Si t'y danses - balades urbaines
Téléchargeable gratuitement, l’application mobile « Si t’y danses – balades urbaines » permet de faire trois balades à Bruxelles et à Saint-Gilles en toute autonomie. Les balades invitent à poser un regard nouveau sur la ville et son patrimoine architectural, tout en mettant en lumière l’art chorégraphique.
À chaque étape du parcours, une citation sur la danse apparaît sur smartphone, révélant une dimension poétique, politique ou sociale de cet art du mouvement. Après avoir positionné la citation en réalité augmentée dans l’espace qui les entoure, les participant.es ont accès à un bonus lié : vidéos d’archives, invitations à danser, explorations guidées, créations et anecdotes historiques…
1)Téléchargez gratuitement l’application :
> App Store : https://apps.apple.com/fr/app/si-ty-danses/id1616615527
> Play Store https://play.google.com/store/apps/details?id=com.ArteamInteractive.BaladesUrbaines
2) Baladez-vous
> Sélectionnez la balade que vous souhaitez faire. Grâce à l’outil de géolocalisation, rejoignez l’une des étapes du parcours. Il est possible de commencer les balades de n’importe quelle étape mais nous vous conseillons vivement de commencer par la première pour une meilleure expérience.
> Découvrez une anecdote sur le patrimoine à chaque étape et suivez l’itinéraire tracé sur la carte.
3) Interagissez avec l’espace urbain
> Une fois arrivé.e à l’endroit indiqué, une citation sur la danse ainsi qu’une anecdote historique lui faisant écho apparaissent dans l’application.
> Grâce à votre appareil photo, positionnez la citation en réalité augmentée dans l’espace qui vous entoure.
> Enregistrez votre photo, modifiez-la si vous le souhaitez, pour débloquer le bonus.
4) Profitez des bonus
> Explorations guidées, vidéos d’archives, créations et invitations à danser, les bonus prennent des formes variées.
> Retrouvez tous les bonus débloqués dans la partie « galerie » de l’application.
Anne Golaz et Florence Corin
Divers lieux à Bruxelles
Bruxelles
Festival
Si t'y danses - balades urbaines
(En) Circonférences du geste
Au point de croisement entre sa position, en retrait de la production artistique, et les réflexions menées au fil de sa pratique, Jean Luc Ducourt relève le défi de la conférence : penser et définir la danse, formuler ses chemins dans l’histoire de l’art – en parallèle à la peinture, à la musique –, analyser la nomenclature et les codes classiques en regard du langage contemporain.Interprète entre autres pour Susan Buirge ou Régine Chopinot, danseur puis collaborateur artistique chez Rosas, inconditionnel de Merce Cunningham, il aborde la notion de forme sous les divers angles de ses Circonférences du Geste pour « interroger une matière et ses possibles » : le corps comme espace, l’espace comme corps.
Au point de croisement entre sa position, en retrait de la production artistique, et les réflexions menées au fil de sa pratique, Jean Luc Ducourt relève le défi de la conférence : penser et définir la danse, formuler ses chemins dans l’histoire de l’art – en parallèle à la peinture, à la musique –, analyser la nomenclature et les codes classiques en regard du langage contemporain.Interprète entre autres pour Susan Buirge ou Régine Chopinot, danseur puis collaborateur artistique chez Rosas, inconditionnel de Merce Cunningham, il aborde la notion de forme sous les divers angles de ses Circonférences du Geste pour « interroger une matière et ses possibles » : le corps comme espace, l’espace comme corps.
Jean Luc Ducourt
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
(En) Circonférences du geste
Genesis
L’expérience immersive en son et lumière Genesis s’installe à Bruxelles à partir du 12 septembre 2026, au sein de l’Église Notre-Dame-des-Victoires au Sablon. Déjà présentée dans plusieurs grandes villes européennes, cette création spectaculaire transformer a ce joyau du patrimoine bruxellois en un écrin de lumière, musique et de projections monumentales.
À Bruxelles, Genesis prend vie dans l'Église Notre-Dame-des-Victoires au Sablon, l'un des plus remarquables exemples de l'architecture gothique brabançonne en Belgique. Chargée d'histoire, l'Église Notre-Dame-des-Victoires constitue un cadre exceptionnel pour accueillir cette création artistique, qui dialogue avec l'architecture et sublime les volumes du monument. Pendant 30 minutes, le public est transporté dans un voyage immersif à travers les sept jours de la Création selon le récit de la Genèse. De l'apparition de la lumière à la naissance des hommes, en passant par la formation du ciel, de la terre, des mers, des astres, desplantes et des animaux, chaque tableau donne vie à une étape fondatrice de l'origine du monde. Portée par une bande-son mêlant œuvres classiques et compositions contemporaines, cette expérience offre une interprétation poétique, contemplative et spectaculaire de la Création.
Église Notre-Dame du Sablon
Bruxelles
Spectacle
Genesis
The Selkie Poetry Reading | Beauty and the Beast
Synopsis ⋆˚✿˖° ♡ ‧₊˚ ⋅ ౨ৎ ‧₊ .ᐟ
The Selkie Poetry Reading est un spectacle brut et intime du duo Beauty and the Beast. Il fusionne poésie et musique dans un espace lyrique où les contrastes — entre tendresse et intensité primitive, entre corps et phoque, entre obscurité et désir — sont pleinement embrassés.
Sur scène, Amanda et Halla donnent vie à des corps mythiques de selkies : tantôt phoques, tantôt femmes, elles passent sans transition d’une forme à l’autre. Accompagnées de leurs instruments et le visage peint de maquillage de scène, elles invitent le public à plonger dans un paysage sonore dystopique, érotique et surnaturel. Il s’agit d’une « lecture de poésie pornographique et dystopique », où la beauté des ténèbres et de l’entre-deux imprègne chaque instant.
Présentée dans une atmosphère de confiance et de consentement partagé, la performance offre un espace pour se détendre, écouter attentivement, et peut-être même flotter en apesanteur sous le son de leurs voix étouffées, sombres et épiques.
La Balsamine
Schaerbeek
Spectacle
The Selkie Poetry Reading | Beauty and the Beast
Museum Night Fever x Train World - The Rolling Stars
Découvrez l’Art de la danse en fauteuil roulant grâce au « Rolling Stars ». Peu importe que vous soyez debout ou que vous rouliez dans la vie, tout le monde peut danser.
Découvrez l’Art de la danse en fauteuil roulant grâce au « Rolling Stars ». Peu importe que vous soyez debout ou que vous rouliez dans la vie, tout le monde peut danser. Lors des représentations, petits et grands sont mis en scène dans de nombreuses chorégraphies allant de la danse de salon à la musique contemporaine. Vous verrez des danseurs en solo, mais aussi des duos et des danses de groupe. Un ensemble varié qui ne manquera pas de vous surprendre à chaque instant. Le public est également invité à participer à de courts ateliers de danse en fauteuil roulant.
Train World
Schaerbeek
Spectacle
Museum Night Fever x Train World - The Rolling Stars
Museum Night Fever 2026 : Midnight Cabaret
Le musée de la Banque nationale de Belgique a le plaisir de vous annoncer son ouverture exceptionnelle dans la nuit du 17 au 18 octobre 2026 dans le cadre de la Museum Night Fever.
Organisé par Brussels Museums, cet événement, se déroulant de 19h00 à 01h00, vous permettra de découvrir les collections de 28 musées bruxellois dans un cadre nocturne, mais également de prendre part à diverses activités organisées dans ces mêmes institutions et placées sous le signe de la fête. Les plus aventureux d’entre vous pourront, une fois leurs visites terminées, se diriger vers les After-Parties prenant place au C12 ou à Botanique afin de prolonger les festivités !
Prenez part au cabaret de la Banque nationale de Belgique. Nous avons concocté un programme artistique et festif au sein notre atrium ! Une occasion particulière pour admirer nos collections dans un tout autre contexte. Au programme : exposition de menus, performances circaciennes, déambulation de drags, danses participatives, et drag show.
L’équipe du musée vous a concocté une programmation digne de ce nom. Pour vous mettre en appétit, nous ouvrons avec une exposition de menus gastronomiques du 19e au 21e siècle, « Bill of Fare - le prix d’une bonne table », en collaboration avec Luzie Kurth, qui fera une présentation de ses archives. Rien de tel pour y découvrir les habitudes alimentaires de nos aïeuls ainsi que l’évolution des prix ! Le Collectif : Fièvre de la Nuit enchaînera ensuite diverses performances circassiennes dansées mais également représentées sur un trapèze, une corde lisse et même sur un mât chinois. De quoi vous couper le souffle avant la suite du programme. La compagnie Jordi L Vidal s'est quant à elle donnée comme objectif de réussir à vous faire tous danser dans le but d'invoquer votre bonne fortune. Enfin, pour une ambiance festive, Zarra Nova, Mallow et Gallo Galante viendront réaliser leur spectacle de drag queens et drag king afin de clore la soirée en beauté.
Musée de la Banque Nationale de Belgique
Bruxelles
Spectacle
Museum Night Fever 2026 : Midnight Cabaret
Museum Night Fever x Brussels City Hall
Hôtel de Ville de Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Museum Night Fever x Brussels City Hall
La folle épopée de Lou B.
La Folle épopée de Lou B. raconte l’histoire vraie et touchante d’un père et de son fils. Lou B., né aveugle, sans odorat et atteint d’un trouble autistique rare, possède un don exceptionnel : la musique.
Le piano devient son langage, lui permettant de transformer les sons en couleurs et en émotions...
La Folle épopée de Lou B. raconte l’histoire vraie et touchante d’un père et de son fils. Lou B., né aveugle, sans odorat et atteint d’un trouble autistique rare, possède un don exceptionnel : la musique.
Le piano devient son langage, lui permettant de transformer les sons en couleurs et en émotions. Le spectacle, porté par le père de Lou, retrace les moments forts de leur vie commune : les débuts hésitants, les doutes, les éclats de rire, les premiers concerts et les victoires, à la fois intimes et publiques.
Lou B. joue son propre rôle sur scène, mêlant piano, chant et jeu, enrichi de ses compositions et de reprises revisitées.
Des projections et une poésie visuelle créent un dialogue sensible entre réel et imaginaire.
C’est un récit lumineux, émouvant et plein d’humour, célébrant la différence, la résilience et le pouvoir de la musique, invitant chacun à voir le monde autrement.
« Un spectacle pour tous »
À la fois drôle, émouvant et profondément humain, *La folle épopée de Lou B.* est une ode à la différence, à la résilience, et au pouvoir transformateur de la musique. Une invitation à voir autrement — avec le cœur.
Lou B.
Luc Boland
Mise en scène : Laura Telly Cambier
Le Fou Rire Théâtre
Ixelles
Spectacle
La folle épopée de Lou B.
Darius Dolatyari-Dolatdoust. DRESSING + mata !
Avec DRESSING et mata! présentés en double-bill à Bozar, le travail de Darius Dolatyari-Dolatdoust résonne à Bozar avec l'exposition Edith Dekyndt X Cristóbal Balanciaga.
DRESSING
DRESSING est une performance qui part de l'acte de s'habiller. Se vêtir est un geste quotidien paradoxal : il vise selon les individus autant à s'assimiler à un groupe social qu'à s'en distinguer. Le costume est un support qui permet à la fois de fusionner, voire de se camoufler dans la masse, et de se singulariser : deux manières de se présenter aux autres, qui reposent sur un enjeu d'appartenance collective. DRESSING met en scène des corps qui usent du vêtement et des accessoires afin d'apparaître autrement, de se distinguer des autres et du décor. L'habillement devient rituel de transformation, permettant la création d'une nouvelle identité. Le costume y est envisagé comme une partition chorégraphique, dans sa capacité à proposer une manière renouvelée de se déplacer, de s'exprimer, de performer. Des silhouettes se construisent et se dé-construisent, laissant apparaître sous nos yeux des créatures en constante métamorphose, jusqu'au monstrueux.
* Veuillez noter que, DRESSING contient de la nudité.
mata!
Quelle forme prendrait une corrida soustraite à la réalité de la mise à mort, défaite des stéréotypes de genre et des codes de la violence rituelle ? Au centre de l'arène, baignés dans l'atmosphère musicale de Paul Lajus, Grégoire Schaller et Darius Dolatyari-Dolatdoust livrent une relecture critique de cette parade sacrificielle en exacerbant l'élégance de son apparat. Par la réappropriation de la gestuelle, des habits de lumière et des grimaces, ultimes expressions d'une rencontre avec la mort, le duo organise un face-à-face qui porte l'accent sur les métamorphoses corporelles de la gure du matador. La réinterprétant sous les traits du drag king, tous deux se dé ent comme ils se séduisent, engagés dans une chorégraphie circulaire qui se joue d'un trouble instillé dans le genre. Fruit d'une recherche menée sur le terrain, dans des écoles taurines, des lieux d'élevage et chez un tailleur entre le Sud de la France et Madrid, mata! opère des glissements au coeur de ce noeud esthético-politique pour penser la corrida par-delà le spectacle.
* Veuillez noter que, lors de mata!, une partie du public sera amenée à rester debout.
Darius Dolatyari-Dolatdoust est un artiste franco-irano-allemand-polonais. Il développe une pratique transversale mêlant arts visuels, textile, performance et chorégraphie. Ses oeuvres, patchworks, kilts, feutres, costumes, interrogent les notions d'exil, de mémoire et d'identité à travers une matière textile vivante, mouvante, vecteur de transformation. Le costume devient un lieu de métamorphose, où les corps se déforment pour inventer de nouveaux récits. Inspiré par les arts persans, les archives familiales ou les objets archéologiques, il recompose une mémoire éclatée et invente des paysages fantasmés, peuplés d'entités hybridées.
DRESSING - Crédits
Conception : Darius Dolatyari-DolatdoustInterprétation : Darius Dolatyari-Dolatdoust, Mallaury Scala, Hélio Volana
Costume : Darius Dolatyari-Dolatdoust
Collaborations costumes et accessoires : Rozy Sapelkine, Sarah Belfer, Constance Tabourga
Regard chorégraphique : Lynda Rahal
Regard extérieur : Grégoire Schaller
Composition sonore : Paul Lajus
Création lumière : Maureen Béguin
Production : DDDMM Compagnie + Vincent Brou
Coproduction : Wiels, 3bisf, avec l'aide de la DRAC Île-de-France - Ministère de la Culture
Soutiens : Pianofabriek, ISAC, La Ménagerie de verre, Le Point Éphémère
Avec le soutien de l'ONDA, de la SACD et de la Caisse des Dépôts
En partenariat avec le Théâtre de Vanves
Durée : 30 minutes
mata! - Crédits
Conception : Darius Dolatyari-Dolatdoust et Grégoire Schaller
Interprétation : Darius Dolatyari-Dolatdoust et Grégoire Schaller
Regard dramaturgique : Lynda Rahal
Composition sonore : Paul Lajus
Lumière : Gabrielle Maire
Coproduction : Ballet de Lorraine (Nancy), Festival Actoral (Marseille), KLAP Maison pour la Danse (Marseille)
Aide à la production : CCN de Caen
Durée : 50 minutes
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Darius Dolatyari-Dolatdoust. DRESSING + mata !
Émeute
Performance chorégraphique et sonore, ÉMEUTE explore la fragilité et le pouvoir d’agir ensemble.
ÉMEUTE est une pièce chorégraphique et sonore pour 2 performeuses sur fond de coquilles d’œufs.
ÉMEUTE dérive étymologiquement d’émouvoir, du latin « ex movere » qui signifie « mettre en mouvement ». Historiquement, au Moyen-Âge, une « esmote » faisait référence à une émotion collective, un soulèvement populaire spontané.
À partir de la matière « Œuf », cette performance propose une réflexion sur les thèmes de la fragilité, de la responsabilité, de la transformation et du pouvoir des actions.
Il est question de se réunir pour se soulever ensemble pour créer à 2 une foule imaginaire, pour faire émeute à 2.
Sur une scène bi-frontale, Thi Mai Nguyen, danseuse à la présence magnétique et Marion Faure, DJ et créatrice sonore au plateau, convoquent avec puissance les affects de la résistance pour nous rassembler autour de ce qui anime nos mouvements collectifs.
Chorégraphie et performance · Thi Mai Nguyen | Création sonore et livedjing · Marion Faure | Lumière Alexis Poillot | Son · Jonathan Reig
Théâtre de la Vie
Saint-Josse-Ten-Noode
Spectacle
Émeute
Une Étude de "Card College" II - La Magie des Cartes - Steve Axon
Spectacle de magie rapprochée mêlant histoire de la cartomagie et effets magiques bluffants. Imaginé par Steve Axon qui vous prouvera que l'art de la cartomagie est bien la quintessence de la prestidigitation. Deuxième série au Jardin de ma Sœur avec des nouveaux tours…
Après le succès de son premier opus, le magicien Steve Axon (Stephen Gaudio) revient avec son nouveau spectacle : Une Étude de Card College Volume 2. Pour ce nouveau spectacle, Axon ira droit au but et vous présentera les plus beaux numéros du livre de Roberto Giobbi. "Une Étude de Card College II" est un spectacle de magie rapprochée dans lequel l'illusion opère à travers un simple jeu de cartes. Mêlant histoire de la cartomagie et effets magiques bluffants, ce spectacle imaginé par Steve Axon, lauréat du Concours National de magie de Belgique 2022 et 2025, vous prouvera que l'art de la cartomagie est bien la quintessence de la prestidigitation. Inspiré de « Card College » de Roberto Giobbi. Avec Steve Axon sous l’œil attentif du magicien Bob Alan
Steve Axon (magicien)
Le Jardin de ma Soeur
Bruxelles
Spectacle
Une Étude de "Card College" II - La Magie des Cartes - Steve Axon
Joyaux Lourdement Sous-estimés | Bast Hippocrate
Synopsis ⋆˚✿˖° ♡ ‧₊˚ ⋅ ౨ৎ ‧₊ .ᐟ
Deux hommes s’aiment, se déchirent, se retrouvent, se détestent et se réconcilient. Ensemble, ils traversent différentes formes de relations — de la relation ouverte au chemsex, du lien platonique au polyamour — dans une quête constante de tendresse, de compréhension et de connexion.
