un seuil où la célébration rencontre la perte et où l'identité se forme dans l'incertitude. Sur scène, ils et elles se rassemblent pour créer un rythme partagé : non pas une musique conventionnelle, mais une manière d'organiser le temps à travers les corps, les gestes et l'attention. Dans cet espace fragile, la surdité déplace la perception et redéfinit l'écoute et la communication. Le sens émerge à travers la langue des signes, le regard et le mouvement. Alors que les récits se déploient sans résolution, la pièce maintient le mouvement plutôt que la clôture. Dans un monde qui semble instable, ces adolescent.es agissent pour rester ensemble, inventent des formes de relation qui permettent de garder quelque chose de vivant, même lorsque l'avenir est incertain.Contient des effets stroboscopiques et un son élevé.
Direction & écriture : Nico Jongen
En collaboration avec : Berta Frigola
Dramaturgie : Roberto Fratini
Interprètes : Laura Galiano, Melih Hayran
Lumière : Júlia Bauer
Son: Dudu Alves Coordination technique : José Pablo Parra Vargas
Interprétation en langue des signes : Laura Bada
Production & administration : Lluís Victory Cirrer, Mariona Signes
Coproduction : Bozar (Bruxelles), Fundação Serralves (Porto), Teatre Lliure (Barcelone), Teatro Calderón (Valladolid), Nau Ivanow & Ça marche
Avec le soutien de : Casal Font d'en FargasDans le cadre du projet 'PIT - Perform, Inform, Transform: Participatory Performance in Art Museums', cofinancé par l'Union européenne.
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Ça marche. HAPPY END
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
6€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
Corps tendres • Lucie Yerlès
Comment perçoit-on le monde à travers notre peau ? Lucie Yerlès et son équipe nous offrent une performance sensorielle généreuse entre cirque, théâtre et danse.
Comment perçoit-on le monde à travers notre peau ? Lucie Yerlès et son équipe nous offrent une performance sensorielle généreuse entre cirque, théâtre et danse.
En tant que circassienne, Lucie Yerlès a pris conscience d’un décalage entre sa propre expérience du toucher – quotidienne, technique – et celle qui domine dans nos sociétés occidentales, où le contact physique reste principalement réservé à la sphère intime. Que signifie toucher ou être touché·e ? Sur une piste ou un plateau, c’est surtout une nécessité. Les portés, le main à main ou les « parades » supposent une écoute fine et une responsabilité physique. Ce lien corporel est outil autant que prise de risque.
Corps tendres s’appuie sur ce décalage. Quatre circassien·nes et un musicien proposent une performance immersive dans un paysage doux et ludique. Le projet émane d’un travail de recherche mené en amont avec des amateur·ices lors d’ateliers. Au-delà de la virtuosité acrobatique circassienne, Corps tendres nous invite à modifier notre regard sur la proximité tactile, pour en révéler la troublante complexité.
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
En résumé
Le spectacle explore la question du toucher à travers le cirque, la danse et la musique.
Que signifie toucher ou être touché·e ?
Le spectacle invite à réfléchir à la nécessité du contact physique.
Une expérience sensible pour sentir ce qui nous relie aux autres.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Corps tendres • Lucie Yerlès
histoire(s) • Olga de Soto
Que reste-t-il d’un spectacle une fois les derniers applaudissements évanouis ?
Que reste-t-il d’un spectacle une fois les derniers applaudissements évanouis ?
Le 25 juin 1946, au Théâtre des Champs-Élysées à Paris, c’est la première du ballet Le Jeune homme et la mort, chorégraphié par Roland Petit, d’après un argument de Jean Cocteau. Soixante ans plus tard, Olga de Soto choisit non pas de reconstituer l’œuvre mais d’en recueillir les échos.
Fidèle à son goût pour le travail de mémoire, la chorégraphe mène une enquête sensible à partir d’un matériau inattendu : les souvenirs des spectateur·ices présent·es ce soir-là. Leurs récits, forcément parcellaires, parfois contradictoires, composent une reconstitution touchante. La cape de la danseuse Nathalie Philippart était-elle rouge ou noire ? Les envolées du virtuose Jean Babilée fulgurantes ou suspendues ? Peu importe l’exactitude. Ce sont les variations qui font de ce récit un dispositif de transmission, entre danse et performance documentaire, où la mémoire collective devient une œuvre vivante. histoire(s) révèle ce qui traverse le temps et subsiste dans les cœurs de cell·eux qui l’ont vue.
Vingt-deux ans après sa création au Kunstenfestivaldesarts en 2004, la vidéo-performance documentaire histoire(s) est devenue un véritable dépositaire de mémoire et une référence de la « danse documentaire ». Réactivée en 2026, elle superpose trois époques : 1946, 2004, 2026. La scène devient le lieu d’une mise en abyme où l’on regarde aujourd’hui des personnes se souvenir du choc esthétique d’hier. La danse vit au-delà des corps, par-delà les époques. Chaque nouveau regard recompose l’œuvre. À l’heure où les images s’effacent à la cadence du défilement, histoire(s) défend une écologie du temps et fait entendre la profondeur d’un souvenir artistique vieux de quatre-vingts ans.
Coprésentation Charleroi danse
En résumé
La chorégraphe part d’un ballet créé en 1946.
Elle a retrouvé des personnes qui l’ont vu ce soir-là.
Leurs récits se complètent mais se contredisent aussi.
On s’interroge sur ce que la mémoire garde ou transforme.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
histoire(s) • Olga de Soto
GREEN/ORANGE/RED
Pour cette création avec la promotion sortante de l’ESAC, Side-Show transpose sur scène une figure emblématique de la rue : le cirque au feu rouge. Geste urbain un peu punk, éphémère et sauvage, que devient-il une fois invité au théâtre ?
Sous l'œil d'Aline Breucker et Quintijn Ketels, le plateau se transforme en un carrefour à l'échelle réelle. Ici, le spectaculaire ne se niche pas seulement dans la prouesse, mais dans l'attente : la beauté brute d'un groupe immobile au passage piéton, l'urgence d'un numéro de 60 secondes — le temps d’un feu rouge — et la poésie du quotidien qui déraille.
Fidèle à la démarche « relaxed » développée par Side-Show, le spectacle interroge notre perception de la performance. Entre la dramaturgie de la vitesse et la douceur du collectif, où se situe le spectaculaire ?
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Pour cette création avec la promotion sortante de l’ESAC, Side-Show transpose sur scène une figure emblématique de la rue : le cirque au feu rouge. Geste urbain un peu punk, éphémère et sauvage, que devient-il une fois invité au théâtre ?
Sous l'œil d'Aline Breucker et Quintijn Ketels, le plateau se transforme en un carrefour à l'échelle réelle. Ici, le spectaculaire ne se niche pas seulement dans la prouesse, mais dans l'attente : la beauté brute d'un groupe immobile au passage piéton, l'urgence d'un numéro de 60 secondes — le temps d’un feu rouge — et la poésie du quotidien qui déraille.
Fidèle à la démarche « relaxed » développée par Side-Show, le spectacle interroge notre perception de la performance. Entre la dramaturgie de la vitesse et la douceur du collectif, où se situe le spectaculaire ?
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
GREEN/ORANGE/RED
La Barakakings
Cette année La Barakakings revient pour une nouvelle création, un nouveau long format même!
Et cette fois, non pas pour une date unique, mais bien pour une série!
En attendant de vous donner la tendance, rappelez-vous que la Barak c'est un cornet de performances collectives à toutes les sauces: certaines douces, d'autres piquantes qui amuseront vos papilles avec ce petit goût de "reviens-y".
Infos à venir, restez dans le coin.