Sur scène, leurs corps s’enlacent, se défient, se réinventent. L’étreinte devient langage, le corps à corps une manière de penser la relation autrement.
Le pas de deux formé par les interprètes se tisse au fil de la trame sonore dans un mouvement organique.
Joyaux lourdement sous-estimés questionne nos manières d’aimer et les injonctions au couple hétéronormé.
En explorant des alternatives, la pièce propose de se libérer de l’idéalisation du couple et d’imaginer de nouvelles voies vers un espace sensible et incandescent, où le désir côtoie la fragilité, où la tendresse se fait politique, et où les corps apprennent à s’aimer autant qu’à se quitter.
Hors les murs :
෴⚘෴⚘෴⚘෴⚘෴⚘෴⚘෴ Les Halles de Schaerbeek
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Joyaux Lourdement Sous-estimés | Bast Hippocrate
Nathaniel Moore — I dream a highway
I dream a highway est un spectacle de danse contemporaine qui explore le rapport à notre descendance et à ce que nous lui léguons. Il invite le public à prendre place dans le futur, d’où il observe les vestiges archéo-chorégraphiques datés de l’année 2026.
« I dream a highway » s’inspire des paroles de Nora Chipaumire, selon lesquelles « les ancêtres vivent dans nos os, présents même lorsque nous perdons contact avec elleux ». S'il y a des ancêtres dans nos os, alors nous vivrons sûrement dans les os du futur. I dream a highway cherche à explorer ce rapport. Il crée un paysage pour envisager une relation avec ce qui se trouve à la fois au-delà et à l’intérieur de soi.
Ce diagnostic-spectacle de danse propose une réflexion sur la causalité, la responsabilité et la construction d’une relation spéculative avec nos descendant·e·s. Comment pouvons-nous d’ores et déjà endosser l’identité d’un·e ancêtre ? Que transmettons-nous à notre avenir pour qu’il en hérite ?
à propos
Nathaniel Moore est peut-être un fauteur de troubles, une mère, un gourou au chômage et sans adeptes, un conteur ou un métamorphe, mais c’est avant tout un artiste de danse basé à Bruxelles, dont la pratique se déploie à la croisée de la chorégraphie, de la performance et de la recherche artistique. De 2020 à 2022, il a participé au programme de recherche artistique a.pass, où il a mené des recherches sur les fantômes, la somatique spéculative et les hantises sociales. Ses performances abordent souvent les thèmes de l’aliénation, de la blancheur, du pouvoir et de la fragilité. Son travail a bénéficié du soutien de wpZimmer, de deSingel et du Horst Art & Music Festival, pour ne citer que quelques-uns des noms d’une liste qui ne cesse de s’allonger. Il est actuellement artiste en résidence à Needcompany Mills et membre de l’espace collectif artist-commons à Bruxelles.
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Choreography and concept: Nathaniel Moore
Performers: Nathaniel Moore and Magdalena Öttl
Scenography: Maori Thiénot
Music Composition: Charlie Usher
Costume Advisor: Federico Protto
Agent Provocateur: Olivia Ardui
Lighting Support: Ludo Dury
Co-production: Needcompany via Mill’s Reality Salon 2026 and Metarage
Production advice: wpZimmer and Kunstenwerkplaats
Residency: wpZimmer, Needcompany, Kunstenwerkplaats, Metarage, Zinnema, and A.pass.
Il s’agit d’un partage en cours de création de I dream a highway. Une expérience qui vous plonge au cœur de l’œuvre, en tant que spectateur·ice complice. Si nous préparons du thé et des biscuits, resteriez-vous pour partager vos impressions ?
Beursschouwburg
Bruxelles
Spectacle
Nathaniel Moore — I dream a highway
The Harvest of Broken Promises
Comment se souvenir de la terre une fois qu’elle a cessé de nous nourrir ? Le théâtre peut-il rendre l’odeur de la terre, la douleur du labeur ou le véritable poids d’une récolte ? Issu d’une famille d’agriculteurs, le metteur en scène Pankaj Tiwari revisite ses souvenirs des pratiques agricoles traditionnelles et durables de sa jeunesse, et réfléchit à leur disparition progressive au cours des trois dernières décennies. Il entremêle des séquences vidéo, des entretiens, des arts visuels et des contes populaires, créant un miroir à une génération prise entre les promesses scintillantes du progrès et la perte constante du savoir ancestral.
Comment se souvenir de la terre une fois qu’elle a cessé de nous nourrir ? Le théâtre peut-il rendre l’odeur de la terre, la douleur du labeur ou le véritable poids d’une récolte ? Au cœur de The Harvest of Broken Promises se trouve une image simple mais pressante : une parcelle de terre qui a oublié comment subvenir à ses propres besoins. Issu d’une famille d’agriculteurs, le metteur en scène Pankaj Tiwari revisite ses souvenirs des pratiques agricoles traditionnelles et durables de sa jeunesse, et réfléchit à leur disparition progressive au cours des trois dernières décennies. Depuis son installation en Europe en 2019, Tiwari a observé de près les pratiques agricoles locales. Bien qu’il se trouve sur un autre continent, il constate des difficultés similaires, même si elles sont marquées par un décalage temporel notable.Dans The Harvest of Broken Promises, Tiwari entremêle des séquences vidéo, des entretiens, des arts visuels et des contes populaires. En mêlant sa propre histoire à celles d’agriculteurs de toute l’Inde et de toute l’Europe, sa pièce saisit la tension profonde entre aspiration et survie. Le récit de Tiwari sert de miroir à une génération prise entre les promesses scintillantes du progrès et la perte constante du savoir ancestral.Cette tension entre tradition et progrès est magistralement reflétée dans la scénographie et la conception lumière de Pol Heyvaert, ainsi que dans la dramaturgie raffinée de Maria Dogahe et Michiel Vandevelde. Le scénographe oppose des moyens (hautement) technologiques, tels que le mapping vidéo, à la simplicité d’un petit tas d’argile et d’une série de pots en argile. Le jeu de lumières exceptionnel donne parfois l’impression d’être dans un pré au lever du soleil, aux côtés de Tiwari, à la recherche de son petit oiseau, ou d’avoir atterri dans une véritable forêt. - Elie Agniel, pzazz • Pankaj Tiwari est un artiste contemporain, metteur en scène, écrivain et conservateur originaire de Balrampur, en Inde. Il vit actuellement à Amsterdam et est titulaire d'un master en théâtre du DAS Theatre Amsterdam. Ses œuvres introduisent des perspectives orientales dans le discours occidental sur les questions sociopolitiques. Pankaj est également lauréat du prix 3Package Deal (2021-22) décerné par l'Amsterdams Fonds voor de Kunst. Entre 2020 et 2023, il a travaillé comme commissaire d’exposition pour la Gessnerallee de Zurich. Il est actuellement directeur artistique de la Fondation Studio Current à Amsterdam. Par le passé et aujourd’hui encore, le travail de Pankaj a été invité et soutenu par plusieurs festivals et maisons de production. Parmi ceux-ci, citons le Steirischer Herbst de Graz (2025), le MC93 de Bobigny (2025), le Theater Rotterdam (2025), le Kaaitheater de Bruxelles (2024), DE SINGEL à Anvers (2023, 2024) et le Grand Theatre de Groningue (2020, 2023, 2024). En 2024, Pankaj Tiwari s'était déjà produit au Kaaitheater avec la pièce PaperPlanes, aux côtés de Nick Verstand.
Pankaj Tiwari / CAMPO
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
The Harvest of Broken Promises
Urban Dance Caravan • Detours Festival
Un panorama des danses urbaines – break, house, afro, électro, krump, juggling… – qui dialoguent et se confrontent dans une même énergie collective.
La désormais légendaire célébration bruxelloise des danses urbaines revient cette année dans une formule un peu différente, concentrée au Théâtre National. Mais si la forme a légèrement évolué, l’esprit demeure, celui de la joyeuse rencontre des cultures.
Cette année, l’Urban Dance Caravan investit entièrement le Théâtre National en mettant à l’honneur le Congo, le Maroc et le Cameroun grâce aux collaborations avec The Last Popper, le Centre Wallonie Bruxelles, le Goma Dance Festival et Live Room. La soirée débute dans le hall d’accueil transformé pour l’occasion en cypher, pour se poursuivre en Grande salle où les équipes finalistes du battle du Detours Festival – cocréateur de l’événement depuis 2022 – s’affrontent sous les acclamations du public !
Un panorama des danses urbaines – break, house, afro, électro, krump, juggling… – qui dialoguent et se confrontent dans une même énergie collective.
Coproduction Detours Festival, Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Avec le soutien de Fédération Wallonie-Bruxelles service de la danse, la COCOF, la Loterie Nationale, la Ville de Bruxelles – Échevinat de la Culture
En résumé
Une soirée dédiée aux danses urbaines à Bruxelles.
L’expérience commence dans le hall, transformé en piste de danse ouverte.
Elle continue en Grande salle avec des battles entre finalistes.
Cette année, le Congo, le Maroc et le Cameroun sont mis en avant.
Break, house, afro, électro, krump, juggling… toutes les danses urbaines sont présentes.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Urban Dance Caravan • Detours Festival
Nocturne & Performance: Daughter’s Archive - Nebras Hoveizavi, Natasha Yarney & Jaber Al-Tobaishi
Daughter’s Archive est une performance de cinéma vivant pour trois interprète·s, deux langues et l’histoire non archivée d’une famille. L’histoire suit la mère de l’artiste, une femme arabo-iranienne qui, partie de rien, est devenue la première femme grossiste en tissus à Ahvaz, en Iran, avant de tout perdre : son entreprise, sa maison et sa place au sein de sa propre famille.
Daughter’s Archive est une performance de cinéma vivant pour trois interprète·s, deux langues et l’histoire non archivée d’une famille. L’histoire suit la mère de l’artiste, une femme arabo-iranienne qui, partie de rien, est devenue la première femme grossiste en tissus à Ahvaz, en Iran, avant de tout perdre : son entreprise, sa maison et sa place au sein de sa propre famille. Racontée à la première personne, comme si la mère elle-même prenait la parole, la narration se déploie à travers deux voix.
Nebras se tient devant un pupitre, lisant le texte en direct en farsi, tandis que Natasha en donne la traduction anglaise à son tour. Derrière elles, Jaber mixe en direct la vidéo et le son, projetant des images d’archives et des séquences filmées qui évoluent et se transforment au rythme de la lecture.
La scène est minimaliste — un corps, un pupitre, un écran et du son —, mais la performance oscille entre la lecture en direct et l’image filmée de l’artiste, superposant le temps et la mémoire pour créer une expérience intime à mi-chemin entre le cinéma, la littérature en direct et le son.
Ce que nous héritons. Ce que nous témoignons. Ce que nous gardons.
Nebras Hoveizavi
Artiste et enseignante arabo-iranienne basée au Qatar, elle travaille dans les domaines du cinéma expérimental, de la photographie, de l’installation et de la poésie. D’origine poète en farsi, sa pratique explore le déracinement, la mémoire et les limites du langage, transformant l’observation en un vocabulaire visuel. Ses œuvres ont été exposées à l’international, notamment à Silent Green (Berlin), au CICA Museum (Séoul), à la Whitechapel Gallery (Londres) et au Cinema Iran (Munich).
Natasha Yarney
Praticienne du théâtre et pédagogue britannique afro-caribéenne basée au Qatar. Avec une formation en droit et en drama, elle se spécialise dans la performance et le récit, explorant les thèmes de l’identité, de l’appartenance et de la mémoire. Son travail relie les expériences passées et présentes, utilisant le théâtre comme espace de dialogue et de connexion.
Jaber Al-Tobaishi
Artiste multidisciplinaire basé à Doha, travaillant avec le son, la musique, l’image en mouvement et la photographie. Sa pratique se concentre sur l’interaction entre les éléments audiovisuels, ancrée dans l’exploration et la synthèse analogiques. Il est le fondateur de MELD, une plateforme créative soutenant les artistes au Qatar.
Nebras Hoveizavi, Natasha Yarney & Jaber Al-Tobaishi
argos centre for audiovisual arts
Bruxelles
Spectacle
Nocturne & Performance: Daughter’s Archive - Nebras Hoveizavi, Natasha Yarney & Jaber Al-Tobaishi
it doesn't go without saying (& other gossips)
Alix Eynaudi et Elizabeth Ward travaillent pour la première fois sur un projet commun, et font à cette occasion appel à la danseuse Ray Scheinecker. Leur performance explore l'héritage de la danse postmoderne américaine, et s'intéresse plus particulièrement à l'œuvre et aux récits de la chorégraphe et vidéaste Cathy Weis. Dans cette performance, elles mettent l'accent sur la composition sonore de Paul Kotal en tant qu'élément autonome : des voix et des descriptions vivantes prendront la forme d'entretiens et de "gossips”. Elles réfléchiront ainsi ensemble à l'archivage, à l'accessibilité et à la mémoire collective.
La sensation que quelque chose est transmis avant même que ça ne soit réellement transmis. it doesn’t go without saying (& other gossips) est un projet d’Alix Eynaudi et Elizabeth Ward, en collaboration avec la danseuse Ray Scheinecker, qui fabule sur l’héritage de la danse postmoderne américaine — notamment à travers le travail et les récits de la chorégraphe et vidéaste Cathy Weis. Sa voix court tout au long de la pièce à travers des récits, des interviews et des commémorations, où l’anecdote devient une manière de sentir l’air du temps : ce qu’il a retenu, ce qu’il a laissé tomber. La pièce se déploie comme une série d’hommages intimes, dans le mouvement, le son, les lumières et les costumes. Le studio ne quitte jamais complètement la scène. Il y a quelque chose qui couve dans le récit – oscillant entre dévouement et mise en scène, entre ce qui a été répété et ce qui est exécuté, entre le corps qui a appris et le corps qui se souvient. Pas de reconstitution. Pas de restauration de quelque chose qui a été perdu. Une turbulence qui continue d’agir. Chacune des trois artistes entretient un lien différent avec le travail de Cathy. Elizabeth lui est proche depuis trois décennies — en tant qu’étudiante, certes, mais aussi en tant que personne qui a vécu avec elle, l’a aidée à déménager, a dansé pour elle et a échangé avec elle dans le cadre d’une amitié de longue durée. Alix est entrée dans cette histoire en tant que danseuse européenne, par l’intermédiaire de ceux·celles qui l’ont fait traverser l’océan — apprenant de personnes qui, entre autres, avaient appris de Cathy — la chaîne est suffisamment longue pour qu’il y ait toujours quelque chose à réinterpréter, à recréer. Ray vient d’une autre génération et d’un milieu tout à fait différent – autrichienne, danseuse urbaine, clown – et apporte avec elle une résonance avec le travail de Cathy qui relève moins de la filiation mais quelque chose de plus indirect, de plus corporel, plus difficile à nommer. Trois distances. Trois intimités. Les récits, les images et les enregistrements de Cathy ont voyagé de New York à Vienne — et c'est précisément à travers cette réinterprétation que la pièce a trouvé sa forme : la conception sonore et la composition de Paul Kotal, une collection de vêtements d'Isabelle Edi oscillant entre la Famille Addams et la neutralité supposée des jeans, des t-shirts et des chaussures de sport, et une conception lumière de Lukas Kötz — une scénographe qui, ici, ne travaille qu’avec la lumière. Nous ne dansons jamais seul·e·s.For Cathy Weis, with love. • Alix Eynaudi danse, travaille et écrit à la croisée du savoir-faire et du chaos, embrassant un chaos (le plus souvent) joyeux. Elle ne travaille jamais seule ; chaque événement, chaque recherche ou chaque invitation est un prétexte pour passer du temps avec des allié·es – un réseau d’amitiés qui brille sous la surface, une vague d’émerveillement et de soutien. Elle est spécialisée dans les rencontres chorégraphiques. Parmi ses œuvres les plus récentes, citons Death by Landscape, a concert (2024), Institute of Rest(s) (2023-2025) et it doesn’t go witout saying (2026). Son travail a été présenté au MACRO, à Rome ; au Tanzquartier, à Vienne ; au Kaaitheater, à Bruxelles ; au festival far°, à Nyon ; au Xing, à Bologne ; à la Biennale di Venezia, à Venise ; au Contemporary Art Centre, à Vilnius ; au brut, à Vienne ; au Volkskundemuseum, à Vienne ; aux Wiener Festwochen, à Vienne ; et au festival Wonderfruit, en Thaïlande. Elle vit à Vienne. • Elizabeth Ward est une danseuse et chorégraphe américaine, et occasionnellement Outside Eye, basée à Vienne. Elle a commencé sa formation à la School of the Atlanta Ballet et a obtenu sa licence au Bennington College dans le Vermont, où elle a suivi les cours de Cathy Weis et Dana Reitz. À New York, son travail a été présenté à Danspace, Movement Research at Judson Church, AUNTS, the Chocolate Factory, Dixon Place et the Kitchen. Elizabeth s’est également produite pour des chorégraphes comme Yvonne Meier, DD Dorvillier, Rebecca Brooks, Linda Austin, Miguel Gutierrez, Heather Kravas et Cathy Weis. Depuis son installation à Vienne, son travail a été présenté par brut, WUK, TQW, Wiener Festwochen, ImPulsTanz et steirischer herbst.