Écriture Eden Adam & Lile Wéry | Mise en scène Eden Adam | Assistanat mise en scène Ernesto Coyote | Performeur•euses Mama Tituba, Lil•x•ir, Tigger Warming, Meltyn Pot'head, Enby Valent | Création lumière Anthony Vanderborght | Distribution en cours | Production Eden Adam & Ernesto Coyote
Les Riches-Claires
Bruxelles
Spectacle
La Barakakings
Grand Cirque de Noël de Bruxelles
Bienvenue à la 15e édition du Grand Cirque de Noël de Bruxelles sur la Place Flagey à Ixelles, un spectacle inédit signé Alexandre Bouglione !
Pour cette édition anniversaire, aucun effort n’a été épargné afin de vous offrir une expérience encore plus spectaculaire et inoubliable.
Plongez dans la féérie de cette célébration annuelle, où la magie du cirque prend vie au cœur de Bruxelles avec un tout nouveau spectacle spécialement conçu pour la saison des fêtes. Laissez-vous envoûter par des performances exceptionnelles de nos artistes internationaux : un ventriloque présenté pour la toute première fois à Bruxelles, un clown primé au Festival International du Cirque de Monte-Carlo, ainsi que des illusionnistes, trapézistes et équilibristes de renommée.
Dans une atmosphère empreinte de la magie de Noël et d’un univers circassien féerique, vivez 1h45 de pur émerveillement, sublimé par la signature artistique unique d’Alexandre Bouglione.
Venez créer des souvenirs inoubliables en famille et entre amis !
Cirque Alexandre Bouglione
Ixelles
Spectacle
Grand Cirque de Noël de Bruxelles
Sassy Cabaret de Noël
Laissez-vous embarquer dans la magie de Noël version Sassy Cabaret : des paillettes, de la satire, de l’impertinence, de la sensualité, un zeste d’érotisme et de militance.
Cette année le Sassy vous emmène dans Le Drôle de Noël de Scroodgez. Homme riche, un peu politicien, un peu promotteur immobilier, un peu avide de pouvoir.
Ce qui est sûr c’est que Scroodgez est égoïste, aigri, individualiste.
Il n’aime pas Noël et a refusé toutes les invitations qu’on lui a fait. Il est seul le soir de Noël et des esprits viennent lui rendre visite afin de lui montrer ce qu’il a perdu par le passé, ce qu’il provoque au présent et ce qu’il risque dans le futur.
Est-ce que Scroodgez va s’ouvrir et se laisser aller à la magie de Noël ?
Avec Lili Mirez-moi , Evita de Mee, Daniel de Oliveira, Leo Dick’capricio, Mélusine Beauséjour, Mado Laforge, Chanelle de Mai, Loulou Velvet / Écrit et mis en scène par Leïla Burnotte aka Lili Mirez-moi / Technique : Robin Guennoun et Chamsedine Madec
Administration : Sylvie Filet aka Evita de Mee
Production : The Sassy Cabaret / Une invitation du 140
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Sassy Cabaret de Noël
Et Hop !
Cette année, dans le cadre de l’évènement spécial Noël au Senghor, une multitude d’activités créatives et goûters surprenants seront proposés durant cette période spéciale des Fêtes de fin d’années.
Le spectacle « Et hop ! » de Bruno Coppens sera également au programme des enfants ainsi que de leur famille :
– Léon, pour t’endormir, tu n’as qu’à compter les moutons qui hop! sautent la barrière, a dit Papa.
– Mais… Comment ils font alors, les moutons pour s’endormir ?
– Heu…
– Et les bergers? Et les loups? Et les chaperons rouges?
Et hop!… Une drôle d’histoire sautillante à ne pas dormir debout.
Distribution
Bruno Coppens, Ronald Vanspaendonck,
Marie et Sophie Hallynck (Ensemble Kheops).
TARIF : 5€, 1.25 Article 27
Bruno Coppens, Ronald Vanspaendonck,
Marie et Sophie Hallynck (Ensemble Kheops).
Le Senghor - Centre Culturel d’Etterbeek
Etterbeek
Spectacle
Et Hop !
All the Way Around
Au fil de ce spectacle mêlant danse et concert de jazz, Meg Stuart, le bassiste Doug Weiss et la pianiste Mariana Carvalho entreprennent un voyage sans itinéraire précis à travers le mouvement et le son. Partant de la ballade — un chant de désir et de résistance —, le spectacle déploie des spirales de mémoire et nous fait naviguer entre ce dont nous nous souvenons à peine et l’inconnu.
Meg Stuart, le bassiste Doug Weiss et la pianiste Mariana Carvalho se rencontrent dans All the Way Around , à la fois un spectacle de danse et un concert de jazz . Iels entament ensemble un voyage sans itinéraire précis à travers le mouvement et le son. La conception lumière d’Emese Csornai devient un quatrième acteur et s’adapte sans cesse aux éléments imprévisibles de chaque lieu. Le spectacle part de la ballade — un chant de désir et de résistance — et la décompose en gestes certes infimes, mais significatifs. All the Way Around déploie des spirales de mémoire et ouvre ainsi une porte qui ramène nos expériences collectives à une dimension personnelle. Nous oscillons ainsi entre ce dont nous nous souvenons à peine et l’inconnu. « Lorsque Meg et moi “jouons” ensemble, je pars surtout de souvenirs, voire de nostalgie, avec pour objectif final d’arriver à ce point où la pièce coule simplement en nous, hors de nous et autour de nous. D’une certaine manière, nous effaçons les souvenirs et la nostalgie par de nouvelles expériences. Ou bien nous transposons des souvenirs corporels et musicaux dans le présent, créant ainsi un nouveau dialogue entre la danse et la musique. » — Doug Weiss en conversation avec Kerstin Schroth • Meg Stuart est chorégraphe, metteuse en scène et danseuse. Elle vit et travaille à Berlin et à Bruxelles. Avec sa compagnie Damaged Goods, fondée en 1994, elle a créé plus de trente productions, allant de solos et de duos à des chorégraphies pour plusieurs danseur·euses, en passant par des œuvres vidéo, des projets in situ et des projets d’improvisation. Parmi ses créations récentes, citons steal you for a moment (2024) et GLITCH WITCH (2024), toutes deux présentées par le Kaaitheater. Le travail de Stuart évolue librement entre la danse, le théâtre et les arts plastiques, et se nourrit d’un dialogue constant avec des artistes de différentes disciplines. À travers des fictions et des couches narratives, elle explore comment la danse peut mener à la transformation et à la guérison. L'improvisation constitue un élément essentiel de la pratique de Stuart, en tant que stratégie pour activer et explorer des états physiques et émotionnels — ou leur souvenir. • Le bassiste acoustique Doug Weiss (États-Unis/Allemagne) est basé à Berlin et à New York. Depuis trente ans, il maintient le groove sans effort et fait swinguer la musique. Il a été bassiste et directeur musical du quartet d’Al Foster de 1996 à 2020. Il est également membre de Brian Blade’s Lifecycles, du Peter Bernstein Quartet et du groupe de Seamus Blake. Avec son groupe The Berlin Quartet, Weiss s’impose comme compositeur, arrangeur et chef d’orchestre ; le groupe a récemment sorti son premier album Drawn From Life. Weiss est également professeur et a enseigné à The New School, au SUNY Purchase College et au Jazz Institut Berlin. Il est actuellement attaché au Conservatoire de Maastricht. • Mariana Carvalho (BR/DE) est une interprète, artiste sonore, improvisatrice et musicienne. Elle travaille avec le corps, les voix, l’écoute, les relations, les sons intérieurs et le piano préparé. Elle fait partie de Sonora – músicas e feminismos et de GEXLAT. Elle suit actuellement un master en Sound Studies and Sonic Arts à l’UdK Berlin et est tutrice au sein du Soundscape Project à l’Université technique de Berlin. Elle a obtenu une licence de piano à l’Universidade de São Paulo, où elle a fait partie de NuSom – Núcleo de Pesquisas em Sonologia et de l’Orquestra Errante.
Meg Stuart / Doug Weiss
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
All the Way Around
Heka
Ici, tout n'est que faux-semblant.
La compagnie Gandini Juggling – britannique, certes, mais définitivement sans frontières – réunit sur scène un casting cosmopolite. Depuis les années 1990, elle dynamite les codes et s’impose comme l’un des moteurs les plus inventifs de la jonglerie contemporaine. Avec Heka, elle propulse un spectacle inclassable, à la jonction de la magie, du jonglage et de la danse contemporaine.
Après avoir frayé avec les univers de Pina Bausch et Merce Cunningham, ses interprètes virtuoses lâchent la bride : dans Heka tout vacille, dérape, rebondit. La Compagnie cumule plus de 600 représentations dans 50 pays au compteur, et toujours ce goût du vertige : objets capricieux, gestes en cascade, illusions espiègles s’emballent dans un ballet fascinant sous haute tension où le faux devient enchantement.
Royaume-Uni
2024
Mise en scène Sean Gandini & Kati Ylä-Hokkala
Consultants magie Yann Frisch, Kalle Nio
Jongleurs Kate Boschetti, Sean Gandini, Tedros Girmaye, Kim Huynh, Sakari Männistö, Yu-Hsien Wu, Kati Ylä Hokkala et Jose Triguero et Doreen Grossman en alternance
Centre Culturel d'Uccle
Uccle
Spectacle
Heka
Tinieblas
Tout a été cartographié sur notre continent : les sentiers forestiers sont balisés, les itinéraires décrits avec précision dans les guides touristiques. Connecté·es à des milliers de satellites qui tournent autour de notre planète, nous trouvons notre chemin sans regarder autour de nous. Où et comment pouvons-nous nous perdre aujourd’hui ? Et au théâtre ? Une histoire polyphonique qui imite des événements réels. Ou s’agit-il de situations qui n’ont existé que dans notre imaginaire collectif : légendes, récits, rumeurs… Une performance entre la lenteur du cheminement de l’être humain et la vitesse vertigineuse de l’imagination.
Le mot espagnol « Tinieblas » signifie en gros « manque de lumière ». Il contient également le mot « nieblas », qui désigne quant à lui le « brouillard » ou la « brume ». Niebla est également le nom du village natal du grand-père d’Edurne Rubio. Dans son spectacle, elle présente un recueil de récits sur des personnes qui se perdent. Une histoire polyphonique qui imite des événements réels. Ou peut-être s’agit-il de situations qui n’ont existé que dans notre imaginaire collectif : légendes, récits, rumeurs… Nous vivons sur un continent entièrement cartographié. Les sentiers forestiers sont balisés et les itinéraires décrits avec précision dans les guides touristiques. Connecté·es à des milliers de satellites qui tournent autour de notre planète, nous cherchons notre chemin sans vraiment regarder le monde qui nous entoure.Où et comment pouvons-nous nous perdre aujourd’hui ? Et au théâtre ? Tinieblas est une performance où le public se perd, se retrouve, puis s’égare à nouveau. Le théâtre devient le centre d’un territoire, un lieu doté de ses propres coordonnées géographiques. Les spectateur·ices forment en même temps un seul corps en mouvement, pareil au bruissement d’une nuée d’étourneaux. C’est une expérience sensorielle qui maintient en permanence la tension entre l’intérieur et l’extérieur, entre la lenteur d’un·e marcheur·euse et la vitesse vertigineuse de l’imagination, capable de nous téléporter en un clin d’œil. • En tant qu’artiste plasticienne travaillant à l’aide d’un large éventail de supports et de formats, Edurne Rubio (Burgos, 1974) présente son travail dans divers contextes : théâtres, festivals de cinéma, expositions et espaces publics. Elle crée des situations qui génèrent une tension entre ce que nous voyons et entendons, et évolue ainsi entre le présent, la mémoire et l’imagination. Fascinée par les récits oraux, elle construit des récits collectifs à partir d’histoires individuelles, offrant ainsi une lecture subjective de l’histoire. Une lecture façonnée par l’émotion et en constante évolution.Sa nouvelle pièce de théâtre, Tinieblas (2026), s’inscrit dans la continuité des recherches qu’elle a menées dans les performances A Nublo (2021) – réalisée en collaboration avec l’artiste Maria Jerez sur les phénomènes naturels – et Light Years Away (2016) sur l’obscurité des grottes, qu’elle a présentées dans divers théâtres européens, dont le Kaaitheater.Au cours du processus de création de Tinieblas, Edurne Rubio a réalisé un film intitulé Los huesos no flotan (2026), qui a été projeté au Wiels dans le cadre d’Europalia España.
Edurne Rubio
Kaaistudio's
Bruxelles
Spectacle
Tinieblas
Newroz
Newroz signifie le jour nouveau en kurde. Pour le célébrer, Bahoz Temaux a créé un concert cirque aux sonorités persanes.
Ce spectacle est l’allégorie musicale et acrobatique de la crise identitaire d’un homme vivant avec les préjugés liés à son genre, sa couleur et sa double culture.
Newroz signifie le jour nouveau en kurde. Pour le célébrer, Bahoz Temaux a créé un concert cirque aux sonorités persanes.
Ce spectacle est l’allégorie musicale et acrobatique de la crise identitaire d’un homme vivant avec les préjugés liés à son genre, sa couleur et sa double culture. C’est aussi une forme de jeu sur les apparences, une forme de dialogue entre un cœur fait de musique et un corps jouant avec le risque.
L’acrobatie devient alors un exutoire, sublimée par la délicatesse des pensées poétiques qui nous sont confiées. Bahoz livre avec Newroz un témoignage tout aussi percutant qu’empreint de douceur et de tolérance.
Compagnie La Meute
La Vénerie, Espace Delvaux – Centre Culturel de Watermael-Boitsfort
Watermael-Boitsfort
Spectacle
Newroz
Surveillée et Punie
Sublimer la haine, voilà l’ambition qui lie l’autrice-compositrice- interprète Safia Nolin et le metteur en scène Philippe Cyr.
Ensemble, iels s’emparent de milliers d’insultes proférées contre la chanteuse — matériau brut, laid et violent — pour nourrir une création hors norme et musicale.
Quel sens donnons-nous à la liberté d’expression lorsqu’elle devient violence ?
Safia se place courageusement au centre du dispositif, devant un grand choeur qui déverse son fiel sur elle. Dans une puissante célébration du geste artistique et un vibrant appel au collectif, sororité et solidarité se déploient. Face à la punition infligée par la parole publique, toutes les permissions sont accordées par la musique, jusqu’à renverser les rapports de force.
Armée de sa guitare, Safia Nolin se réapproprie enfin l’espace dont on la chasse. Surveillée et punie emprunte son titre à Surveiller et punir de Michel Foucault. À la prison des corps répond ici celle des mots : une parole qui accuse, qui condamne — jusqu’à viser la chair.
TW : Le spectacle est basé sur des propos haineux et violents
Avec : Safia Nolin, Katia Lévesque et un choeur / Livret : Safia Nolin, Jean-Philippe Baril Guérard / Musique : Safia Nolin, Vincent Legault / Idéation et mise en scène : Philippe Cyr / Conseil dramaturgique : Anne-Marie Voisard
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Surveillée et Punie
Bouchra Ouizguen. Qunfudh
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Bouchra Ouizguen. Qunfudh
Poisson Blanc
Nicole et Amélie, deux amies, embarquent dans un canoë pour aller camper sur un bout de terre au milieu du lac du Poisson Blanc, dans les Laurentides, au Québec. Arrivées sur place, elles font la connaissance de Joshua, un homme qui ne dort plus depuis dix ans et ne fait plus la distinction entre rêve, réalité et cauchemar. Des phénomènes inquiétants surgissent et brouillent leurs repères.