Alix Eynaudi / Elizabeth Ward
Kaaistudio's
Bruxelles
Spectacle
it doesn't go without saying (& other gossips)
Martyrio's saints & sinners: a southern gothic cabaret
UR Square a le plaisir d'accueillir pour la première fois Martyrio’s Saints & Sinners, un cabaret gothique et théâtral aux accents sudistes. Rejoignez-nous pour cette soirée d'Halloween menée par la drag queen Martyrio. Les billets sont disponibles dès à présent via notre billetterie en ligne officielle.
Martyrio’s Saints & Sinners : Southern Gothic Cabaret
UR Square est ravi de vous présenter cette soirée de cabaret excentrique et théâtrale, guidée par le pasteur junior et performeur drag senior Martyrio. Entrez dans les catacombes de cette église placée sous le signe du glamour et venez communier le temps d'une soirée.
Découvrez un carrousel de saints précieux et de pécheurs tentants, réunissant des artistes nationaux et internationaux à travers des performances allant du flamenco au pôle dance, le tout saupoudré d'une esthétique drag pour célébrer Halloween.
Tarifs : 11,00 € (Billets réguliers - Sinners) / 16,00 € (Billets de soutien - Saints)
Billetterie : https://fienta.com/martyrio-s-saints-sinners
UR Square
Ixelles
Spectacle
Martyrio's saints & sinners: a southern gothic cabaret
Performance - ANAL Pompidou (a bottom-up initiative)
LaVallée
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
Performance - ANAL Pompidou (a bottom-up initiative)
Carlos Vaquera : Rien
« RIEN » est le nouveau spectacle de mentalisme de Carlos Vaquera (avec quelques graines de sagesse et pas mal d’humour) d’une durée de +/- 110 minutes. Et si on s’attend à RIEN, c’est que tout est possible.
- Qu’allez-vous faire aujourd’hui ?
- Rien, ai-je répondu.
- Encore ?
- Oui, et je n‘ai pas fini de faire du bien avec RIEN !
« RIEN » est le nouveau spectacle de mentalisme de Carlos Vaquera (avec quelques graines de sagesse et pas mal d’humour) d’une durée de +/- 110 minutes. Et si on s’attend à RIEN, c’est que tout est possible.
- Qu’allez-vous faire aujourd’hui ?
- Rien, ai-je répondu.
- Encore ?
- Oui, et je n‘ai pas fini de faire du bien avec RIEN !
Carlos Vaquera
Le Fou Rire Théâtre
Ixelles
Spectacle
Carlos Vaquera : Rien
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
5€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
Brigitte en Novembre
La création chorégraphique belge francophone du moment
Le mois de novembre, aux Brigittines, est désormais consacré à la création chorégraphique belge, et plus particulièrement aux artistes de la Fédération Wallonie-Bruxelles, des plus confirmé·es aux plus émergent·es.
Pour cette seconde édition, cinq spectacles sont à découvrir, pour cinq univers, cinq personnalités, au croisement de la danse, de la danse-théâtre, du théâtre physique et de la performance.
Après des mois de répétitions, Ahmed Ayed, Oumar Diallo, Delphine Friquet et Astero Styliani Lamprinou joueront leurs premières représentations. Tandis que Benjamin Kahn montrera pour la première fois en Belgique le spectacle qu’il aura créé quelques mois plus tôt à l’étranger. Cinq œuvres de danse, toutes coproduites par Les Brigittines, qui disent la diversité de la création chorégraphique en Belgique francophone.
Les Brigittines
Bruxelles
Festival
Brigitte en Novembre
Ballroom
Dans un camion réaménagé en espace scénique, le jongleur Stijn Grupping donne vie à une chorégraphie d’une précision remarquable, où des balles rebondissantes semblent défier les lois du temps et de l’espace.
Un spectacle visuel et sans paroles qui explore avec finesse la répétition, le travail et notre capacité à transformer le quotidien.
Quelque part, Quelqu’un s’est vu confier la tâche de remettre sans relâche les mêmes balles dans le même bac. Ce que Quelqu’un fait, jour après jour, année après année, sans que personne ne sache vraiment pourquoi. Dans l’espoir que les murs ne s’écroulent pas sur lui, Quelqu’un commence à leur lancer des balles. Ainsi, Quelqu’un fait parcourir aux balles des trajectoires de plus en plus longues à travers l’espace.Des trajectoires parfois gracieuses et d’une simplicité trompeuse, d’autres fois puissantes et complexes, au bout desquelles, si tout va bien, les balles atterrissent dans le bac.
Sauf que tout ne va pas toujours bien. Et combien de « pas bien » Quelqu’un peut-il supporter ?
Alors que les balles se transforment en fardeaux, Quelqu’un tente de démêler Quelque part une nouvelle dimension dans le temps et dans l’espace – ou dans la tête – afin d’échapper à la monotonie incolore. Et quand cela réussit, il se passe Quelque chose qu’on pourrait qualifier de magique.
Pour Ballroom, le public prend place dans un camion réaménagé. L’artiste plasticien Lodewijk Heylen a créé un décor en béton dans lequel le jongleur Stijn Grupping fait exécuter à des balles rebondissantes une chorégraphie extraordinaire, fruit de beaucoup d’entraînement et d’un peu de magie.
Accompagné de sonorités composées par les musiciens Jochem Baelus et Frederik Meulyzer, et sans dire mot, Grupping emmène tout un chacun faire un voyage inoubliable.
Creation: Ine Van Baelen & Stijn Grupping
Performance: Stijn Grupping
Direction: Ine Van Baelen
Composition musique: Frederik Meulyzer & Jochem Baelus
Scénographie: Lodewijk Heylen
Chorégraphie: Kinga Jaczewska
Lumière: Lucas Van Haesbroeck
Costumes: Nushi Lambreva
Technique: Bert Laurijssens
Design graphique: Watson Memić
Outside eye: Koen Haagdorens
Maison communale de Watermael-Boitsfort
Watermael-Boitsfort
Spectacle
Ballroom
Work-in-progress • Africa is/in the Future
Le festival porté par La Bellone poursuit son indispensable mise
en lumière des initiatives artistiques noires et afrodescendantes
à Bruxelles.
Le festival porté par La Bellone poursuit son indispensable mise
en lumière des initiatives artistiques noires et afrodescendantes
à Bruxelles.
Depuis plus d’une décennie, Africa is/in the Future s’est imposé comme un espace de convergence artistique et festif. Un festival pluridisciplinaire qui ne se contente pas de programmer mais fait dialoguer des contemporanéités africaines et afrodiasporiques. Ouvert à tous·tes, il adresse néanmoins une invitation explicite aux personnes noires et afrodescendantes, originaires du continent et des diasporas.
Pour cette 11e édition, l’événement se place sous le signe d’une redéfinition permanente, complice et complexe, comme condition d’un futur réellement partagé.
Au Théâtre National, une rencontre approfondit ces réflexions passionnantes. Quatre artistes, invité·es par Marie Umuhoza, programmatrice du festival, partagent des fragments de recherches et travaux en cours. Cette présentation se prolonge par un échange avec Sékou Séméga, artiste et programmateur à La Bellone, et les artistes invité·es.
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
→ Programmation complète dès septembre 2026
www.africaisinthefuture.be
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Work-in-progress • Africa is/in the Future
The Sassy Cabaret
Plongez dans l'univers du Sassy Cabaret ! La patronne, Lili Mirezmoi, personnage haut en couleur, à la fois sexy et drôle, qui n'a pas sa langue dans sa poche, vous propose un show hybride aux multiples surprises.
Chaque mois, vous pouvez découvrir de nouveaux artistes : Evita de Mee, le bras droit de la patronne et stage kitten inoubliable, une effeuilleuse burlesque au déhanché endiablé, une pole danseuse enivrante, une drag queen époustouflante, mais aussi des drag kings révolutionnaires qui vont vous faire fondre, des acrobates virtuoses, et bien d'autres saltimbanques fiers et fières de l'être.
Dans la veine de ce que le cabaret a toujours été, le Sassy est un show divertissant, impertinent, politique, drôle, surprenant et inclusif. Il bouscule vos certitudes et vous remplit les yeux d'étoiles.
Welcome to the Sassy Cabaret!
L'Os à Moelle
Schaerbeek
Spectacle
The Sassy Cabaret
Jovany : Le dernier saltimbanque
Une malle s'ouvre... Bienvenue dans le grenier de notre enfance.
JOVANY nous conte l'histoire de son Grand-Père Saltimbanque. Il s'amuse à redevenir un enfant au débit particulièrement rapide et à l'émerveillement facile dans l'espoir qu'un soir, il puisse le revoir.
Une malle s'ouvre... Bienvenue dans le grenier de notre enfance.
JOVANY nous conte l'histoire de son Grand-Père Saltimbanque. Il s'amuse à redevenir un enfant au débit particulièrement rapide et à l'émerveillement facile dans l'espoir qu'un soir, il puisse le revoir.
Place à l'imaginaire! Ce créateur d'émotions, vif d'esprit, nous parle de son héritage, de ses racines et de son Grand-Père qui lui à tout appris: "À grandir, à écrire, à faire des bêtises... D'ailleurs, la plus grande bêtise qu'il ait pu faire, c'est de grandir..."
C'est avec humour, poésie et nostalgie qu'il nous partage son regard amusé sur notre monde un peu cabossé. Ce spectacle est une invitation à savourer l'insouciance de chaque instant avant qu'elle ne s'efface.
Et si grandir, c'était simplement apprendre à rester enfant?
Alors, ne grandissez pas! Venez découvrir cet Artiste Singulier au Talent Pluriel dans cette performance pluridisciplinaire portée par une scénographie fantasque & féérique qui fascine le "Tout Public" dans le monde entier.
Jovany
Le Fou Rire Théâtre
Ixelles
Spectacle
Jovany : Le dernier saltimbanque
HOUB
En arabe, « ḥoub » signifie l’amour sous toutes ses formes. Dans ce spectacle, cet amour s’exprime à travers un dialogue sororal entre la poésie de Zaïneb Ḥamdi et la pratique du turntablism de Soumaya Phéline Abouda. Puisant dans son recueil de poésie Où mon amour sera ḥoub*, Zaïneb aborde des questions pressantes qui concernent les deux artistes. La musique orchestrée en direct par Soumaya donne lieu à un croisement artistique et sensoriel. Poésie, musique et silence créent ainsi ensemble un espace d’écoute et de vibration commune.
Comment décrire nos corps si nous n’avons pas de langage ? En arabe, ḥoub signifie « amour » sous toutes ses formes. La racine ح ب ب (« ḥbb ») fait référence à la graine, au noyau, à ce qui porte la vie en soi. Ici, Ḥoub symbolise un dialogue sororal entre la poésie de Zaïneb Ḥamdi et la pratique du turntablism de Soumaya Phéline Abouda. Puisant dans son recueil de poésie Où mon amour sera ḥoub*, Zaïneb Hamdi exprime des questions pressantes qui concernent les deux artistes : la réappropriation des corps non blancs, de leurs langues et de leur histoire, le retrait des « systèmes des Pères » et le refus de toute essentialisation comme instrument de pouvoir. Ḥoub déploie ces mots poétiques en scènes, entre confessions et incantations. En écho, la musique orchestrée en direct derrière les platines devient un récit à part entière, qui déconstruit et compose des voix, des textures et des samples pour accompagner le souffle du poème. Ensemble, Zaïneb et Soumaya font flotter un langage vivant entre oralité et sons. Elles appellent à la pluralité discursive en invitant à chaque représentation une voix du monde de la poésie sur scène afin de faire résonner, le temps d’un texte, une histoire unique au cœur du spectacle. Dans un décor circulaire aux allures de science-fiction, Ḥoub plonge le public dans une pollinisation croisée artistique et sensorielle où la poésie, la musique et le silence ouvrent la voie à l’écoute ainsi qu'à la vibration collective. • Zaïneb Hamdi est une poétesse, écrivaine et performeuse belge. Son premier recueil de poésie, Fils d’Arabe, a été publié en 2017. En 2024, elle a publié Où mon amour sera ḥoub, récompensé par le prix littéraire Les Grenades – Prix de la marraine 2025, qui distingue une œuvre poétique féministe. Ses textes explorent la différence, la place des femmes, les rapports à la masculinité, au corps et au langage, tout en estompant les frontières entre l’intime et le collectif. Outre l’écriture, elle est également active dans l’espace numérique des réseaux sociaux, où elle crée de courtes formes de poésie visuelle et sonore combinant image, texte et vidéo. Sur scène, elle développe une forme de poésie performative qui combine spoken word, récitation et performances en solo. Ses spectacles ont été présentés dans diverses institutions culturelles, notamment La Bellone, la Maison Poème, le Beursschouwburg et le Palais de Tokyo. • Soumaya Phéline Abouda, originaire de Bruxelles, est artiste sonore, DJ, compositrice et performeuse, active depuis 2006 sur les scènes belges et internationales. En tant que résidente chez Kiosk Radio, cofondatrice des soirées High Needs Low et coorganisatrice du Club Détour, elle se situe à la croisée de la création sonore et des cultures électroniques alternatives. Son travail explore l’évolution du métier de DJ et la manière dont les outils (CDJ, platines et table de mixage) peuvent devenir de véritables instruments narratifs et expressifs. Elle qualifie cette approche de « CDJism », dans le prolongement du turntablism, dont elle perpétue les gestes, la physicalité et l’imaginaire. À travers cette recherche, elle transforme la performance DJ en un espace d’écoute active, d’improvisation et de composition en temps réel, où chaque mouvement devient un acte d’écriture. Son univers sonore se caractérise par une exploration technique et organique des sons, où elle combine des basses profondes, des breakbeats complexes et des structures polyrythmiques, créant ainsi des expériences uniques et éphémères. En tant que membre du collectif féministe « Psst Mlle », elle s’engage pour plus de diversité et d’inclusivité dans la musique électronique.
Soumaya Phéline Abouda / Zaïneb Hamdi
Atelier 210
Etterbeek
Spectacle
HOUB
Moya
Cirque
Zip Zap Circus
Dès 6 ans
En piste ! Dix circassiens diplômés de l’école de cirque social Zip Zap implantée au Cap, vous emmènent dans un spectacle multicolore, joyeusement décoiffant et terriblement énergique. Une célébration haute en couleur de la diversité sud-africaine. Entre danses et musiques, techniques acrobatiques et jongleries – en solo, duo ou collectivement –, ces jeunes artistes racontent leurs histoires faisant écho au
destin de la nation arc-en-ciel. C’est virtuose, généreux et c’est à partager en famille.
METTEUR EN SCÈNE Brent van Rensburg COMPOSITEUR Josh Hawks CIRCASSIENS Jason Barnard, Luqmaan Benjamin, Bridgette Berning, Jacobus Claassen, Masizakhe Kovi, Vuyani Lottering, Akho Narwele, Phelelani Ndakrokra, Matthew Risk, Lukhanyo Samson CHORÉGRAPHE Adele Blank PRODUCTION Elizabeth Barnard- Scott, Xavier Gobin, Zip Zap Circus
Wolubilis, pôle culturel de Woluwe-Saint-Lambert
Woluwe-Saint-Lambert
Spectacle
Moya
Le Sassy Show spécial Game Ovaires#8
Cabaret / Festival Mutation.s
Le Sassy est le cabaret le plus résistant de Bruxelles ! 12 ans d'existence et pas une ride. Il se réinvente au fil des collaborations et des rencontres.
Pour ce show spécial Game Ovaires fait sa mue, le Sassy cabaret mélange ancien.nes et nouvelleaux. Sur la même scène : plusieurs générations de cabaret et genre pluriels.
Direction artistique: Lili mirezmoi
Avec Lili mirezmoi, Evita de mee, Lissa kay, Majo, Mélusine beauséjour, Finally Flo
And more…
Centre Culturel Jacques Franck
Saint-Gilles
Spectacle
Le Sassy Show spécial Game Ovaires#8
Tijd van Toen
Bibliotheek Anderlecht
Anderlecht
Spectacle
Tijd van Toen
Rectum Crocodile
Rectum Crocodile sonne comme le titre d’un roman noir et décalé, mais c’est un conte fabuleux où les personnages défilent dans de magnifiques parures. Ainsi, fantômes, humain•e•s et bêtes se mêlent, les arbres parlent, et collectivement, ce beau monde tente d’expier un colonialisme tenace.
Au cœur d’une plantation coloniale, les êtres vivants ou morts défilent et se croisent, guidés par la voix malicieuse et énigmatique d’un enfant. Tout droit jaillis de l’imaginaire carnavalesque des Caraïbes, différentes figures nous font face, déclamant poèmes et incantations. Rectum Crocodile est un conte magique, une fable politique et dansée qui tente d’exorciser les fantômes de la domination blanche dans le « Nouveau Monde ». Marvin M’toumo, à la fois metteur en scène et styliste, nous offre une création profonde et fiévreuse où le geste se mêle à la parole et les deux se confondent en danses. Les costumes conçus avec soin et exigence participent à la dimension merveilleuse. Comme son auteur, la pièce se situe à l’intersection de plusieurs arts : la danse, la performance, le théâtre et la poésie entre autres. Elle convoque autant les codes scéniques européens que les imaginaires caribéens, ayant tous deux l’Histoire en trait d’union. Au sein d’une plantation luxuriante, la nature et les humain•e•s interrogent l’esclavagisme, le colonialisme et toutes formes de domination. Polyphonies de voix et de corps croisés, ce poème dansé est un pamphlet lumineux et éclatant contre la discrimination et l’oppression. Programmée avec la complicité du Théâtre Varia, Rectum Crocodile est autant un rugissement qu’un manifeste. Éblouissante et insolente de magnificence, la pièce convoque le passé colonial et lui demande des comptes. Elle souligne l’importance de continuer à creuser collectivement cet héritage commun. • Marvin M’toumo est un artiste dont la poésie singulière se réclame au-delà des distinctions académiques entre arts, théâtre, littérature et mode. Il exprime sa sensibilité dans la fluidité d’une pratique décloisonnée, où il place les identités, les stéréotypes et les archétypes au centre d’une poétique critique remplie de symboles, d’humour et de dramaturgie. Diplômé de l’École Nationale Supérieure de la Villa Arson de Nice en 2016 et de la Haute Ecole d’Arts et de Design (HEAD) de Genève en 2019, Rectum Crocodile est sa deuxième création de théâtre après Concours de larmes (2022), qu’il a écrit, mis en scène, performé et pour laquelle il a conçu la scénographie et les costumes. Dans le monde de la mode, il a collaboré avec l’atelier Lognon de la maison Chanel et avec la maison Jean Paul Gaultier.
Marvin M'toumo
Théâtre Varia
Ixelles
Spectacle
Rectum Crocodile
Aline Olmos Steler — The Origin Of the Future
Culottes sales, bio-prophéties et nouvelles façons d'envisager l'avenir : la performance d'Aline Olmos Steler déploie un univers de clairvoyance humide et d'intimité délirante. Avec une énergie charismatique, elle titille le public tout en touchant, à chaque détour, quelque chose de viscéralement humain.
Chaque jour, des milliards de personnes produisent des pertes vaginales. Pourtant, elles sont invisibilisées et taboues depuis la nuit des temps. C'est de ce constat que part la nouvelle création d'Olmos Steler : une exposition muséale où des culottes sales sont présentées dans des cadres dorés, invitant le public à scruter leurs traces et à en interpréter les présages.
À la manière de la lecture du marc de café ou des lignes de la main, la performance invente la “Dischargemancy” : une pratique divinatoire fictive fondée sur l'interprétation des taches laissées par les pertes vaginales. Sur le coton apparaissent peu à peu des images : une femme fumant la pipe, un canard mort, un paysage, un fantôme.
Plus on regarde, plus on voit.
À mi-chemin entre le théâtre, l'exposition et le clown, The Origin of the Future naît d'une crainte: celle de ne plus voir, un jour, qu'une simple tache là où se cache tout un monde.
Pour sa première production avec le KVS, Aline Olmos Steler présente au festival Próximamente une étape de travail de cette nouvelle création, aujourd'hui entrée dans sa dernière phase de développement.
about
Aline Olmos Steler est une metteuse en scène, clown et artiste de théâtre brésilienne installée à Bruxelles. Diplômée d'une licence et d'un master en arts du spectacle de l'UNICAMP (Brésil), elle a récemment obtenu un second master au DAS Theatre d'Amsterdam. Sa pratique explore les possibilités de l'accumulation et de la superposition, en faisant du chaos, de l'absurde et de l'humour ses principaux modes d'expression. Attirée par ce qui se tient en marge, elle s'intéresse à des sujets aussi divers que les pertes vaginales, le sommeil, les excréments, la masturbation féminine, la vulve non sexualisée ou encore la piraterie. À la croisée du théâtre populaire, de l'art du clown et du théâtre postdramatique, ses créations adoptent souvent une esthétique DIY élaborée à partir de matériaux du quotidien. Elles interrogent les frontières entre l'artiste et le public, tout en questionnant les conditions mêmes de la création et de sa réception dans le capitalisme tardif. Depuis 2019, elle codirige le collectif ultraVioleta_s au Brésil. Elle est artiste en résidence chez Right About Now INC. (Pays-Bas, 2025–2026), bénéficie du soutien de Mestizo Arts Platform (Belgique) et fait partie du programme KVS Faces (Bruxelles, 2027–2031). Elle développe actuellement The Origin of the Future, dont la création est prévue en 2027.
https://www.instagram.com/aline.olmos/
Próximamente Festival met en lumière des artistes d’Amérique latine et de ses diasporas, dans une invitation à engager le dialogue avec les artistes de Bruxelles. Próximamente, qui signifie « bientôt » ou « à venir », incarne non seulement l’attente de ce qui est à venir, mais aussi la proximité et les liens qu’il favorise.
https://www.instagram.com/proximamente.festival/
—
Conception and Direction Aline Olmos Steler Dramaturgy Mahsa Koochak and Laíza Dantas Performers Aline Olmos Steler, Laíza Dantas, and Mahsa Koochak Set design Renan Marcondes Lighting design Gabriele Souza Sound design Bartira Costume design Amanda Hedman Hagerstrom Playwright concept, revision and final version Aline Olmos Steler, Joachim Robbrecht, and Mahsa Koochak; with collaborations of Billy Mullaney for the Curator text, and written together with Carolina Nóbrega with excerpts from The Egg and the Hen by Clarice Lispector for the egg dialogue Creative Production Manager Laíza Dantas Produced by KVS Theater Support of Mestizo Art Platform, RIGHTABOUTNOW INC
Thanks to the artists and creative provocateurs who contributed to this process during its earlier stages: Tetembua Dandara, Paula Mirhan, Carolina Nóbrega, Giovanna Kelly, Leandro Souza, Charlissa Feller, Pero Manzé, Nahuel Cano, Billy Mullaney, Gabriela Fernandes, Marta Keil, Ingrid Vranken, Maarten van Hinte, and special thanks to Marjorie Boston Marjorie Boston for the support and enthusiasm.
image 2 © Tim Mai Tan
image 3 © Victoriano Moreno
image © Gabi Fernandes
image © Renan Marcondes
Beursschouwburg
Bruxelles
Spectacle
Aline Olmos Steler — The Origin Of the Future
Endless Summer Camp
Avec Endless Summer Camp, Sophie Guisset prolonge ses recherches sur les espaces de liberté et les alliances inédites. S’inspirant de son expérience intime au sein du mouvement scout, elle en reprend le cadre et la structure … pour mieux en détourner les codes.
Bienvenue à un utopique camp d’été réservé aux adultes, où des performeur·euses créent une troupe éphémère et explorent ensemble le désir, la transgression et la joie. Comme autrefois dans les bois, il s’agira de déployer son imagination dans l’invention, la construction et l’organisation d’un
espace de jeu, et de faire corps avec
le groupe.
Ici, vice, perversion et transcendance de soi ne sont pas des tabous, mais des sources de plaisir et de fierté. L’esprit scout, cette ingéniosité face à l’imprévu, cette attention portée au milieu qui nous entoure, devient le moteur d’une exploration intime et collective du désir et de la sexualité, vécus avec vulnérabilité, humour et délicatesse.
Endless Summer Camp nous invite à repenser notre rapport au désir et à imaginer, ensemble, de nouveaux scénarios relationnels … et à le faire sous le soleil.
Avec Endless Summer Camp, Sophie Guisset prolonge ses recherches sur les espaces de liberté et les alliances inédites. S’inspirant de son expérience intime au sein du mouvement scout, elle en reprend le cadre et la structure … pour mieux en détourner les codes.
Bienvenue à un utopique camp d’été réservé aux adultes, où des performeur·euses créent une troupe éphémère et explorent ensemble le désir, la transgression et la joie. Comme autrefois dans les bois, il s’agira de déployer son imagination dans l’invention, la construction et l’organisation d’un
espace de jeu, et de faire corps avec
le groupe.
Ici, vice, perversion et transcendance de soi ne sont pas des tabous, mais des sources de plaisir et de fierté. L’esprit scout, cette ingéniosité face à l’imprévu, cette attention portée au milieu qui nous entoure, devient le moteur d’une exploration intime et collective du désir et de la sexualité, vécus avec vulnérabilité, humour et délicatesse.
Endless Summer Camp nous invite à repenser notre rapport au désir et à imaginer, ensemble, de nouveaux scénarios relationnels … et à le faire sous le soleil.
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Endless Summer Camp
Danseprophétique àl’îlebizarre
Au cœur d’une forêt blanche, l’artiste performeuse Geneviève Matthieu se livre à des métamorphoses parmi les cris et les hululements de la nuit. Par la poésie, l’entraînement physique, la musique et le chant, elle invoque une île étrange où les repères vacillent et où vivants, souvenirs et présences invisibles cohabitent dans un même souffle. Les signes apparaissent. Les coïncidences se multiplient. Des fragments de destin se dessinent sous nos yeux. Entre rituel mystique et performance pop, Danseprophétiqueàl’îlebizarre invite à une traversée où chaque spectateur·rice fraye son propre chemin.
Geneviève Matthieu (Québec)
Maison Poème
Saint-Gilles
Spectacle
Danseprophétique àl’îlebizarre
In Petto - Duo clownesque
Pour cette création, OKIDOK retrouve un travail de duo clownesque non verbal, orienté par un théâtre gestuel à l’esthétique affirmée. Les clowns, miroirs déformés de nos fragiles humanités, y convoquent, in petto, l’absurde de nos existences.
Comment survivre quand le monde s’écroule perpétuellement sous nos pieds ? La charrette qui les abrite, à la fois logis, loge et promontoire, est en équilibre instable sur l’axe unique de ses deux roues. Elle bascule sans cesse, les balance d’un côté à l’autre, elle les fauche, les expulse et les tourmente. Ils tenteront de trouver, dans un moment suspendu, un compromis, un équilibre précaire, une solution salutaire qui leur permettra de poursuivre leur route, le chemin de leur vie.
Xavier Bouvier; Benoît Devos
Archipel 19
Berchem-Sainte-Agathe
Spectacle
In Petto - Duo clownesque
Performance : Les bandes à Matéo
A partir des archives de Matéo Maximoff (1917-1999), grande figure des mondes romanis, Erell Latimier et Jonathan Larcher proposent une performance sonore et visuelle pour retrouver sa trajectoire et ses expériences de vie. Tous les deux chercheurs et artistes, ils utilisent les archives, dans une perspective académique et sensible.
A partir des archives de Matéo Maximoff (1917-1999), grande figure des mondes romanis, Erell Latimier et Jonathan Larcher proposent une performance sonore et visuelle pour retrouver sa trajectoire et ses expériences de vie. Tous les deux chercheurs et artistes, ils utilisent les archives, dans une perspective académique et sensible.
Ainsi, entre les lignes des journaux et les photogrammes silencieux des films Super 8, la voix de Matéo émerge et raconte à nouveau son histoire et ses luttes : des activités manuelles et quotidiennes des membres de sa famille aux réveils religieux et politiques des années 1960 et 1970.
Jonathan Larcher : Cinéaste, maître de conférence en études cinématographiques et spécialiste de l'anthropologie visuelle
Erell Latimier : Sociolinguiste et compositrice
Théâtre de la Parole
Auderghem
Spectacle
Performance : Les bandes à Matéo
Drag Brunch au SERRA Brussels avec Bikini & Dina Price
Le Sunday Drag Brunch revient au SERRA Brussels pour une nouvelle édition haute en couleur, menée par Bikini, Queen of Good Vibes, accompagnée de Dina Price. Au programme : performances drag en live, chant, danse, humour et jeux interactifs, autour d’un buffet brunch sucré-salé à volonté dans une ambiance chaleureuse et inclusive.
Le Sunday Drag Brunch revient au SERRA Brussels pour une nouvelle édition haute en couleur.
Nommé aux visit.brussels Awards, ce rendez-vous festif est mené par Bikini, Queen of Good Vibes, vue récemment sur la scène bruxelloise dans la comédie musicale Kinky Boots. Pour l’occasion, elle sera accompagnée de Dina Price.
Au programme : chant, danse, humour, performances drag en live et jeux interactifs pour transformer ton dimanche en vraie fiesta. Entre deux numéros, profite d’un buffet brunch sucré-salé à volonté préparé par l’équipe du SERRA, dans une ambiance chaleureuse, inclusive et pleine de good vibes.
Que ce soit pour célébrer un anniversaire, un EVJF, une réussite entre amis ou simplement pour lutter contre le blues du dimanche, c’est le plan parfait pour passer un moment mémorable.
Un verre de cava t’attend à l’arrivée, et une bouteille est offerte aux groupes de six personnes et plus.
Viens affamé·e, viens curieux·se, et prépare-toi pour un brunch glamour, caliente et résolument fabuleux.
Infos pratiques:
Date et heure : Dimanche 22 novembre 2026 de 12h à 15h30
Durée : 3h30
Lieu : SERRA Brussels, 20 Place Charles Rogier, 1210 Bruxelles
Hotel Indigo Brussels City
Saint-Josse-Ten-Noode
Spectacle
Drag Brunch au SERRA Brussels avec Bikini & Dina Price
Fabulation
Spectaculaire ? Sans aucun doute ! Une imposante structure dresse ses volumes comme des immeubles à gravir. Casques vissés sur la tête, deux motardes les escaladent puis disparaissent derrière ces montagnes de toile.
Avec Fabulation, Gianna Sutterlet et Constance Bugnon unissent leurs talents de voltigeuse et d’acrobate dans une proposition hybride où le cirque se frotte à la cascade physique et inversement.La moto devient leur agrès central : tantôt support d’équilibre, tantôt engin à provoquer les chutes ou les envols. Chaque geste est calculé : comme au cinéma, les artifices permettent d’effacer la frontière entre illusion et réalité.
Fabulation détourne l’univers viril de la cascade et propose d’inventer un terrain de jeu acrobatique aussi émancipateur que réjouissant.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Spectaculaire ? Sans aucun doute ! Une imposante structure dresse ses volumes comme des immeubles à gravir. Casques vissés sur la tête, deux motardes les escaladent puis disparaissent derrière ces montagnes de toile.
Avec Fabulation, Gianna Sutterlet et Constance Bugnon unissent leurs talents de voltigeuse et d’acrobate dans une proposition hybride où le cirque se frotte à la cascade physique et inversement.La moto devient leur agrès central : tantôt support d’équilibre, tantôt engin à provoquer les chutes ou les envols. Chaque geste est calculé : comme au cinéma, les artifices permettent d’effacer la frontière entre illusion et réalité.
Fabulation détourne l’univers viril de la cascade et propose d’inventer un terrain de jeu acrobatique aussi émancipateur que réjouissant.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Fabulation
Une tentative presque comme une autre
Représentation Relax*
Clément et Guillaume Papachristou sont jumeaux. Vêtus à l’identique, ils se présentent sur un plateau nu. Les deux corps gémellaires, l’un valide, l’autre porteur de handicap moteur IMC (infirmité motrice cérébrale), entament une danse faite d’enlacements et de séparations. Ils s’étreignent, s’agrippent, se chamaillent. Ils partent de leur histoire intime et de leur extrême ressemblance physique pour explorer les notions du double, du (dis)semblable et de l’altérité.
Dans une communion sensible et drôle, ils explorent leurs sentiments, leurs doutes, leurs réalités respectives et les contraintes partagées. Entre ressemblance physique de la gémellité et écart physique dû au handicap, le spectacle met en lumière la recherche d’une entraide insoupçonnée et qui se (re)découvre sans cesse. Une performance intime et terriblement émouvante.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
* Une représentation relax est une invitation à partager la culture dans un environnement inclusif et respectueux des besoins de chacun·e.
Proposant une atmosphère bienveillante, tranquille et détendue basée sur l'acceptation de chacun et chacune, le spectacle reste le même.
Les codes de représentation sont juste un peu assouplis pour que chacun·e puisse la vivre à sa façon (Les stimulus sonores et lumineux ont été légèrement adoucis). Le public est libre de se déplacer ou pas et d’exprimer ses réactions spontanément.
Représentation Relax*
Clément et Guillaume Papachristou sont jumeaux. Vêtus à l’identique, ils se présentent sur un plateau nu. Les deux corps gémellaires, l’un valide, l’autre porteur de handicap moteur IMC (infirmité motrice cérébrale), entament une danse faite d’enlacements et de séparations. Ils s’étreignent, s’agrippent, se chamaillent. Ils partent de leur histoire intime et de leur extrême ressemblance physique pour explorer les notions du double, du (dis)semblable et de l’altérité.