Poisson Blanc nous plonge dans un thriller onirique où la réalité vacille et où les interstices deviennent les lieux à habiter.
Dans cette création immersive mêlant théâtre, son et installation visuelle, la cie Ersatz propose une expérience sensorielle singulière. La·e spectateur·ice, muni·e d’un casque à conduction osseuse, n’est plus simple observateur·ice, iel devient une composante intrinsèque du paysage, invité·e à ressentir l’étrangeté d’un monde où l’humain et le non-humain se troublent.
Spectacle immersif où le public est dans la scénographie avec des casques à conduction osseuse.
Auteur : Gabriel Charlebois Plante / Mise en scène : Camille Panza / Dramaturgie : Léonard Cornevin et Camille Panza / création lumière, direction technique et voix off : Léonard Cornevin / Création sonore : Noam Rzewski / création technique : Giuseppe della Trumba / création visuelle : Pierre Mercier
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Poisson Blanc
Lulu's Baby
Tant inspiré·es qu'effrayé·es par leurs propres expériences, Sahar Rahimi et Lucy Wilke cherchent refuge dans des utopies post-humanistes où les êtres humains sont conçus hors du corps humain, et donc hors de l’utérus – un thème aussi vieux que l’humanité elle-même. Lulu’s Baby, inspiré par les films d’horreur et les blocs opératoires, offre une vision ironique et utopique de l’avenir qui, à travers des images à la fois troublantes et envoûtantes, nous invite de manière ludique à réfléchir aux potentialités d’une communauté affranchie des contraintes de genre et des rôles maternels.
La collaboration de longue date entre Lucy Wilke et Sahar Rahimi repose sur un intérêt commun pour les personnages féminins marginalisés, les thèmes du handicap et du pouvoir, ainsi que les films de body horror. Dans leur quatrième production commune, elles explorent les thèmes de la grossesse, de l’accouchement, de la maternité et du désir d’avoir des enfants. À la fois inspirées et rebutées par leurs propres expériences, Rahimi et Wilke se tournent vers des utopies posthumanistes où les êtres humains sont conçus en dehors du corps humain, et donc en dehors de l’utérus — un thème aussi vieux que l’humanité elle-même. Comme les expériences sur des moutons ont déjà partiellement réussi à reproduire le fonctionnement de l’utérus, un thème mythologique ancestral pourrait bien devenir réalité. Quelles conséquences ces développements ont-ils sur l’éthique et les rôles de genre ? La grossesse et la naissance en dehors du corps humain pourraient-elles enfin libérer le corps féminin* du fardeau de la reproduction et représenter ainsi un pas vers l’égalité des genres ? Les personnes qui se sont jusqu’à présent vues refuser la parentalité auraient-elles enfin la possibilité de fonder une famille ? Ou bien les utérus artificiels priveraient-ils les femmes* du dernier bastion qui n’a pas encore été détourné par un système de valeurs patriarcal-capitaliste : la capacité de donner naissance ? S'inspirant des films d'horreur et des salles d'opération, Lulu’s Baby est une vision ironique et utopique de l'avenir qui nous invite à réfléchir aux possibilités d'une communauté au-delà des contraintes de genre et des rôles maternels, le tout de façon ludique, à travers des images à la fois troublantes et envoûtantes. • Lucy Wilke est une actrice, chanteuse et danseuse primée, installée à Munich. Depuis 2020, elle fait partie de la troupe du Münchner Kammerspiele et est connue pour ses performances visionnaires et body positive. Son travail, notamment la pièce très acclamée Scores that shaped our Friendship, lui a valu le prestigieux prix Der Faust et une invitation au Berliner Theatertreffen. Elle est également en tournée à travers l’Europe avec son groupe blind and lame. • Sahar Rahimi (née en 1981 à Téhéran, en Iran) est metteuse en scène, autrice, artiste de performance et commissaire d’exposition. Son travail transcende les frontières entre théâtre, performance, installation et vidéo. Elle a étudié à l’Institut des sciences théâtrales appliquées de Giessen et est cofondatrice de la troupe de performance Monster Truck, qui a reçu le prestigieux prix Tabori pour l’ensemble de son œuvre. En tant qu’artiste solo, Sahar Rahimi a présenté plusieurs productions sur des scènes à travers toute l’Europe. Elle assure la direction artistique du Festival Brecht d’Augsbourg avec Mark Schröppel.
Lucy Wilke / Sahar Rahimi
Kaaistudio's
Bruxelles
Spectacle
Lulu's Baby
Soute à Bagages + C'est pas grave... on fera pire la prochaine fois
Danse / Soirée composée
SOUTE À BAGAGES
Soute à Bagages est un carnet de voyage corporel, un itinéraire du corps en mouvement où le déplacement transforme la géométrie du corps.
Quel est le langage et les stratégies qu’invente un corps soumis aux turbulences du voyage, aux freinages brutaux, aux arrêts intempestifs, à ce qui tombe à ce qui glisse ou s’effondre, aux ondes de choc, entre deux vitesses, entre deux lieux, entre deux temps, entre soi et l’autre ? Un corps dans toutes les situations, dans l’inconfort ou la promiscuité, qui fait sa place ou s’extrait. A la recherche d’un minimum vital, dans la claustrophobie du compartiment, chaque geste, chaque mouvement est un réaménagement de soi, entre pliage et déploiement.
Comment poser son être, s’ancrer, ou dériver ?
De la même manière que le réel est toujours ce qui nous surprend , le voyage qui n’en est qu’une traversée délibérée nous met toujours hors de nous et nous rend toujours autre.
L’objet du voyage n’est pas de trouver mais de perdre, pas d’unifier mais de multiplier, pas de raconter mais d’écouter.
Le voyageur malgré lui ce n’est plus un voyageur mais une « personne déplacée » un déporté, un naufragé .
Carnet de voyage : Aménagements de soi, dans le pliage, dans le plis, comment on survit à l’inconfort, comment on trouve le confort dans l’inconfort accords désaccordés, désaccords accordés, combien sont-ils pour prendre une décision une direction, Si le corps est une assemblée , les décisions ne se prennent pas de la même manière Comment gère t on les désaccords à l’intérieur de soi. Être emporté dans le mouvement, être laissé sur le côté, la recherche d’équilibre implique de comprendre l’inertie qui l’entraine dans l’autre sens.
Si le voyage m’intéresse c’est qu’il permet de penser par parenthèses, dans l’interstice des discours, entre deux lieux, dans les non lieux, entre deux temps. Imaginer un voyage c’est comprendre les nervurations intimes du corps comme autant de chemins dont il est le carrefour comme autant de pays dont il figure le pôle. Les mouvements qui l’animent indiquent les directions qui lui est possible de prendre.
+++
C'EST PAS GRAVE... ON FERA PIRE LA PROCHAINE FOIS
La pire des choses serait qu'il n'arrive rien.
Déplier, renverser la catastrophe comme un "c'est pas grave" du "c'est pas grave", déterrer le plaisir féroce du débordement, de l'effondrement, le tragédie, l'instant critique.
La vie est si sauvage qu'elle dévore l'ordinaire humain par ses irruptions cataclysmiques, un mélange de grave et d'aigu, de notes de joie comme de souffrance.
Dans l'œil du cyclone, abuser du dérisoire pour contourner l'ironie du sort, créer un moment absurde de suspension et d'humour, trébucher juste au bord du désastre.
C'est pas grave, on fera pire la prochaine fois.