Dans une communion sensible et drôle, ils explorent leurs sentiments, leurs doutes, leurs réalités respectives et les contraintes partagées. Entre ressemblance physique de la gémellité et écart physique dû au handicap, le spectacle met en lumière la recherche d’une entraide insoupçonnée et qui se (re)découvre sans cesse. Une performance intime et terriblement émouvante.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
* Une représentation relax est une invitation à partager la culture dans un environnement inclusif et respectueux des besoins de chacun·e.
Proposant une atmosphère bienveillante, tranquille et détendue basée sur l'acceptation de chacun et chacune, le spectacle reste le même.
Les codes de représentation sont juste un peu assouplis pour que chacun·e puisse la vivre à sa façon (Les stimulus sonores et lumineux ont été légèrement adoucis). Le public est libre de se déplacer ou pas et d’exprimer ses réactions spontanément.
11 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 € / 24 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Une tentative presque comme une autre
STONE
« Tout le monde est lesbienne ». Garance Maillot s’empare de cette affirmation joyeusement frontale et en fait le point de départ d’un récit chorégraphique sur les héritages. Elle s’appuie sur un deuil, celui de son grand-père, pour questionner ce que peut signifier aujourd’hui de se définir comme lesbienne.
Disposées autour d’elle, des chaises personnifient des présences. Elles évoquent des figures longtemps invisibilisées : Loïe Fuller, Jill Johnston, Lucinda Childs ou Valeska Gert, autant d’artistes qui ont marqué la danse et la pensée lesbienne. Auprès d’elles, Garance Maillot cherche des réponses avec le public : que contient ce mot, « lesbienne » ? Peut-on regarder une œuvre lesbienne ou queer simplement comme une œuvre d’art ?
Inattendu et lumineux, ce solo trace une nouvelle généalogie qui libère des forces de transformation.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
« Tout le monde est lesbienne ». Garance Maillot s’empare de cette affirmation joyeusement frontale et en fait le point de départ d’un récit chorégraphique sur les héritages. Elle s’appuie sur un deuil, celui de son grand-père, pour questionner ce que peut signifier aujourd’hui de se définir comme lesbienne.
Disposées autour d’elle, des chaises personnifient des présences. Elles évoquent des figures longtemps invisibilisées : Loïe Fuller, Jill Johnston, Lucinda Childs ou Valeska Gert, autant d’artistes qui ont marqué la danse et la pensée lesbienne. Auprès d’elles, Garance Maillot cherche des réponses avec le public : que contient ce mot, « lesbienne » ? Peut-on regarder une œuvre lesbienne ou queer simplement comme une œuvre d’art ?
Inattendu et lumineux, ce solo trace une nouvelle généalogie qui libère des forces de transformation.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
STONE
Bocson
Avec Bocson, Juliette Chevalier déploie une œuvre chorégraphique pour six femmes en lutte, dans un univers de bâches, de tissus et de métal. Un pluralisme brut inspiré des paysages industriels du Nord (de la Belgique à la France), et des cataclysmes climatiques qui ont récemment ravagé cette région. Cette pièce engage les corps dans des territoires traversés et résilients. Entre carnaval, boxe et cultures populaires, elle tisse un manifeste sensible où les luttes intimes et collectives se répondent. Une danse de l’effort et de l’épuisement, entre effondrement et résurgence.
Avec Bocson, Juliette Chevalier déploie une œuvre chorégraphique pour six femmes en lutte, dans un univers de bâches, de tissus et de métal. Un pluralisme brut inspiré des paysages industriels du Nord (de la Belgique à la France), et des cataclysmes climatiques qui ont récemment ravagé cette région. Cette pièce engage les corps dans des territoires traversés et résilients. Entre carnaval, boxe et cultures populaires, elle tisse un manifeste sensible où les luttes intimes et collectives se répondent. Une danse de l’effort et de l’épuisement, entre effondrement et résurgence.
La Drache
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
Bocson
PEOPLE
Performeur de la matière, Claudio Stellato nous avait déjà régalé·es en jonglant avec des stères de bois dans La Cosa ou en jouant les bricoleurs déjantés dans Work. Avec People, il poursuit ses explorations d’univers instables à base d’objets. Très vite, le plateau se remplit d’un bric-à-brac de trouvailles copieusement arrosées de peinture noire, manipulées par des personnages en pleine tempête émotionnelle, pris de cris, de rires et de pleurs. Progressivement, silhouettes et objets se confondent dans une sorte de grande sculpture vivante qui fusionne la fête improvisée et le rituel frénétique.
En s’inspirant des personnes vivant dans la rue et de l’accumulation obsessionnelle, People révèle la poésie inattendue qui surgit au milieu du chaos. Quand l’équilibre précaire des corps et du désordre révèle la beauté de la vulnérabilité humaine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Performeur de la matière, Claudio Stellato nous avait déjà régalé·es en jonglant avec des stères de bois dans La Cosa ou en jouant les bricoleurs déjantés dans Work. Avec People, il poursuit ses explorations d’univers instables à base d’objets. Très vite, le plateau se remplit d’un bric-à-brac de trouvailles copieusement arrosées de peinture noire, manipulées par des personnages en pleine tempête émotionnelle, pris de cris, de rires et de pleurs. Progressivement, silhouettes et objets se confondent dans une sorte de grande sculpture vivante qui fusionne la fête improvisée et le rituel frénétique.
En s’inspirant des personnes vivant dans la rue et de l’accumulation obsessionnelle, People révèle la poésie inattendue qui surgit au milieu du chaos. Quand l’équilibre précaire des corps et du désordre révèle la beauté de la vulnérabilité humaine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
PEOPLE
anger angels ETERNAL LETDOWN
La chorégraphe vénézuélienne Sophia RodrÍguez, déjà familière du public belge, et l’artiste autrichienne Teresa Vittucci, dont l’humour subversif a parcouru les scènes européennes, unissent leurs univers dans une première collaboration à ne pas rater.
De leur rencontre est née Anger Angels, une performance hypnotique et volontiers décalée, éloge de la colère comme matière première catalyseuse d’énergie collective. Dans un décor de bureau aux allures surréalistes, deux anges messagers accueillent et traduisent la fureur humaine. A travers le mouvement et la voix, elles donnent corps à cette émotion longtemps disqualifiée, en particulier lorsqu’elle vient des femmes.
Anger Angels entreprend une formidable réhabilitation de la rage, envisagée avec humour comme une source d’apaisement. La colère finalement, ça fait du bien.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
La chorégraphe vénézuélienne Sophia RodrÍguez, déjà familière du public belge, et l’artiste autrichienne Teresa Vittucci, dont l’humour subversif a parcouru les scènes européennes, unissent leurs univers dans une première collaboration à ne pas rater.
De leur rencontre est née Anger Angels, une performance hypnotique et volontiers décalée, éloge de la colère comme matière première catalyseuse d’énergie collective. Dans un décor de bureau aux allures surréalistes, deux anges messagers accueillent et traduisent la fureur humaine. A travers le mouvement et la voix, elles donnent corps à cette émotion longtemps disqualifiée, en particulier lorsqu’elle vient des femmes.
Anger Angels entreprend une formidable réhabilitation de la rage, envisagée avec humour comme une source d’apaisement. La colère finalement, ça fait du bien.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
anger angels ETERNAL LETDOWN
anger angels
Deux messagères angéliques évoluent dans un paysage surréaliste et y assimilent la colère humaine. Dans cette première collaboration, Sophía Rodríguez et Teresa Vittucci nous confrontent dans leur première collaboration, à la répression de la colère féminine. Ces « anges de la colère » planent, chantent dans des langues extraterrestres et interagissent avec leur environnement corporate. Un spectacle qui agit comme un massage profond, dont vous ignoriez avoir besoin.
Les artistes de performance Sophía Rodríguez (née au Venezuela, installée à Bruxelles) et Teresa Vittucci (née en Autriche, installée à Zurich) collaborent pour la première fois. Elles explorent la colère en tant que force transformatrice au cours d’une performance à la fois hypnotique, humoristique et physique. Dans un paysage surréaliste inspiré du monde de l’entreprise, deux messagères angéliques naviguent et assimilent la colère humaine. À travers le mouvement, la voix, la scénographie, et les interactions avec le public, elles affrontent la répression de la colère féminine. À la fois déstabilisant et étrangement apaisant, le spectacle se fait comme un massage profond de vos tissus conjonctifs dont vous ignorez avoir besoin. Avec une ironie sincère, une hypersensibilité et une absurdité céleste, Rodríguez et Vittucci canalisent la colère en une capacité transcendantale ; elles planent, chantent dans des langues extraterrestres et interagissent avec leur environnement corporate. Avez-vous déjà entendu un clavier s’harmoniser avec une perforatrice ? Rodríguez et Vittucci revalorisent la colère, et surtout la colère féminine, après son rejet historique car jugée irrationnelle ou dangereuse. En embrassant l’émotionnel, le physique et le fluide, les « anger angels » nous invitent à nous attarder sur une émotion qui brûle sous la surface, ainsi qu’à être témoins de son potentiel de guérison et de transformation collective. • Sophía Rodríguez (1984, VE/BE, elle) est actrice, danseuse, chorégraphe et artiste de cirque. Elle a étudié le cirque, la danse et le théâtre physique au Venezuela (Universidad Experimental de las Artes), à Cuba (École nationale de cirque de Cuba) et en Suisse (Accademia Dimitri). Ses échanges de longue date et sa formation avec David Zambrano ont fortement influencé sa pratique artistique. En tant que créatrice, elle utilise la performance physique, la connaissance incarnée, la voix et l’improvisation comme éléments constitutifs de spectacles énergiques, féministes et critiques qui oscillent toujours entre les disciplines. Le Kaaitheater avait déjà présenté son FRICTION (2023) en collaboration avec Charleroi Danse. • Teresa Vittucci (AT/CH, elle/iel) est une artiste née à Vienne qui vit à Zurich depuis 2015. Dans ses performances de danse contemporaine, elle explore des perspectives féministes et queer sur la culture pop, l’histoire et la religion, en s’appuyant sur un humour subversif comme point de départ fondamental. Depuis 2018, Teresa travaille sur Trilogy in Praise of Vulnerability, composée des pièces en solo HATE ME, TENDER, SANE SATAN et du duo DOOM avec Colin Self. Parmi ses autres œuvres, citons UNLEASH (2012), LUNCHTIME (2015), ALL EYES ON (2017) et WE BODIES, une collaboration avec Michael Turinsky et Claire Vivianne Sobottke. Teresa a notamment collaboré avec Colin Self, Marilú Mapengo Namoda, Annina Machaz, Simone Aughterlony, Nils A. Lange, Michael Turinsky, Claire Teresa entretient également des liens artistiques étroits avec la Belgique et collabore régulièrement avec des artistes et des créateur·ices belges. Son œuvre ALL EYES ON a été présentée au festival With Pleasure de VIERNULVIER, et CAMPO a présenté HATE ME, TENDER et DOOM. Sa signature artistique physique, provocante et profondément personnelle, fait non seulement écho au travail de Rodríguez, mais occupe également une place importante dans le paysage des arts de la scène belges.
Sophia Rodriguez / Teresa Vittucci
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
anger angels
NEZ NOIR
Assise au bout d’un fil tendu entre deux points d’ancrage, Estelle Samira Borel tricote, vêtue d’un costume de mouton. Ses doigts travaillent la laine tandis que résonnent des bêlements. Un tableau qui pourrait sembler bucolique.
Mais derrière cette image, la fildefériste propose une traversée intime et décoloniale du Valais, le canton suisse où elle a grandi. Un territoire dont l’héritage raciste reste trop peu assumé. Car l’animal laineux qui l’accompagne sur scène n’est pas un simple costume pastoral : il s’inspire des Nez Noir, ces moutons bicolores emblématiques de la région, et renvoie à la comparaison d’une violence persistante entre personnes noires et animalité.
En s’en saisissant dans une performance acrobatique, Estelle Samira Borel retourne le stigmate pour fabriquer une figure de résistance d’une grande puissance.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Assise au bout d’un fil tendu entre deux points d’ancrage, Estelle Samira Borel tricote, vêtue d’un costume de mouton. Ses doigts travaillent la laine tandis que résonnent des bêlements. Un tableau qui pourrait sembler bucolique.
Mais derrière cette image, la fildefériste propose une traversée intime et décoloniale du Valais, le canton suisse où elle a grandi. Un territoire dont l’héritage raciste reste trop peu assumé. Car l’animal laineux qui l’accompagne sur scène n’est pas un simple costume pastoral : il s’inspire des Nez Noir, ces moutons bicolores emblématiques de la région, et renvoie à la comparaison d’une violence persistante entre personnes noires et animalité.
En s’en saisissant dans une performance acrobatique, Estelle Samira Borel retourne le stigmate pour fabriquer une figure de résistance d’une grande puissance.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
NEZ NOIR
Complicités Créatives - Carte Blanche
Complicités Créatives - Carte Blanche
Un rendez-vous d’artistes gravitant principalement autour de la danse sera présenté lors d’une soirée Carte Blanche au GC Ten Weyngaert. Ces Complicités Créatives, organisées par l’artiste Clélie Chassignet, mettront en lumière 9 artistes emergent.es. Au programme : conte, spectacles de danse et musique. Vous pourrez aussi profiter du finissage de l'exposition en cours dans la galerie. Tarif : Entrée 10€. Prix solidaire : 5€ Artistes : Ieva Braženaite, Ka-Lai Lau, Iraklis Miragias, Clara Cabecas Segura, Clélie Chassignet, Virginie Gobert, Solène Niess, Irene Márquez, Matthieu Raulic, Eléonore Pinet Bodin et Tomàs Denis
GC Ten Weyngaert
Forest
Spectacle
Complicités Créatives - Carte Blanche
Nocturne Parade
Qui chevauche si tard à travers la nuit et le vent ?
C’est le père avec son enfant.
Il porte l’enfant dans ses bras,
Il le tient ferme, il le réchauffe.
Sur base du poème « Le Roi des Aulnes de Goethe, Phia Ménard signe avec Nocturne (Parade) une magnifique fable sur le pouvoir de l’enfance.
Un enfant, arrimé à son père sur le dos d’un cheval, sent poindre un danger mortel que l’adulte ne voit pas ou ne veut pas voir. C’est la parabole de notre époque en totale déréliction.
Dans un cercle de lumière, le vent souffle, les formes s’animent. Gonflées et mues par les souffles de l’air, ces marionnettes de fortune composent le ballet somptueux et poignant d’un monde qui déraille.
Pensée comme un voyage dans un tunnel obscur, cette pièce immerge les spectateur·ices dans un univers onirique où l’on perçoit avant de voir. En mettant en scène cette traversée sensorielle, le spectacle invite à entrer en lutte contre une nuit menaçante. Phia Ménard porte ainsi, magnifiquement, la contradiction aux vents mauvais et liberticides de l’obscurantisme.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Qui chevauche si tard à travers la nuit et le vent ?
C’est le père avec son enfant.
Il porte l’enfant dans ses bras,
Il le tient ferme, il le réchauffe.
Sur base du poème « Le Roi des Aulnes de Goethe, Phia Ménard signe avec Nocturne (Parade) une magnifique fable sur le pouvoir de l’enfance.
Un enfant, arrimé à son père sur le dos d’un cheval, sent poindre un danger mortel que l’adulte ne voit pas ou ne veut pas voir. C’est la parabole de notre époque en totale déréliction.
Dans un cercle de lumière, le vent souffle, les formes s’animent. Gonflées et mues par les souffles de l’air, ces marionnettes de fortune composent le ballet somptueux et poignant d’un monde qui déraille.
Pensée comme un voyage dans un tunnel obscur, cette pièce immerge les spectateur·ices dans un univers onirique où l’on perçoit avant de voir. En mettant en scène cette traversée sensorielle, le spectacle invite à entrer en lutte contre une nuit menaçante. Phia Ménard porte ainsi, magnifiquement, la contradiction aux vents mauvais et liberticides de l’obscurantisme.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 € / 24 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Nocturne Parade
La Belle Epoque de Noël
Du 27 novembre au 6 décembre 2026, durant 10 soirées, Tour des Sites Organisation propose LA BELLE ÉPOQUE DE NOËL. Ce spectacle narratif sur 180° puise son inspiration dans l’histoire du Bruxelles 1900 durant les fêtes de fin d’année. Ce grand conte de Noël fera évoluer des artistes au sein de l’église ixelloise, entouré de projections d’images géantes.
LA BELLE EPOQUE DE NOEL est un spectacle monumental déployé à l’intérieur de l’église Sainte-Croix d’Ixelles sur 180°. Ce spectacle immersif est présenté du 27 novembre au 6 décembre 2026.
Ce show met en scène l’histoire, les traditions et l’âme de la ville, au travers d’un récit visuel et sonore immersif pensé pour sublimer l’intérieur de l’église Sainte-Croix. Chaque soir, du 27 novembre au 6 décembre, cette création artistique prendra vie dans ce lieu de prestige.
Pensé comme un véritable voyage sensoriel, ce spectacle mêlera vidéo-mapping, effets visuels, lumières et performances artistiques. L’objectif est de magnifier les volumes, les détails architecturaux et l’atmosphère unique de l’église, tout en racontant l’histoire de Bruxelles et d’Ixelles à la Belle Epoque à travers une approche poétique et contemporaine.
Acteurs et performers incarnant des personnages de la Belle Epoque sont omniprésents dans ce spectacle. Ils seront au centre de l’action tout en habitant véritablement le récit
Eglise Sainte-Croix
Ixelles
Spectacle
La Belle Epoque de Noël
MOLE
Une femme dans sa chambre. Elle a décidé d'en finir. Son Opinel n'est pas assez aiguisé, le miroir Ikea refuse de se casser, et le numéro anti-suicide ne répond pas. La mort ne joue pas le jeu ce soir-là.
Autour de ce ratage fondateur, Carla Margarita Manrique construit un spectacle totalement inclassable, à la fois conférence et film d'horreur, témoignage clownesque et voyage endoscopique. Le suicide y est abordé comme sujet polémique, théorisé depuis l'Antiquité, porté ici par une dramaturgie volontairement instable. À l'image de l'oscillation constante entre vie et mort que connaissent celles et ceux qui y pensent.
Circassienne de formation, Carla Margarita Manrique suspend son corps à de faux intestins, rejoue l'absurde avec précision. Son outil: l'humour. Pas pour esquiver, mais pour réparer. « If I don't turn it into a joke it will destroy me.” Une façon de tenir debout avec panache sur une ligne très fine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Une femme dans sa chambre. Elle a décidé d'en finir. Son Opinel n'est pas assez aiguisé, le miroir Ikea refuse de se casser, et le numéro anti-suicide ne répond pas. La mort ne joue pas le jeu ce soir-là.
Autour de ce ratage fondateur, Carla Margarita Manrique construit un spectacle totalement inclassable, à la fois conférence et film d'horreur, témoignage clownesque et voyage endoscopique. Le suicide y est abordé comme sujet polémique, théorisé depuis l'Antiquité, porté ici par une dramaturgie volontairement instable. À l'image de l'oscillation constante entre vie et mort que connaissent celles et ceux qui y pensent.
Circassienne de formation, Carla Margarita Manrique suspend son corps à de faux intestins, rejoue l'absurde avec précision. Son outil: l'humour. Pas pour esquiver, mais pour réparer. « If I don't turn it into a joke it will destroy me.” Une façon de tenir debout avec panache sur une ligne très fine.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
9€ / 12 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
MOLE
MOLE
Le point de départ de ce projet est une expérience personnelle, mais pas unique. Le suicide est un sujet que l’humain théorise depuis l’antiquité, soit pour l’exalter soit pour le condamner (surtout pour le condamner).
Peu importent les raisons pour lesquelles quelqu’un·e décide d’en finir avec sa vie, c’est un sujet polémique et une question de débat éthique, religieux, médical, économique, sociologique et politique.
Pourtant, personne n’échappe aux réflexions autour de sa propre mort. Avec du recul (et beaucoup de thérapie), une évidence s’impose : aborder un sujet aussi lourd passe par la légèreté et la distance qu’offrent l’humour.
Le spectacle propose un cadre où les spectateur·ices sont invité·es à questionner leur rapport au suicide, à réfléchir au-delà des tabous, pour se planter, pour se donner le droit d’être frustré·es, pour rigoler du tragique, peut-être pour essayer de comprendre.
TW : suicide
Écriture et interprétation : Carla Margarita Manrique / Jeu et regard extérieur dramaturgique : Hugo Henner / Regard extérieur : Marine Fourteau / Création lumière : Maureen Vom Dorp / Création sonore : Valentin San Pietro / Création costumes : Marie Romanens/ Captations vidéo aux étapes de travail : Tomè-Manon Cotte / Consultant technique vidéo : Guillaume Bautista
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
MOLE
The Mystery Cabaret - Magie
Bruxelles, 1905 : la dernière pierre du vénérable Collège Saint-Michel est posée.
Dans une des ailes du bâtiment, une poignée de jésuites aménagent secrètement un minuscule cabaret, lieu caché de divertissement. Fascinés par les arts occultes et les sciences de l’étrange, ils y invitent sur scène magiciens, mentalistes et autres artistes du bizarre, issus du monde entier. La bière (trappiste) y coule à flots : « The Mystery Cabaret » est né ! Le lieu n’est répertorié sur aucune carte ni plan ; il a survécu à deux guerres et aux assauts du temps. Exceptionnellement, il ouvre de temps à autres ses portes aux non-initiés, sur invitation : ne ratez surtout pas cette occasion unique de découvrir …
Avec Louis Loriot, Patrick Kurota et leurs invités
Spectacle de 1h45 avec entracte
A partir de 8 ans
Plus d'infos : https://www.themysterycabaret.com/
Le Petit Chapeau Rond Rouge
Etterbeek
Spectacle
The Mystery Cabaret - Magie
Assis sur ma chaise
Blaise est un enfant tout à fait banalement extraordinaire. Comme chaque matin d’école, son réveil sonne à 7h00, inévitablement. Sur le chemin de l’école, tout son corps le supplie de faire marche arrière, alors il chante pour se donner du courage.
« Assis sur ma chaise » est un spectacle sur l’échec scolaire, mais aussi et surtout sur la possibilité de se relever. C’est un voyage imaginaire au cœur du blocage. Une plongée dans la tête d’un enfant qu’on croit perdu. Ce spectacle veut offrir aux enfants un autre regard, un autre récit pas pour nier la difficulté, mais pour lui redonner du sens – et pourquoi pas – de la beauté. Ce spectacle s’adresse aux enfants, mais aussi aux adultes qui les accompagnent : enseignant·e·s, éducateur·ice·s, parents. Il ouvre un espace d’écoute, de partage et de discussion. Il ne cherche pas à accuser. Il cherche à rendre visible un fonctionnement qui semble incohérent pour la plupart des gens.
Distribution
ÉCRITURE : Louison De Leu
MISE EN SCÈNE : Louison De Leu, avec la collaboration de Laurie Périssutti, Jérôme Poncin et Marie-Odile Dupuis
INTERPRÉTATION : Mélissa Diarra et Adrie Debiasi
SCÉNOGRAPHIE : Louise Vandervorst, Marie Kersten, Evy Demotte, Laurie Perissutti
CONSTRUCTION : François De Myttenaere
CRÉATION LUMIÈRE : Cha Persoons
TARIF : 5 € - 1.25€ Article 27
Distribution
ÉCRITURE : Louison De Leu
MISE EN SCÈNE : Louison De Leu, avec la collaboration de Laurie Périssutti, Jérôme Poncin et Marie-Odile Dupuis
INTERPRÉTATION : Mélissa Diarra et Adrie Debiasi
SCÉNOGRAPHIE : Louise Vandervorst, Marie Kersten, Evy Demotte, Laurie Perissutti
CONSTRUCTION : François De Myttenaere
CRÉATION LUMIÈRE : Cha Persoons
Le Senghor - Centre Culturel d’Etterbeek
Etterbeek
Spectacle
Assis sur ma chaise
Ça marche. HAPPY END
HAPPY END est une création avec des adolescent·es sourd·es, qui explore l'adolescence comme un seuil où la célébration rencontre la perte et où l'identité se forme dans l'incertitude. Sur scène, ils et elles se rassemblent pour créer un rythme partagé : non pas une musique conventionnelle, mais une manière d'organiser le temps à travers les corps, les gestes et l'attention. Dans cet espace fragile, la surdité déplace la perception et redéfinit l'écoute et la communication. Le sens émerge à travers la langue des signes, le regard et le mouvement. Alors que les récits se déploient sans résolution, la pièce maintient le mouvement plutôt que la clôture. Dans un monde qui semble instable, ces adolescent.es agissent pour rester ensemble, inventent des formes de relation qui permettent de garder quelque chose de vivant, même lorsque l'avenir est incertain.
Direction & écriture : Nico Jongen
En collaboration avec : Berta Frigola
Dramaturgie : Roberto Fratini
Interprètes : Laura Galiano, Melih Hayran
Lumière : Júlia Bauer
Son: Dudu Alves Coordination technique : José Pablo Parra Vargas
Interprétation en langue des signes : Laura Bada
Production & administration : Lluís Victory Cirrer, Mariona Signes
Coproduction : Bozar (Bruxelles), Fundação Serralves (Porto), Teatre Lliure (Barcelone), Teatro Calderón (Valladolid), Nau Ivanow & Ça marche
Avec le soutien de : Casal Font d'en FargasDans le cadre du projet 'PIT - Perform, Inform, Transform: Participatory Performance in Art Museums', cofinancé par l'Union européenne.
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Ça marche. HAPPY END
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
6€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
Corps tendres • Lucie Yerlès
Comment perçoit-on le monde à travers notre peau ? Lucie Yerlès et son équipe nous offrent une performance sensorielle généreuse entre cirque, théâtre et danse.
Comment perçoit-on le monde à travers notre peau ? Lucie Yerlès et son équipe nous offrent une performance sensorielle généreuse entre cirque, théâtre et danse.
En tant que circassienne, Lucie Yerlès a pris conscience d’un décalage entre sa propre expérience du toucher – quotidienne, technique – et celle qui domine dans nos sociétés occidentales, où le contact physique reste principalement réservé à la sphère intime. Que signifie toucher ou être touché·e ? Sur une piste ou un plateau, c’est surtout une nécessité. Les portés, le main à main ou les « parades » supposent une écoute fine et une responsabilité physique. Ce lien corporel est outil autant que prise de risque.
Corps tendres s’appuie sur ce décalage. Quatre circassien·nes et un musicien proposent une performance immersive dans un paysage doux et ludique. Le projet émane d’un travail de recherche mené en amont avec des amateur·ices lors d’ateliers. Au-delà de la virtuosité acrobatique circassienne, Corps tendres nous invite à modifier notre regard sur la proximité tactile, pour en révéler la troublante complexité.
Coproduction Théâtre National Wallonie-Bruxelles
En résumé
Le spectacle explore la question du toucher à travers le cirque, la danse et la musique.
Que signifie toucher ou être touché·e ?
Le spectacle invite à réfléchir à la nécessité du contact physique.
Une expérience sensible pour sentir ce qui nous relie aux autres.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Corps tendres • Lucie Yerlès
histoire(s) • Olga de Soto
Que reste-t-il d’un spectacle une fois les derniers applaudissements évanouis ?
Que reste-t-il d’un spectacle une fois les derniers applaudissements évanouis ?
Le 25 juin 1946, au Théâtre des Champs-Élysées à Paris, c’est la première du ballet Le Jeune homme et la mort, chorégraphié par Roland Petit, d’après un argument de Jean Cocteau. Soixante ans plus tard, Olga de Soto choisit non pas de reconstituer l’œuvre mais d’en recueillir les échos.
Fidèle à son goût pour le travail de mémoire, la chorégraphe mène une enquête sensible à partir d’un matériau inattendu : les souvenirs des spectateur·ices présent·es ce soir-là. Leurs récits, forcément parcellaires, parfois contradictoires, composent une reconstitution touchante. La cape de la danseuse Nathalie Philippart était-elle rouge ou noire ? Les envolées du virtuose Jean Babilée fulgurantes ou suspendues ? Peu importe l’exactitude. Ce sont les variations qui font de ce récit un dispositif de transmission, entre danse et performance documentaire, où la mémoire collective devient une œuvre vivante. histoire(s) révèle ce qui traverse le temps et subsiste dans les cœurs de cell·eux qui l’ont vue.
Coprésentation Charleroi danse
En résumé
La chorégraphe part d’un ballet créé en 1946.
Elle a retrouvé des personnes qui l’ont vu ce soir-là.
Leurs récits se complètent mais se contredisent aussi.
On s’interroge sur ce que la mémoire garde ou transforme.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
histoire(s) • Olga de Soto
GREEN/ORANGE/RED
Pour cette création avec la promotion sortante de l’ESAC, Side-Show transpose sur scène une figure emblématique de la rue : le cirque au feu rouge. Geste urbain un peu punk, éphémère et sauvage, que devient-il une fois invité au théâtre ?
Sous l'œil d'Aline Breucker et Quintijn Ketels, le plateau se transforme en un carrefour à l'échelle réelle. Ici, le spectaculaire ne se niche pas seulement dans la prouesse, mais dans l'attente : la beauté brute d'un groupe immobile au passage piéton, l'urgence d'un numéro de 60 secondes — le temps d’un feu rouge — et la poésie du quotidien qui déraille.
Fidèle à la démarche « relaxed » développée par Side-Show, le spectacle interroge notre perception de la performance. Entre la dramaturgie de la vitesse et la douceur du collectif, où se situe le spectaculaire ?
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Pour cette création avec la promotion sortante de l’ESAC, Side-Show transpose sur scène une figure emblématique de la rue : le cirque au feu rouge. Geste urbain un peu punk, éphémère et sauvage, que devient-il une fois invité au théâtre ?
Sous l'œil d'Aline Breucker et Quintijn Ketels, le plateau se transforme en un carrefour à l'échelle réelle. Ici, le spectaculaire ne se niche pas seulement dans la prouesse, mais dans l'attente : la beauté brute d'un groupe immobile au passage piéton, l'urgence d'un numéro de 60 secondes — le temps d’un feu rouge — et la poésie du quotidien qui déraille.
Fidèle à la démarche « relaxed » développée par Side-Show, le spectacle interroge notre perception de la performance. Entre la dramaturgie de la vitesse et la douceur du collectif, où se situe le spectaculaire ?
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
GREEN/ORANGE/RED
La Barakakings
Cette année La Barakakings revient pour une nouvelle création, un nouveau long format même!
Et cette fois, non pas pour une date unique, mais bien pour une série!
En attendant de vous donner la tendance, rappelez-vous que la Barak c'est un cornet de performances collectives à toutes les sauces: certaines douces, d'autres piquantes qui amuseront vos papilles avec ce petit goût de "reviens-y".
Infos à venir, restez dans le coin.
Écriture Eden Adam & Lile Wéry | Mise en scène Eden Adam | Assistanat mise en scène Ernesto Coyote | Performeur•euses Mama Tituba, Lil•x•ir, Tigger Warming, Meltyn Pot'head, Enby Valent | Création lumière Anthony Vanderborght | Distribution en cours | Production Eden Adam & Ernesto Coyote
Les Riches-Claires
Bruxelles
Spectacle
La Barakakings
Grand Cirque de Noël de Bruxelles
Bienvenue à la 15e édition du Grand Cirque de Noël de Bruxelles sur la Place Flagey à Ixelles, un spectacle inédit signé Alexandre Bouglione !
Pour cette édition anniversaire, aucun effort n’a été épargné afin de vous offrir une expérience encore plus spectaculaire et inoubliable.
Plongez dans la féérie de cette célébration annuelle, où la magie du cirque prend vie au cœur de Bruxelles avec un tout nouveau spectacle spécialement conçu pour la saison des fêtes. Laissez-vous envoûter par des performances exceptionnelles de nos artistes internationaux : un ventriloque présenté pour la toute première fois à Bruxelles, un clown primé au Festival International du Cirque de Monte-Carlo, ainsi que des illusionnistes, trapézistes et équilibristes de renommée.
Dans une atmosphère empreinte de la magie de Noël et d’un univers circassien féerique, vivez 1h45 de pur émerveillement, sublimé par la signature artistique unique d’Alexandre Bouglione.
Venez créer des souvenirs inoubliables en famille et entre amis !
Cirque Alexandre Bouglione
Ixelles
Spectacle
Grand Cirque de Noël de Bruxelles
Sassy Cabaret de Noël
Laissez-vous embarquer dans la magie de Noël version Sassy Cabaret : des paillettes, de la satire, de l’impertinence, de la sensualité, un zeste d’érotisme et de militance.
Cette année le Sassy vous emmène dans Le Drôle de Noël de Scroodgez. Homme riche, un peu politicien, un peu promotteur immobilier, un peu avide de pouvoir.
Ce qui est sûr c’est que Scroodgez est égoïste, aigri, individualiste.
Il n’aime pas Noël et a refusé toutes les invitations qu’on lui a fait. Il est seul le soir de Noël et des esprits viennent lui rendre visite afin de lui montrer ce qu’il a perdu par le passé, ce qu’il provoque au présent et ce qu’il risque dans le futur.
Est-ce que Scroodgez va s’ouvrir et se laisser aller à la magie de Noël ?
Avec Lili Mirez-moi , Evita de Mee, Daniel de Oliveira, Leo Dick’capricio, Mélusine Beauséjour, Mado Laforge, Chanelle de Mai, Loulou Velvet / Écrit et mis en scène par Leïla Burnotte aka Lili Mirez-moi / Technique : Robin Guennoun et Chamsedine Madec
Administration : Sylvie Filet aka Evita de Mee
Production : The Sassy Cabaret / Une invitation du 140
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Sassy Cabaret de Noël
Et Hop !
Cette année, dans le cadre de l’évènement spécial Noël au Senghor, une multitude d’activités créatives et goûters surprenants seront proposés durant cette période spéciale des Fêtes de fin d’années.