L'éclat triomphant et tragique de trois victimes du pire, qui se tirent avec humour de situations absurdes, qui auraient pu échapper à la fatalité mais qui préfèrent se jeter au cœur de la mêlée, juste parce que, vivre, ça n'est jamais rester à l'écart de ce qui peut se produire.
> Tout public
> 60 min
Centre Culturel Jacques Franck
Saint-Gilles
Spectacle
Soute à Bagages + C'est pas grave... on fera pire la prochaine fois
Magic Bliss - Spectacle pour enfants
Ses effets lui ont permis de bluffer les plus grandes stars de la magie au monde.
Mister Bliss est un magicien de renommée internationale. Gagnant de" l'étoile d'argent" à la compétition de " La nuit des étoiles", 1er prix au festival international de magie à Nivelles, deuxième prix au championnat de close-up à Cannes, ... Une expérience de 20 ans de magie professionnelle qui impressionnera petits et grands!
Site Internet:
https://www.blissmagic.be/
Le Petit Chapeau Rond Rouge
Etterbeek
Spectacle
Magic Bliss - Spectacle pour enfants
Douce révolution
Douce Révolution est un spectacle relax, une forme inclusive pour tous et toutes à partir de 4 ans. Un spectacle conçu d’entrée de jeu pour des personnes nécessitant un environnement plus détendu pour se rendre au théâtre. Les codes habituels, qui imposent de rester assis, de ne pas réagir verbalement ou physiquement à ce qui se passe sur scène, y sont adaptés.
C’est l’histoire de trois copains-copines qui marchent dans une ellipse. Traversent les forêts et les champs, gravissent les montagnes, scrutent la mer et son horizon.
Les trois copains-copines marchent autour du monde. Ramassent un caillou, partagent un feu de camp, un temps. Le voyage dure trois jours et trois nuits. Pendant ce temps, à force de respirer le même air, de chasser le même moustique, de marcher d’un même pas, ces trois-là se seront apprivoisés, chaque jour un peu plus.
Quand iels sortiront tous les trois de l’ellipse, l’histoire sera terminée. Rien n’aura changé, mais rien ne sera plus jamais pareil…
Une histoire toute simple. Une promenade, avec toutes les rêveries qui s’y accrochent, entre réel et imaginaire.
Représentation en partenariat avec Pierre de Lune, Centre Scénique Jeunes Publics de Bruxelles
Compagnie des Mutants
Maison Haute
Watermael-Boitsfort
Spectacle
Douce révolution
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
5€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
The fold of a ^ landscape
Le pliage s'avère être un geste transformateur : un corps, un objet, un espace, un instant, une lumière ou un son peut se plier en une forme différente, au-dessus ou autour de quelque chose d'autre. Dans cette performance, Heine Avdal & Yukiko Shinozaki créent des gestes qui forment un système continu de pliage et de dépliage : des plis qui se déploient dans un espace ou un paysage. Le dépliage n’est dès lors pas l’inverse du pliage, mais bien son prolongement. Un pli en entraîne toujours un suivant.
Cette performance est issue d’une recherche menée par Heine Avdal & Yukiko Shinozaki sur le pliage et le dépliage – une approche qui façonne la manière dont les corps se déplacent, se positionnent et se rapportent à l’espace. La pièce invite à un moment collectif de réflexion. Des manières différentes de se réunir émergent soudain : en tant que groupe, en tant qu’individus ou à travers une existence partagée. En l’absence d’habitudes familières et de structures fixes, la performance nous interroge : qu’est-ce qui nous rassemble ? Au cours de ce projet, Avdal et Shinozaki abordent le corps, le mouvement ainsi que les espaces intérieurs et extérieurs comme un paysage dynamique. Un paysage qui peut être courbé, plié et déplié. Le pliage s’avère une action transformatrice : un corps, un objet, un espace, un instant, une lumière ou un son peut se plier en une forme différente, au-dessus ou autour de quelque chose d'autre. Ces actions créent un système continu de pliage et de dépliage : des plis qui s’étendent à travers un espace ou un paysage. Le dépliage n’est pas ici le contraire du pliage, mais son prolongement. Un pli en entraîne toujours un autre, comme dans l'origami. La performance se déploie à travers les relations changeantes entre l’espace et le mouvement, offrant ainsi des situations mouvantes plutôt qu’un récit figé. Stabilité et incertitude coexistent. Plutôt que de s’appuyer sur l’ordre et la répétition, l’œuvre laisse la différence et l’ambiguïté façonner nos connexions. • Heine Avdal et Yukiko Shinozaki sont chorégraphes/performer·euses. Iels travaillent ensemble depuis 1996 et ont fondé la compagnie fieldworks. Le désir de réimaginer la relation du corps avec son environnement – et d’inviter le public à cette découverte (qui se déploie) est au cœur de leur pratique. Leur pratique est animée par une curiosité quant à la manière dont les arts de la scène peuvent redéfinir notre compréhension du corps humain et de notre environnement quotidien. Iels explorent les architectures invisibles – sociales, physiques et perceptives – qui façonnent nos mouvements, à travers des environnements publics et privés. Leurs interventions subtiles et leurs déplacements délicats révèlent des chorégraphies cachées et nous invitent à redécouvrir le familier, le connu, sous un regard neuf. Fieldworks a créé plus de 35 productions, qui ont fait l’objet de tournées dans plus de trente pays à travers le monde. www.field-works.be
Heine Avdal / Yukiko Shinozaki / fieldworks
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
The fold of a ^ landscape
Mónica Valenciano. ENSAYOS PARA NADA Y AVE
Chorégraphe, danseuse, poète et peintre, Mónica Valenciano est lauréate du Prix national de la danse d'Espagne. Sa carrière croise celle d'autres artistes espagnols de renom tels qu'Ana Buitrago, Olga Mesa, La Ribot, Blanca Calvo... Depuis la création de sa compagnie, El Bailadero, en 1997, son travail a été présenté dans des festivals nationaux et internationaux, sur scène, ainsi que dans des musées et galeries d'art. Outre son travail scénique, elle a publié plusieurs recueils de poésie et de dessins, et enseigne la théorie et la pratique de la performance, ce qui fait d'elle une figure clé de la scène artistique expérimentale et militante d'aujourd'hui.
ENSAYOS PARA NADA Y AVE (ESSAI POUR RIEN ET UN OISEAU) marque sa première apparition à Bozar et est une coproduction entre Bozar et TEA - Tenerife Espacio de las Artes.Dans le cadre du projet 'PIT - Perform, Inform, Transform: Participatory Performance in Art Museums', cofinancé par l'Union européenne.
Il s'agit d'un cadre de jeu qui se déroule à travers 22 cartes - ou images à dévoiler sur place.
Pour faire émerger la voix du corps caché au sein du corps qui danse, à la recherche de cette polyphonie qui, plutôt que d'expliquer,
implique des manières d'habiter l'événement lui-même - à l'intérieur, derrière, en dessous, entre, avec ce qui est là.
Des instants fugaces d'une présence partagée et d'un chant ; au sein du mouvement des images, des plans multiples et des relations inattendues se mêleront, dévoilant des passages où des situations émergent pour explorer la trame capable de retenir une étincelle = un événement.
· Comment rendre visible cet appel, dans lequel quelque chose se présente ?
· Comment générer la potentialité de l'événement comme mode d'émergence ?
· Comment faire naître la possibilité de cet espace-temps ?
· Ou... .. . ... .
« L'événement se cache, replié dans le passage entre un mouvement et un autre ; ainsi, chaque instant est potentiellement une porte qui s'ouvre... »
(Pascal Quignard)
2025 - M.V.
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Mónica Valenciano. ENSAYOS PARA NADA Y AVE
Chauv·e
Chauv·e est un stand-up drag tendre, irrévérencieux et facétieux.