Le spectacle « Et hop ! » de Bruno Coppens sera également au programme des enfants ainsi que de leur famille :
– Léon, pour t’endormir, tu n’as qu’à compter les moutons qui hop! sautent la barrière, a dit Papa.
– Mais… Comment ils font alors, les moutons pour s’endormir ?
– Heu…
– Et les bergers? Et les loups? Et les chaperons rouges?
Et hop!… Une drôle d’histoire sautillante à ne pas dormir debout.
Distribution
Bruno Coppens, Ronald Vanspaendonck,
Marie et Sophie Hallynck (Ensemble Kheops).
TARIF : 5€, 1.25 Article 27
Bruno Coppens, Ronald Vanspaendonck,
Marie et Sophie Hallynck (Ensemble Kheops).
Le Senghor - Centre Culturel d’Etterbeek
Etterbeek
Spectacle
Et Hop !
All the Way Around
Au fil de ce spectacle mêlant danse et concert de jazz, Meg Stuart, le bassiste Doug Weiss et la pianiste Mariana Carvalho entreprennent un voyage sans itinéraire précis à travers le mouvement et le son. Partant de la ballade — un chant de désir et de résistance —, le spectacle déploie des spirales de mémoire et nous fait naviguer entre ce dont nous nous souvenons à peine et l’inconnu.
Meg Stuart, le bassiste Doug Weiss et la pianiste Mariana Carvalho se rencontrent dans All the Way Around , à la fois un spectacle de danse et un concert de jazz . Iels entament ensemble un voyage sans itinéraire précis à travers le mouvement et le son. La conception lumière d’Emese Csornai devient un quatrième acteur et s’adapte sans cesse aux éléments imprévisibles de chaque lieu. Le spectacle part de la ballade — un chant de désir et de résistance — et la décompose en gestes certes infimes, mais significatifs. All the Way Around déploie des spirales de mémoire et ouvre ainsi une porte qui ramène nos expériences collectives à une dimension personnelle. Nous oscillons ainsi entre ce dont nous nous souvenons à peine et l’inconnu. « Lorsque Meg et moi “jouons” ensemble, je pars surtout de souvenirs, voire de nostalgie, avec pour objectif final d’arriver à ce point où la pièce coule simplement en nous, hors de nous et autour de nous. D’une certaine manière, nous effaçons les souvenirs et la nostalgie par de nouvelles expériences. Ou bien nous transposons des souvenirs corporels et musicaux dans le présent, créant ainsi un nouveau dialogue entre la danse et la musique. » — Doug Weiss en conversation avec Kerstin Schroth • Meg Stuart est chorégraphe, metteuse en scène et danseuse. Elle vit et travaille à Berlin et à Bruxelles. Avec sa compagnie Damaged Goods, fondée en 1994, elle a créé plus de trente productions, allant de solos et de duos à des chorégraphies pour plusieurs danseur·euses, en passant par des œuvres vidéo, des projets in situ et des projets d’improvisation. Parmi ses créations récentes, citons steal you for a moment (2024) et GLITCH WITCH (2024), toutes deux présentées par le Kaaitheater. Le travail de Stuart évolue librement entre la danse, le théâtre et les arts plastiques, et se nourrit d’un dialogue constant avec des artistes de différentes disciplines. À travers des fictions et des couches narratives, elle explore comment la danse peut mener à la transformation et à la guérison. L'improvisation constitue un élément essentiel de la pratique de Stuart, en tant que stratégie pour activer et explorer des états physiques et émotionnels — ou leur souvenir. • Le bassiste acoustique Doug Weiss (États-Unis/Allemagne) est basé à Berlin et à New York. Depuis trente ans, il maintient le groove sans effort et fait swinguer la musique. Il a été bassiste et directeur musical du quartet d’Al Foster de 1996 à 2020. Il est également membre de Brian Blade’s Lifecycles, du Peter Bernstein Quartet et du groupe de Seamus Blake. Avec son groupe The Berlin Quartet, Weiss s’impose comme compositeur, arrangeur et chef d’orchestre ; le groupe a récemment sorti son premier album Drawn From Life. Weiss est également professeur et a enseigné à The New School, au SUNY Purchase College et au Jazz Institut Berlin. Il est actuellement attaché au Conservatoire de Maastricht. • Mariana Carvalho (BR/DE) est une interprète, artiste sonore, improvisatrice et musicienne. Elle travaille avec le corps, les voix, l’écoute, les relations, les sons intérieurs et le piano préparé. Elle fait partie de Sonora – músicas e feminismos et de GEXLAT. Elle suit actuellement un master en Sound Studies and Sonic Arts à l’UdK Berlin et est tutrice au sein du Soundscape Project à l’Université technique de Berlin. Elle a obtenu une licence de piano à l’Universidade de São Paulo, où elle a fait partie de NuSom – Núcleo de Pesquisas em Sonologia et de l’Orquestra Errante.
Meg Stuart / Doug Weiss
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
All the Way Around
Heka
Ici, tout n'est que faux-semblant.
La compagnie Gandini Juggling – britannique, certes, mais définitivement sans frontières – réunit sur scène un casting cosmopolite. Depuis les années 1990, elle dynamite les codes et s’impose comme l’un des moteurs les plus inventifs de la jonglerie contemporaine. Avec Heka, elle propulse un spectacle inclassable, à la jonction de la magie, du jonglage et de la danse contemporaine.
Après avoir frayé avec les univers de Pina Bausch et Merce Cunningham, ses interprètes virtuoses lâchent la bride : dans Heka tout vacille, dérape, rebondit. La Compagnie cumule plus de 600 représentations dans 50 pays au compteur, et toujours ce goût du vertige : objets capricieux, gestes en cascade, illusions espiègles s’emballent dans un ballet fascinant sous haute tension où le faux devient enchantement.
Royaume-Uni
2024
Mise en scène Sean Gandini & Kati Ylä-Hokkala
Consultants magie Yann Frisch, Kalle Nio
Jongleurs Kate Boschetti, Sean Gandini, Tedros Girmaye, Kim Huynh, Sakari Männistö, Yu-Hsien Wu, Kati Ylä Hokkala et Jose Triguero et Doreen Grossman en alternance
Centre Culturel d'Uccle
Uccle
Spectacle
Heka
Tinieblas
Tout a été cartographié sur notre continent : les sentiers forestiers sont balisés, les itinéraires décrits avec précision dans les guides touristiques. Connecté·es à des milliers de satellites qui tournent autour de notre planète, nous trouvons notre chemin sans regarder autour de nous. Où et comment pouvons-nous nous perdre aujourd’hui ? Et au théâtre ? Une histoire polyphonique qui imite des événements réels. Ou s’agit-il de situations qui n’ont existé que dans notre imaginaire collectif : légendes, récits, rumeurs… Une performance entre la lenteur du cheminement de l’être humain et la vitesse vertigineuse de l’imagination.
Le mot espagnol « Tinieblas » signifie en gros « manque de lumière ». Il contient également le mot « nieblas », qui désigne quant à lui le « brouillard » ou la « brume ». Niebla est également le nom du village natal du grand-père d’Edurne Rubio. Dans son spectacle, elle présente un recueil de récits sur des personnes qui se perdent. Une histoire polyphonique qui imite des événements réels. Ou peut-être s’agit-il de situations qui n’ont existé que dans notre imaginaire collectif : légendes, récits, rumeurs… Nous vivons sur un continent entièrement cartographié. Les sentiers forestiers sont balisés et les itinéraires décrits avec précision dans les guides touristiques. Connecté·es à des milliers de satellites qui tournent autour de notre planète, nous cherchons notre chemin sans vraiment regarder le monde qui nous entoure.Où et comment pouvons-nous nous perdre aujourd’hui ? Et au théâtre ? Tinieblas est une performance où le public se perd, se retrouve, puis s’égare à nouveau. Le théâtre devient le centre d’un territoire, un lieu doté de ses propres coordonnées géographiques. Les spectateur·ices forment en même temps un seul corps en mouvement, pareil au bruissement d’une nuée d’étourneaux. C’est une expérience sensorielle qui maintient en permanence la tension entre l’intérieur et l’extérieur, entre la lenteur d’un·e marcheur·euse et la vitesse vertigineuse de l’imagination, capable de nous téléporter en un clin d’œil. • En tant qu’artiste plasticienne travaillant à l’aide d’un large éventail de supports et de formats, Edurne Rubio (Burgos, 1974) présente son travail dans divers contextes : théâtres, festivals de cinéma, expositions et espaces publics. Elle crée des situations qui génèrent une tension entre ce que nous voyons et entendons, et évolue ainsi entre le présent, la mémoire et l’imagination. Fascinée par les récits oraux, elle construit des récits collectifs à partir d’histoires individuelles, offrant ainsi une lecture subjective de l’histoire. Une lecture façonnée par l’émotion et en constante évolution.Sa nouvelle pièce de théâtre, Tinieblas (2026), s’inscrit dans la continuité des recherches qu’elle a menées dans les performances A Nublo (2021) – réalisée en collaboration avec l’artiste Maria Jerez sur les phénomènes naturels – et Light Years Away (2016) sur l’obscurité des grottes, qu’elle a présentées dans divers théâtres européens, dont le Kaaitheater.Au cours du processus de création de Tinieblas, Edurne Rubio a réalisé un film intitulé Los huesos no flotan (2026), qui a été projeté au Wiels dans le cadre d’Europalia España.
Edurne Rubio
Kaaistudio's
Bruxelles
Spectacle
Tinieblas
Newroz
Newroz signifie le jour nouveau en kurde. Pour le célébrer, Bahoz Temaux a créé un concert cirque aux sonorités persanes.
Ce spectacle est l’allégorie musicale et acrobatique de la crise identitaire d’un homme vivant avec les préjugés liés à son genre, sa couleur et sa double culture.
Newroz signifie le jour nouveau en kurde. Pour le célébrer, Bahoz Temaux a créé un concert cirque aux sonorités persanes.
Ce spectacle est l’allégorie musicale et acrobatique de la crise identitaire d’un homme vivant avec les préjugés liés à son genre, sa couleur et sa double culture. C’est aussi une forme de jeu sur les apparences, une forme de dialogue entre un cœur fait de musique et un corps jouant avec le risque.
L’acrobatie devient alors un exutoire, sublimée par la délicatesse des pensées poétiques qui nous sont confiées. Bahoz livre avec Newroz un témoignage tout aussi percutant qu’empreint de douceur et de tolérance.
Compagnie La Meute
La Vénerie, Espace Delvaux – Centre Culturel de Watermael-Boitsfort
Watermael-Boitsfort
Spectacle
Newroz
Surveillée et Punie
Sublimer la haine, voilà l’ambition qui lie l’autrice-compositrice- interprète Safia Nolin et le metteur en scène Philippe Cyr.
Ensemble, iels s’emparent de milliers d’insultes proférées contre la chanteuse — matériau brut, laid et violent — pour nourrir une création hors norme et musicale.
Quel sens donnons-nous à la liberté d’expression lorsqu’elle devient violence ?
Safia se place courageusement au centre du dispositif, devant un grand choeur qui déverse son fiel sur elle. Dans une puissante célébration du geste artistique et un vibrant appel au collectif, sororité et solidarité se déploient. Face à la punition infligée par la parole publique, toutes les permissions sont accordées par la musique, jusqu’à renverser les rapports de force.
Armée de sa guitare, Safia Nolin se réapproprie enfin l’espace dont on la chasse. Surveillée et punie emprunte son titre à Surveiller et punir de Michel Foucault. À la prison des corps répond ici celle des mots : une parole qui accuse, qui condamne — jusqu’à viser la chair.
TW : Le spectacle est basé sur des propos haineux et violents
Avec : Safia Nolin, Katia Lévesque et un choeur / Livret : Safia Nolin, Jean-Philippe Baril Guérard / Musique : Safia Nolin, Vincent Legault / Idéation et mise en scène : Philippe Cyr / Conseil dramaturgique : Anne-Marie Voisard
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Surveillée et Punie
Bouchra Ouizguen. Qunfudh
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Bouchra Ouizguen. Qunfudh
Poisson Blanc
Nicole et Amélie, deux amies, embarquent dans un canoë pour aller camper sur un bout de terre au milieu du lac du Poisson Blanc, dans les Laurentides, au Québec. Arrivées sur place, elles font la connaissance de Joshua, un homme qui ne dort plus depuis dix ans et ne fait plus la distinction entre rêve, réalité et cauchemar. Des phénomènes inquiétants surgissent et brouillent leurs repères.
Poisson Blanc nous plonge dans un thriller onirique où la réalité vacille et où les interstices deviennent les lieux à habiter.
Dans cette création immersive mêlant théâtre, son et installation visuelle, la cie Ersatz propose une expérience sensorielle singulière. La·e spectateur·ice, muni·e d’un casque à conduction osseuse, n’est plus simple observateur·ice, iel devient une composante intrinsèque du paysage, invité·e à ressentir l’étrangeté d’un monde où l’humain et le non-humain se troublent.
Spectacle immersif où le public est dans la scénographie avec des casques à conduction osseuse.
Auteur : Gabriel Charlebois Plante / Mise en scène : Camille Panza / Dramaturgie : Léonard Cornevin et Camille Panza / création lumière, direction technique et voix off : Léonard Cornevin / Création sonore : Noam Rzewski / création technique : Giuseppe della Trumba / création visuelle : Pierre Mercier
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Poisson Blanc
Lulu's Baby
Tant inspiré·es qu'effrayé·es par leurs propres expériences, Sahar Rahimi et Lucy Wilke cherchent refuge dans des utopies post-humanistes où les êtres humains sont conçus hors du corps humain, et donc hors de l’utérus – un thème aussi vieux que l’humanité elle-même. Lulu’s Baby, inspiré par les films d’horreur et les blocs opératoires, offre une vision ironique et utopique de l’avenir qui, à travers des images à la fois troublantes et envoûtantes, nous invite de manière ludique à réfléchir aux potentialités d’une communauté affranchie des contraintes de genre et des rôles maternels.
La collaboration de longue date entre Lucy Wilke et Sahar Rahimi repose sur un intérêt commun pour les personnages féminins marginalisés, les thèmes du handicap et du pouvoir, ainsi que les films de body horror. Dans leur quatrième production commune, elles explorent les thèmes de la grossesse, de l’accouchement, de la maternité et du désir d’avoir des enfants. À la fois inspirées et rebutées par leurs propres expériences, Rahimi et Wilke se tournent vers des utopies posthumanistes où les êtres humains sont conçus en dehors du corps humain, et donc en dehors de l’utérus — un thème aussi vieux que l’humanité elle-même. Comme les expériences sur des moutons ont déjà partiellement réussi à reproduire le fonctionnement de l’utérus, un thème mythologique ancestral pourrait bien devenir réalité. Quelles conséquences ces développements ont-ils sur l’éthique et les rôles de genre ? La grossesse et la naissance en dehors du corps humain pourraient-elles enfin libérer le corps féminin* du fardeau de la reproduction et représenter ainsi un pas vers l’égalité des genres ? Les personnes qui se sont jusqu’à présent vues refuser la parentalité auraient-elles enfin la possibilité de fonder une famille ? Ou bien les utérus artificiels priveraient-ils les femmes* du dernier bastion qui n’a pas encore été détourné par un système de valeurs patriarcal-capitaliste : la capacité de donner naissance ? S'inspirant des films d'horreur et des salles d'opération, Lulu’s Baby est une vision ironique et utopique de l'avenir qui nous invite à réfléchir aux possibilités d'une communauté au-delà des contraintes de genre et des rôles maternels, le tout de façon ludique, à travers des images à la fois troublantes et envoûtantes. • Lucy Wilke est une actrice, chanteuse et danseuse primée, installée à Munich. Depuis 2020, elle fait partie de la troupe du Münchner Kammerspiele et est connue pour ses performances visionnaires et body positive. Son travail, notamment la pièce très acclamée Scores that shaped our Friendship, lui a valu le prestigieux prix Der Faust et une invitation au Berliner Theatertreffen. Elle est également en tournée à travers l’Europe avec son groupe blind and lame. • Sahar Rahimi (née en 1981 à Téhéran, en Iran) est metteuse en scène, autrice, artiste de performance et commissaire d’exposition. Son travail transcende les frontières entre théâtre, performance, installation et vidéo. Elle a étudié à l’Institut des sciences théâtrales appliquées de Giessen et est cofondatrice de la troupe de performance Monster Truck, qui a reçu le prestigieux prix Tabori pour l’ensemble de son œuvre. En tant qu’artiste solo, Sahar Rahimi a présenté plusieurs productions sur des scènes à travers toute l’Europe. Elle assure la direction artistique du Festival Brecht d’Augsbourg avec Mark Schröppel.
Lucy Wilke / Sahar Rahimi
Kaaistudio's
Bruxelles
Spectacle
Lulu's Baby
Douce révolution
Douce Révolution est un spectacle relax, une forme inclusive pour tous et toutes à partir de 4 ans. Un spectacle conçu d’entrée de jeu pour des personnes nécessitant un environnement plus détendu pour se rendre au théâtre. Les codes habituels, qui imposent de rester assis, de ne pas réagir verbalement ou physiquement à ce qui se passe sur scène, y sont adaptés.
C’est l’histoire de trois copains-copines qui marchent dans une ellipse. Traversent les forêts et les champs, gravissent les montagnes, scrutent la mer et son horizon.