Sur scène, Blanket La Goulue, drag bruxelloise, déballe sa vie avec humour et dérision : un corps hors cadre, une voix en transformation, et un être qui cherche à s’inventer loin des normes.
Elle démonte le patriarcat et nous livre ce parcours du devenir soi en chansons détournées, convoquant Helmut Fritz, France Gall, Michel Berger. Entre confidences, humour et récits personnels, Blanket transforme ses failles en manifeste sensible, sa calvitie en ornement, et le cabaret en espace de lutte partagée. Le rire devient alors un outil pour conjurer les violences du quotidien.
Entre grotesque et poésie, Massie interroge dans ce seul en scène la virulence de la société, pose un regard lucide sur sa communauté et s’adresse à celles, ceux, celleux qui doutent, qui questionnent, ou qui pensaient avoir tout compris. Un cabaret qui ne laisse personne de côté !
Mise en scène, écriture, jeu : Massie Mucedda / Assistanat à la mise en scène : Médéa Anselin / Création lumière et régie générale : Cyriel Lucas / Régie lumière : Cyriel Lucas en alternance avec Emil Seillan / Création sonore et régie son : Noé Berling / Costumes Aidan Abnet et Khadija Karam / Photos : Laetitia Bica
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Chauv·e
Luc Langevin – L’Illusionniste
Luc Langevin revient avec un nouveau spectacle époustouflant, rempli de grandes illusions exécutées à la perfection. Une exploration de la dualité entre la tête et le cœur qui captive l’imagination.
L’illusionniste Luc Langevin présente son tout dernier spectacle à Forest National. « Là Où L'Impossible Prend Vie » est une combinaison impressionnante d’illusions spectaculaires, d’effets lumineux envoûtants et de musique enchanteresse. Créé avec son partenaire de longue date Stéphane Bourgoin, ce spectacle est une expérience inoubliable qui dépasse la réalité !
Forest National
Forest
Spectacle
Luc Langevin – L’Illusionniste
The Clash Machine
The Clash Machine a jailli de la rencontre entre un groupe d'artistes non conventionnel·les issu·es du monde de la danse et de celui de la lutte belge. Iels présentent leur premier vrai spectacle au Kaaitheater : une performance dopée aux hormones synthétiques, où fiction et réalité se confondent. Tout en conservant le récit classique du·de la héro·ïne contre le·la méchant·e, le collectif se réapproprie les récits liés à la violence et, à travers la lutte, incite le public à riposter face aux tactiques néofascistes.
The Clash Machine est un collectif né de la rencontre entre un groupe d'artistes non conventionnel·les issu·es du monde de la danse et celui de la lutte belge. Les membres du BYWS (Brussels Young Wrestling Style) se réapproprient la brutalité et le conflit. Entraîné·es par le coach Nsimba (alias Shao alias Cowboy pas fatigué, une star de la lutte belge et congolaise), iels questionnent la violence à travers leur performance. Auparavant, iels s’affrontaient lors de soirées techno, de soirées caritatives et de festivals de quartier. Aujourd’hui, The Clash Machine présente son premier véritable spectacle : une performance endiablée, gonflée aux hormones synthétiques. Avec l'art de la lutte, iels brouillent les frontières entre fiction et réalité. The Clash Machine brise le quatrième mur à coups de poing et crée ainsi des moments fédérateurs, bruyants, exubérants et transpirants. Sur le ring, iels jouent avec la dichotomie classique de la lutte : héros·ïnes contre méchant·es (babyface vs talons), un récit sur lequel le public peut projeter ses propres émotions, comme une forme de catharsis. The Clash Machine se laisse transformer par la réalité qui fait irruption dans les représentations, porté par l’urgence du présent et fidèle à la spontanéité. The Clash Machine constate plus généralement que le néofascisme a recours à des tactiques comparables à celles de la lutte : il prend ses distances par rapport à sa violence et la rend sensationnelle, jouant également avec les frontières entre fiction et réalité. En réaction à cela, le collectif se réapproprie les récits liés à la violence et, à travers la lutte, incite le public à riposter. Loü Viret, également connu sous le nom de L’Bouro du Bitume, danse depuis son enfance. Il a aujourd’hui envie de réinventer la danse en repoussant ses limites ; il danse aussi bien lors de fêtes que pendant des manifestations, sur des scènes de théâtre ou, comme c'est le cas actuellement, sur le ring. Violette Lacroix, même si tout le monde l’appelle Vio. Sur le ring, elle incarne la romantique « Marry Me Nathalie ». Avant de se lancer dans la lutte, elle a suivi des cours de danse de salon dans la catégorie « catwalk » à la Kiki House of Gabbana. Justine Richard, performeuse et poète, est parfois possédée par Mimi la Rage, une castagneuse et tricheuse notoire, qui prend d’assaut le ring pour fracasser des os sous ses semelles compensées. Aimé Gaster, également connu sous le nom d’Erotiko, a grandi dans les rues de Marseille. C’est un agitateur, un trublion, un danseur et un lutteur qui enchante le public tant par ses mots que par son corps.
The Clash Machine (Aimé Gaster, Justine Richard, Vio Lacroix, Loü Viret + guest MC)
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
The Clash Machine
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
6€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire
Tokyo, 1991. Mike Powell s'envole et brise un record que personne, trente-cinq ans plus tard, n'a encore dépassé.
Nagano, 1998. Surya Bonaly exécute un salto arrière interdit et offre au public un geste de résistance.
Cleveland, 2014. Tamir Rice, 12 ans, est abattu en moins de deux secondes par un policier blanc.
Un mouvement invincible. Un mouvement interdit. Un mouvement indigne.
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire traverse le temps et les corps pour interroger ce que nos sociétés célèbrent, condamnent ou effacent. Le récit chorégraphique documentaire se développe en dialogue avec les danseurs Arno Ferrera et Charles Ngombengombe, la danseuse krump Kenza Deba, la poétesse Lisette Lombé et l’artiste sonore Rokia Bamba, et en complicité avec Mike Powell, Surya Bonaly et Samaria Rice.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Tokyo, 1991. Mike Powell s'envole et brise un record que personne, trente-cinq ans plus tard, n'a encore dépassé.
Nagano, 1998. Surya Bonaly exécute un salto arrière interdit et offre au public un geste de résistance.
Cleveland, 2014. Tamir Rice, 12 ans, est abattu en moins de deux secondes par un policier blanc.
Un mouvement invincible. Un mouvement interdit. Un mouvement indigne.
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire traverse le temps et les corps pour interroger ce que nos sociétés célèbrent, condamnent ou effacent. Le récit chorégraphique documentaire se développe en dialogue avec les danseurs Arno Ferrera et Charles Ngombengombe, la danseuse krump Kenza Deba, la poétesse Lisette Lombé et l’artiste sonore Rokia Bamba, et en complicité avec Mike Powell, Surya Bonaly et Samaria Rice.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire
Une petite fête - Cabaret de la dissidence
Les enfants sont la plupart du temps sous haute surveillance.
On leur dit constamment quoi faire ou plutôt quoi ne pas faire : “Ne touche pas ! Ne fais pas ci – ne fais pas ça ! Ne dis pas ces mots-là : ils sont gros et pas beaux ! Tu arrêtes ou alors…”.
L’instant de presqu’une heure, les enfants seront les invité·es d’une fête secrète, formidablement canaille où les limites peuvent être gentiment franchies. Avec humour et intelligence, Une petite fête – Cabaret de la dissidence entraîne sans danger les enfants sur le territoire d’une douce délinquance.
Doit-on tout respecter ? Doit-on s’inspirer du mode établi ? Doit-on dissider ? Les numéros burlesques et rythmés s’attaquent avec tendresse et philosophie à ces questions, tout en célébrant la liberté et la fougue aussi bien que le respect et la bienveillance, et le plaisir d’être ensemble.
Distribution
Texte : Martin Bellemare / Mise en scène : Marie-Eve Huot / Assistance à la mise en scène : Alexandra Sutto / Distribution à la création : Ludger Côté, Pénélope Ducharme, et Némo Venba / Direction de production et direction technique : Nicolas Fortin / Musique Diane Labrosse / Espace et accessoires : Margot Lacoste / Lumières : Louis-Xavier Gagnon-Lebrun assisté de Nicola Dubois
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Une petite fête - Cabaret de la dissidence
JIMMY CARR: LAUGHS FUNNY
Jimmy Carr débarque à Forest National avec « Jimmy Carr: Laughs Funny ». Les punchlines fusent à toute vitesse dans ce spectacle interactif, où il tient le public en haleine du début à la fin.
Jimmy Carr est connu pour son humour sans concession, son humour pince-sans-rire et ses échanges fulgurants avec le public. Il est devenu l’un des humoristes les plus connus du Royaume-Uni. Habitué des émissions télévisées à succès, Jimmy Carr vient cette fois à Forest National pour déchaîner un flot d’observations percutantes face à son public.
Forest National
Forest
Spectacle
JIMMY CARR: LAUGHS FUNNY
FESTIVAL MONDIAL DE LA MAGIE
Le Festival Mondial de la Magie réunit des artistes primés du monde entier pour un spectacle live unique, mêlant manipulations de cartes impressionnantes et illusions spectaculaires.
Le Festival Mondial de la Magie existe depuis plus de 30 ans. Un spectacle magique qui réunit toutes les formes de l’illusionnisme, du mentalisme aux méga-illusions. Des illusionnistes renommés de Las Vegas et de Paris montent sur scène, certains ayant même été récompensés par le prestigieux 'Mandrake d’Or'. Le tout prend vie sur la scène de Forest National.
Forest National
Forest
Spectacle
FESTIVAL MONDIAL DE LA MAGIE
Forces + Toujours de 3/4 face !
Danse / Soirée composée
FORCES
Mannès / Turine / Lemaitre
FORCES est un rituel futuriste et immersif où trois figures féminines nous emportent en un tourbillon de forces primaires, telluriques, et technologiques. Telles des chamanes guerrières cyborgs, ces passeuses puisent dans l’invisible, pour faire de leurs corps, le vecteur d’une métamorphose vitale, collective, émancipatrice.
Dans le sillon d’ATOMIC 3001, Leslie Mannès, Thomas Turine et Vincent Lemaître continuent d’explorer la relation triangulaire et fusionnelle entre le corps, le son et la lumière, afin de provoquer chez le spectateur une expérience sensorielle, totale et englobante.
FORCES fait appel à l’irrationnel pour célébrer le pouvoir du vivant en mettant en scène un corps perméable en constante mutation, un corps connecté aux éléments, au chaos, à la joie et à la collectivité tentant de se ré-approprier son pouvoir du dedans.
+++
TOUJOURS DE 3/4 FACE !
Loraine Dambermont
Selon Johnny Cadillac, ancien karatéka belge, le 3⁄4 face est LA position de défense par excellence! La chorégraphe et interprète Loraine Dambermont s’approprie ce principe et livre son guide personnel de survie face à l’expectative du chaos. Toujours de 3⁄4 face! est un seul en scène, parsemé d’auto-dérision, qui présente un tutoriel en live dévoilant les secrets de self-défense les plus infaillibles pour faire face aux dangers qui nous guettent.
De quoi affronter joyeusement notre société dans tout son caractère imprévisible et sa violence sous-jacente. La performance met au défi la virtuosité physique et mentale de l’interprète en poussant les limites d’un corps astreint entre l’endurance d’un marathon de mouvements et l’extrême précision de sa propre musicalité.
FORCES
> Dès 12 ans
> 55 min
TOUJOURS DE 3/4 FACE !
> Dès 12 ans
> 20'
Centre Culturel Jacques Franck
Saint-Gilles
Spectacle
Forces + Toujours de 3/4 face !
La Dernière Archive | Carolina Bonfim & Flavio Rodrigo
Synopsis ⋆˚✿˖° ♡ ‧₊˚ ⋅ ౨ৎ ‧₊ .ᐟ
Le 2 septembre 2018, un incendie a réduit en cendres 90 % du Musée national de Rio de Janeiro : 20 millions d’objets, des trésors indigènes, des artefacts afrobrésiliens, des reliques égyptiennes… Des mémoires parties en fumée. Face à cette catastrophe, une question obsédante : Comment accéder à un patrimoine qui n’existe plus ? Comment « visiter » un musée sans murs ni collections ? Pour y répondre, Carolina Bonfim et Flavio Rodrigo ont recueilli les souvenirs intimes de celles et ceux qui, un jour, ontcroisé un objet, une oeuvre, un fragment, un couloir de ce musée aujourd’hui disparu. À travers ces récits, i·els tracent les contours d’un musée qui persiste autrement. Une transmission vivante qui s'interroge sur la fragilité de la mémoire et des droits sociaux et politiques les plus importants de notre époque.
La Balsamine
Schaerbeek
Spectacle
La Dernière Archive | Carolina Bonfim & Flavio Rodrigo
Conférence dansée
« Plus que le résultat, c’est le processus qui m’intéresse, un acte nécessairement collectif. La note qu’un compositeur enlève n’a pas de sentiment. Le geste d’un·e danseur·euse, en revanche, c’est de l’humain : c’est la difficulté et la merveille de la danse, sa beauté et sa complexité. »Ayelen Parolin a voulu s’associer, pour cette conférence dansée, à Olivia Grandville. Déployer deux parcours de danseuses et chorégraphes, forcément uniques, forcément unis par des points de similarité. Entre elles, une grille de questions, un ping pong de réponses. Et les récurrences, les obsessions, les contradictions fertiles qui irriguent l’art de la créatrice de David, de Simple, d’Irresistible Revolution.
« Plus que le résultat, c’est le processus qui m’intéresse, un acte nécessairement collectif. La note qu’un compositeur enlève n’a pas de sentiment. Le geste d’un·e danseur·euse, en revanche, c’est de l’humain : c’est la difficulté et la merveille de la danse, sa beauté et sa complexité. »Ayelen Parolin a voulu s’associer, pour cette conférence dansée, à Olivia Grandville. Déployer deux parcours de danseuses et chorégraphes, forcément uniques, forcément unis par des points de similarité. Entre elles, une grille de questions, un ping pong de réponses. Et les récurrences, les obsessions, les contradictions fertiles qui irriguent l’art de la créatrice de David, de Simple, d’Irresistible Revolution.
Ayelen Parolin & Olivia Grandville
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
Conférence dansée
Amour sous contrat
Pendant un an, Jeanne Spaeter a réalisé une performance extraordinaire : la création d’une relation amoureuse avec un inconnu, Mike, régie par un contrat de 14 clauses : le temps passé ensemble, les gestes de tendresse, la sexualité, ect.
De cette expérience naît le spectacle performatif Amour sous contrat.
Ces 365 jours sont entièrement documentés par des journaux intimes, des objets, des photos, des vidéos et publications sur Instagram. Sur scène, Jeanne ouvre ses archives et nous invite à choisir. Une enquête collective s’engage : à partir de nos choix, les fragments de vie, les clauses et les souvenirs de ce couple surgissent.
À la croisée de l’intime et du politique, Jeanne Spaeter interroge nos modèles amoureux. Que produit un amour sous contrat ? Quels sentiments naissent d’un cadre aussi strict ? En exposant les règles souvent invisibles du couple — hétérosexualité, monogamie — elle en révèle le caractère construit et s’en empare comme terrain d’enquête à coeur ouvert.
Création et performance : Jeanne Spaeter / Collaboration artistique et mise en scène : Nicolas Perrochet / Dramaturgie : Magdalena Nadolska / Scénographie : Caroline Bourrit / Conception lumière et technique : Lola Rosarot / Dispositif live-vidéo : Yannick Mosimann / Film rushes (Normal Love) : Yannick Mosimann / Avocate et voix : Emma Lidén / Psychologue : Sanaé Haldemann
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Amour sous contrat
Gimme a break !!! | Baptiste Cazaux
Synopsis ⋆˚✿˖° ♡ ‧₊˚ ⋅ ౨ৎ ‧₊ .ᐟ
GIMME A BREAK !!! est une quête de catharsis. Empruntant au vocabulaire des musiques de rave, aux pratiques méditatives et au headbanging, Baptiste Cazaux continue ses recherches sur le lâcher-prise, qu’il envisage comme une stratégie de survie face au capitalisme. En duo avec des haut-parleurs, le chorégraphe compose un espace-temps déréglé, tout en complexités et en contradictions, dans lequel il se lance à la poursuite d’un élan vital nécessaire et revendicatif.
Dans le cadre du festival Linguales #2 Focus Suisse
La Balsamine
Schaerbeek
Spectacle
Gimme a break !!! | Baptiste Cazaux
Talk Show • Gaël Santisteva
Le corps, le cirque, les prouesses, la vie qui avance, et au passage, laisse ses marques. Talk Show dévoile les bouleversants chemins de vie des circassien·nes.
Le corps, le cirque, les prouesses, la vie qui avance, et au passage, laisse ses marques. Talk Show dévoile les bouleversants chemins de vie des circassien·nes.
Habitué de nos programmations, Gaël Santisteva dans un de ses « classiques » imagine un espace de mise à nu, entre le quizz télévisé et le cercle de parole, où les artistes de cirque viennent se raconter en toute improvisation. On n’y voit pas de numéro spectaculaire mais des confidences qui dévoilent ce qu’i·els ont traversé au cours de parcours souvent atypiques. Les performances physiques, l’envers du décor, les limites, les travers sont autant de drames bien réels que d'épisodes improbables et franchement absurdes. I·Els disent une existence façonnée par la pratique et les risques, et interrogent aussi cette notion brutale de « date de péremption » des corps. En complice lucide et impertinent, Gaël Santisteva endosse le rôle de modérateur pour proposer des questions auxquelles les performeur·ses répondent par le témoignage ou par l’épreuve scénique. Chaque représentation – singulière – émeut. Au-delà des trajectoires personnelles, on perçoit la portée universelle des récits projetés. Le cadeau rare, et presque radical, d'une vulnérabilité offerte.
La représentation du 24 mars est proposée en format Relax.
Gaël Santisteva est artiste associé au Théâtre National Wallonie-Bruxelles
En résumé
Des artistes de cirque racontent leurs parcours en improvisant.
Il n’y a pas de numéros classiques, mais des expériences.
Le spectacle montre les corps mais aussi les émotions.
On découvre ce que vivent vraiment les interprètes dans ce métier.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Talk Show • Gaël Santisteva
On est pas obligé d'en reparler
Sophie Delhasse, historienne de l'art et curatrice indépendante + Guest(s)
Échange de parole et intervention(s) performative(s)
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
On est pas obligé d'en reparler
Hewa Rwanda • Dorcy Rugamba Majnun
Ecrivain et figure majeure de la scène culturelle rwandaise, Dorcy Rugamba nous offre un récit bouleversant, porté par une écriture, une voix, une intensité rare.
Tous les ans, Dorcy Rugamba revient à Kigali dans la maison de sa famille : il y a toujours du lierre sur les murs, des callas et des langues de feu sur la terrasse, le palmier et le papayer à l’entrée, le Mont Jali au Nord, le Mont Kigali au Sud. Mais pendant des années, ce retour a été impossible.
Dans cette lecture, qui est tout à la fois une lettre d’amour pour ceux qui ne sont plus, un hymne à la vie, une part du culte des ancêtres, Dorcy Rugamba s’adresse à son père, à sa mère, à tous·tes les absent·es. Il dit ce qu’il a vu et appris auprès d’ell·eux, l’enfant et le jeune homme qu’il était, le temps qu’il a fallu après, pour accepter l’inacceptable. Il se tient au plus près des absent·es, il honore leur mémoire et leur vie, il explore le monde d’avant pour dire sa beauté et sa poésie et s’interroge : comment traduire en mots ce qui est hors de portée ?
Écrivain et figure majeure de la scène culturelle rwandaise, Dorcy Rugamba nous offre un récit bouleversant, porté par une écriture, une voix, une intensité rare.
→ www.theatre-martyrs.be
Théâtre des Martyrs
Bruxelles
Spectacle
Hewa Rwanda • Dorcy Rugamba Majnun
Double Combo Cabaret 6# Ariadna Gironès Mata + Saori Miyazawa
Les soirées Combo Cabaret sont composées de 2 spectacles + 1 repas
Deux univers puissants, exigeants, intenses. Deux propositions radicales, deux artistes sans concession, dont le geste s’inscrit dans un dire du corps social, du mouvement libérateur et de l’identité visible, culturelle et intime.
SO?!WHAT est une performance solo qui combine les arts chorégraphiques, visuels et plastiques. Ariadna Gironès danse à travers différentes physicalités tout en pliant, distordant et transformant son corps avec diverses couches qui le couvrent de différentes manières.
Ces couches sont visibles pour le public, mais représentent ce que le personnage veut cacher, rejetant toute notion d’auto-acceptation. La pièce pose une question cruciale : sommes-nous celleux qui ne nous acceptons pas tel·les que nous sommes, ou est-ce la société qui ne nous accepte pas ?
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Pour HARUMI — Un petit mythe
HARUMI est un prénom féminin courant au Japon. HARUMI est un être hybride, mi-humain·e, mi-poupée : une présence sans identité fixe, en devenir.
Créé·e pour cette oeuvre chorégraphique, HARUMI évolue dans un univers où se mêlent modernité et tradition. À la frontière entre matière vivante et inerte, HARUMI porte un masque en papier mâché, façonné selon la technique japonaise du Hariko.
Comme un avatar en quête de sens, HARUMI se transforme au fil de ses interactions avec le monde extérieur. Son existence se nourrit de l’“enfant intérieur” que nous avons oublié en grandissant : cette part de nous mêmes, pure et créative, que le temps a mise de côté.
À travers une danse envoûtante, Saori Miyazawa explore l’identité et la mémoire corporelle, portée par les rythmes du wadaiko et des chants inspirés du théâtre Nô.
SO?!WHAT
Direction, chorégraphie et interprétation : Ariadna Gironès Mata / Regard exterieur et assistance : Alban Ovanessian / Création Sonore: Annalena Fröhlich / Conception lumière: Hugues Girard
Pour Harumi — Un petit mythe
Conception et chorégraphie : Saori Miyazawa / Interprètation : Marika Suzuki, Danou Robbrecht Nara / Musique et performance live : Tsubasa Hori
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Double Combo Cabaret 6# Ariadna Gironès Mata + Saori Miyazawa
EXIT
Huit minutes pour condenser un marathon de trois ans : c’est la règle donnée à chaque étudiant..e, au moment de créer le numéro avec lequel il s’élancera hors de l’abri de l’école.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Huit minutes pour condenser un marathon de trois ans : c’est la règle donnée à chaque étudiant..e, au moment de créer le numéro avec lequel il s’élancera hors de l’abri de l’école.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 € / 24 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
EXIT