Les trois copains-copines marchent autour du monde. Ramassent un caillou, partagent un feu de camp, un temps. Le voyage dure trois jours et trois nuits. Pendant ce temps, à force de respirer le même air, de chasser le même moustique, de marcher d’un même pas, ces trois-là se seront apprivoisés, chaque jour un peu plus.
Quand iels sortiront tous les trois de l’ellipse, l’histoire sera terminée. Rien n’aura changé, mais rien ne sera plus jamais pareil…
Une histoire toute simple. Une promenade, avec toutes les rêveries qui s’y accrochent, entre réel et imaginaire.
Représentation en partenariat avec Pierre de Lune, Centre Scénique Jeunes Publics de Bruxelles
Compagnie des Mutants
Maison Haute
Watermael-Boitsfort
Spectacle
Douce révolution
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
5€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
The fold of a ^ landscape
Le pliage s'avère être un geste transformateur : un corps, un objet, un espace, un instant, une lumière ou un son peut se plier en une forme différente, au-dessus ou autour de quelque chose d'autre. Dans cette performance, Heine Avdal & Yukiko Shinozaki créent des gestes qui forment un système continu de pliage et de dépliage : des plis qui se déploient dans un espace ou un paysage. Le dépliage n’est dès lors pas l’inverse du pliage, mais bien son prolongement. Un pli en entraîne toujours un suivant.
Cette performance est issue d’une recherche menée par Heine Avdal & Yukiko Shinozaki sur le pliage et le dépliage – une approche qui façonne la manière dont les corps se déplacent, se positionnent et se rapportent à l’espace. La pièce invite à un moment collectif de réflexion. Des manières différentes de se réunir émergent soudain : en tant que groupe, en tant qu’individus ou à travers une existence partagée. En l’absence d’habitudes familières et de structures fixes, la performance nous interroge : qu’est-ce qui nous rassemble ? Au cours de ce projet, Avdal et Shinozaki abordent le corps, le mouvement ainsi que les espaces intérieurs et extérieurs comme un paysage dynamique. Un paysage qui peut être courbé, plié et déplié. Le pliage s’avère une action transformatrice : un corps, un objet, un espace, un instant, une lumière ou un son peut se plier en une forme différente, au-dessus ou autour de quelque chose d'autre. Ces actions créent un système continu de pliage et de dépliage : des plis qui s’étendent à travers un espace ou un paysage. Le dépliage n’est pas ici le contraire du pliage, mais son prolongement. Un pli en entraîne toujours un autre, comme dans l'origami. La performance se déploie à travers les relations changeantes entre l’espace et le mouvement, offrant ainsi des situations mouvantes plutôt qu’un récit figé. Stabilité et incertitude coexistent. Plutôt que de s’appuyer sur l’ordre et la répétition, l’œuvre laisse la différence et l’ambiguïté façonner nos connexions. • Heine Avdal et Yukiko Shinozaki sont chorégraphes/performer·euses. Iels travaillent ensemble depuis 1996 et ont fondé la compagnie fieldworks. Le désir de réimaginer la relation du corps avec son environnement – et d’inviter le public à cette découverte (qui se déploie) est au cœur de leur pratique. Leur pratique est animée par une curiosité quant à la manière dont les arts de la scène peuvent redéfinir notre compréhension du corps humain et de notre environnement quotidien. Iels explorent les architectures invisibles – sociales, physiques et perceptives – qui façonnent nos mouvements, à travers des environnements publics et privés. Leurs interventions subtiles et leurs déplacements délicats révèlent des chorégraphies cachées et nous invitent à redécouvrir le familier, le connu, sous un regard neuf. Fieldworks a créé plus de 35 productions, qui ont fait l’objet de tournées dans plus de trente pays à travers le monde. www.field-works.be
Heine Avdal / Yukiko Shinozaki / fieldworks
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
The fold of a ^ landscape
Mónica Valenciano. ENSAYOS PARA NADA Y AVE
Chorégraphe, danseuse, poète et peintre, Mónica Valenciano est lauréate du Prix national de la danse d'Espagne. Sa carrière croise celle d'autres artistes espagnols de renom tels qu'Ana Buitrago, Olga Mesa, La Ribot, Blanca Calvo... Depuis la création de sa compagnie, El Bailadero, en 1997, son travail a été présenté dans des festivals nationaux et internationaux, sur scène, ainsi que dans des musées et galeries d'art. Outre son travail scénique, elle a publié plusieurs recueils de poésie et de dessins, et enseigne la théorie et la pratique de la performance, ce qui fait d'elle une figure clé de la scène artistique expérimentale et militante d'aujourd'hui.
ENSAYOS PARA NADA Y AVE (ESSAI POUR RIEN ET UN OISEAU) marque sa première apparition à Bozar et est une coproduction entre Bozar et TEA - Tenerife Espacio de las Artes.Dans le cadre du projet 'PIT - Perform, Inform, Transform: Participatory Performance in Art Museums', cofinancé par l'Union européenne.
Il s'agit d'un cadre de jeu qui se déroule à travers 22 cartes - ou images à dévoiler sur place.
Pour faire émerger la voix du corps caché au sein du corps qui danse, à la recherche de cette polyphonie qui, plutôt que d'expliquer,
implique des manières d'habiter l'événement lui-même - à l'intérieur, derrière, en dessous, entre, avec ce qui est là.
Des instants fugaces d'une présence partagée et d'un chant ; au sein du mouvement des images, des plans multiples et des relations inattendues se mêleront, dévoilant des passages où des situations émergent pour explorer la trame capable de retenir une étincelle = un événement.
· Comment rendre visible cet appel, dans lequel quelque chose se présente ?
· Comment générer la potentialité de l'événement comme mode d'émergence ?
· Comment faire naître la possibilité de cet espace-temps ?
· Ou... .. . ... .
« L'événement se cache, replié dans le passage entre un mouvement et un autre ; ainsi, chaque instant est potentiellement une porte qui s'ouvre... »
(Pascal Quignard)
2025 - M.V.
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
Mónica Valenciano. ENSAYOS PARA NADA Y AVE
Chauv·e
Chauv·e est un stand-up drag tendre, irrévérencieux et facétieux.
Sur scène, Blanket La Goulue, drag bruxelloise, déballe sa vie avec humour et dérision : un corps hors cadre, une voix en transformation, et un être qui cherche à s’inventer loin des normes.
Elle démonte le patriarcat et nous livre ce parcours du devenir soi en chansons détournées, convoquant Helmut Fritz, France Gall, Michel Berger. Entre confidences, humour et récits personnels, Blanket transforme ses failles en manifeste sensible, sa calvitie en ornement, et le cabaret en espace de lutte partagée. Le rire devient alors un outil pour conjurer les violences du quotidien.
Entre grotesque et poésie, Massie interroge dans ce seul en scène la virulence de la société, pose un regard lucide sur sa communauté et s’adresse à celles, ceux, celleux qui doutent, qui questionnent, ou qui pensaient avoir tout compris. Un cabaret qui ne laisse personne de côté !
Mise en scène, écriture, jeu : Massie Mucedda / Assistanat à la mise en scène : Médéa Anselin / Création lumière et régie générale : Cyriel Lucas / Régie lumière : Cyriel Lucas en alternance avec Emil Seillan / Création sonore et régie son : Noé Berling / Costumes Aidan Abnet et Khadija Karam / Photos : Laetitia Bica
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Chauv·e
Luc Langevin – L’Illusionniste
Luc Langevin revient avec un nouveau spectacle époustouflant, rempli de grandes illusions exécutées à la perfection. Une exploration de la dualité entre la tête et le cœur qui captive l’imagination.
L’illusionniste Luc Langevin présente son tout dernier spectacle à Forest National. « Là Où L'Impossible Prend Vie » est une combinaison impressionnante d’illusions spectaculaires, d’effets lumineux envoûtants et de musique enchanteresse. Créé avec son partenaire de longue date Stéphane Bourgoin, ce spectacle est une expérience inoubliable qui dépasse la réalité !
Forest National
Forest
Spectacle
Luc Langevin – L’Illusionniste
The Clash Machine
The Clash Machine a jailli de la rencontre entre un groupe d'artistes non conventionnel·les issu·es du monde de la danse et de celui de la lutte belge. Iels présentent leur premier vrai spectacle au Kaaitheater : une performance dopée aux hormones synthétiques, où fiction et réalité se confondent. Tout en conservant le récit classique du·de la héro·ïne contre le·la méchant·e, le collectif se réapproprie les récits liés à la violence et, à travers la lutte, incite le public à riposter face aux tactiques néofascistes.
The Clash Machine est un collectif né de la rencontre entre un groupe d'artistes non conventionnel·les issu·es du monde de la danse et celui de la lutte belge. Les membres du BYWS (Brussels Young Wrestling Style) se réapproprient la brutalité et le conflit. Entraîné·es par le coach Nsimba (alias Shao alias Cowboy pas fatigué, une star de la lutte belge et congolaise), iels questionnent la violence à travers leur performance. Auparavant, iels s’affrontaient lors de soirées techno, de soirées caritatives et de festivals de quartier. Aujourd’hui, The Clash Machine présente son premier véritable spectacle : une performance endiablée, gonflée aux hormones synthétiques. Avec l'art de la lutte, iels brouillent les frontières entre fiction et réalité. The Clash Machine brise le quatrième mur à coups de poing et crée ainsi des moments fédérateurs, bruyants, exubérants et transpirants. Sur le ring, iels jouent avec la dichotomie classique de la lutte : héros·ïnes contre méchant·es (babyface vs talons), un récit sur lequel le public peut projeter ses propres émotions, comme une forme de catharsis. The Clash Machine se laisse transformer par la réalité qui fait irruption dans les représentations, porté par l’urgence du présent et fidèle à la spontanéité. The Clash Machine constate plus généralement que le néofascisme a recours à des tactiques comparables à celles de la lutte : il prend ses distances par rapport à sa violence et la rend sensationnelle, jouant également avec les frontières entre fiction et réalité. En réaction à cela, le collectif se réapproprie les récits liés à la violence et, à travers la lutte, incite le public à riposter. Loü Viret, également connu sous le nom de L’Bouro du Bitume, danse depuis son enfance. Il a aujourd’hui envie de réinventer la danse en repoussant ses limites ; il danse aussi bien lors de fêtes que pendant des manifestations, sur des scènes de théâtre ou, comme c'est le cas actuellement, sur le ring. Violette Lacroix, même si tout le monde l’appelle Vio. Sur le ring, elle incarne la romantique « Marry Me Nathalie ». Avant de se lancer dans la lutte, elle a suivi des cours de danse de salon dans la catégorie « catwalk » à la Kiki House of Gabbana. Justine Richard, performeuse et poète, est parfois possédée par Mimi la Rage, une castagneuse et tricheuse notoire, qui prend d’assaut le ring pour fracasser des os sous ses semelles compensées. Aimé Gaster, également connu sous le nom d’Erotiko, a grandi dans les rues de Marseille. C’est un agitateur, un trublion, un danseur et un lutteur qui enchante le public tant par ses mots que par son corps.
The Clash Machine (Aimé Gaster, Justine Richard, Vio Lacroix, Loü Viret + guest MC)
GC De Kriekelaar
Schaerbeek
Spectacle
The Clash Machine
Lundynamite
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
Lundynamite Saison 4. Comme dans toute bonne série, il y a du nouveau. La Balsamine rejoint les partenaires (Le Théâtre de la Vie, Les Halles de Schaerbeek, Metarage et Le BAMP) pour organiser et programmer les soirées Lundynamite !
Un lundi soir par mois, d’octobre à mai, retrouvez trois propositions d’artistes : volontairement différentes, parfois étranges, souvent en cours, expérimentales ou encore presque abouties. Un peu comme un oeuf surprise mais avec trois cadeaux dedans, le luxe. De quoi faire le plein de nouveautés artistiques aventureuses et vous présenter des lundis de découverte dignes d’un vendredi soir. Lundynamite c’est aussi des lieux à découvrir ou redécouvrir à Schaerbeek, Saint-Josse et Saint- Gilles, voire ailleurs si on le sent et si on nous accueille. Le programme détaillé est disponible sur les sites des partenaires, ainsi que sur les réseaux sociaux, quelques jours avant le lundi explosif.
6€
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Lundynamite
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire
Tokyo, 1991. Mike Powell s'envole et brise un record que personne, trente-cinq ans plus tard, n'a encore dépassé.
Nagano, 1998. Surya Bonaly exécute un salto arrière interdit et offre au public un geste de résistance.
Cleveland, 2014. Tamir Rice, 12 ans, est abattu en moins de deux secondes par un policier blanc.
Un mouvement invincible. Un mouvement interdit. Un mouvement indigne.
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire traverse le temps et les corps pour interroger ce que nos sociétés célèbrent, condamnent ou effacent. Le récit chorégraphique documentaire se développe en dialogue avec les danseurs Arno Ferrera et Charles Ngombengombe, la danseuse krump Kenza Deba, la poétesse Lisette Lombé et l’artiste sonore Rokia Bamba, et en complicité avec Mike Powell, Surya Bonaly et Samaria Rice.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Tokyo, 1991. Mike Powell s'envole et brise un record que personne, trente-cinq ans plus tard, n'a encore dépassé.
Nagano, 1998. Surya Bonaly exécute un salto arrière interdit et offre au public un geste de résistance.
Cleveland, 2014. Tamir Rice, 12 ans, est abattu en moins de deux secondes par un policier blanc.
Un mouvement invincible. Un mouvement interdit. Un mouvement indigne.
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire traverse le temps et les corps pour interroger ce que nos sociétés célèbrent, condamnent ou effacent. Le récit chorégraphique documentaire se développe en dialogue avec les danseurs Arno Ferrera et Charles Ngombengombe, la danseuse krump Kenza Deba, la poétesse Lisette Lombé et l’artiste sonore Rokia Bamba, et en complicité avec Mike Powell, Surya Bonaly et Samaria Rice.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 14 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
Ces mouvements que je n’aurais jamais pu faire
Une petite fête - Cabaret de la dissidence
Les enfants sont la plupart du temps sous haute surveillance.
On leur dit constamment quoi faire ou plutôt quoi ne pas faire : “Ne touche pas ! Ne fais pas ci – ne fais pas ça ! Ne dis pas ces mots-là : ils sont gros et pas beaux ! Tu arrêtes ou alors…”.
L’instant de presqu’une heure, les enfants seront les invité·es d’une fête secrète, formidablement canaille où les limites peuvent être gentiment franchies. Avec humour et intelligence, Une petite fête – Cabaret de la dissidence entraîne sans danger les enfants sur le territoire d’une douce délinquance.
Doit-on tout respecter ? Doit-on s’inspirer du mode établi ? Doit-on dissider ? Les numéros burlesques et rythmés s’attaquent avec tendresse et philosophie à ces questions, tout en célébrant la liberté et la fougue aussi bien que le respect et la bienveillance, et le plaisir d’être ensemble.
Distribution
Texte : Martin Bellemare / Mise en scène : Marie-Eve Huot / Assistance à la mise en scène : Alexandra Sutto / Distribution à la création : Ludger Côté, Pénélope Ducharme, et Némo Venba / Direction de production et direction technique : Nicolas Fortin / Musique Diane Labrosse / Espace et accessoires : Margot Lacoste / Lumières : Louis-Xavier Gagnon-Lebrun assisté de Nicola Dubois
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Une petite fête - Cabaret de la dissidence
JIMMY CARR: LAUGHS FUNNY
Jimmy Carr débarque à Forest National avec « Jimmy Carr: Laughs Funny ». Les punchlines fusent à toute vitesse dans ce spectacle interactif, où il tient le public en haleine du début à la fin.
Jimmy Carr est connu pour son humour sans concession, son humour pince-sans-rire et ses échanges fulgurants avec le public. Il est devenu l’un des humoristes les plus connus du Royaume-Uni. Habitué des émissions télévisées à succès, Jimmy Carr vient cette fois à Forest National pour déchaîner un flot d’observations percutantes face à son public.
Forest National
Forest
Spectacle
JIMMY CARR: LAUGHS FUNNY
FESTIVAL MONDIAL DE LA MAGIE
Le Festival Mondial de la Magie réunit des artistes primés du monde entier pour un spectacle live unique, mêlant manipulations de cartes impressionnantes et illusions spectaculaires.
Le Festival Mondial de la Magie existe depuis plus de 30 ans. Un spectacle magique qui réunit toutes les formes de l’illusionnisme, du mentalisme aux méga-illusions. Des illusionnistes renommés de Las Vegas et de Paris montent sur scène, certains ayant même été récompensés par le prestigieux 'Mandrake d’Or'. Le tout prend vie sur la scène de Forest National.
Forest National
Forest
Spectacle
FESTIVAL MONDIAL DE LA MAGIE
La Dernière Archive | Carolina Bonfim & Flavio Rodrigo
Synopsis ⋆˚✿˖° ♡ ‧₊˚ ⋅ ౨ৎ ‧₊ .ᐟ
Le 2 septembre 2018, un incendie a réduit en cendres 90 % du Musée national de Rio de Janeiro : 20 millions d’objets, des trésors indigènes, des artefacts afrobrésiliens, des reliques égyptiennes… Des mémoires parties en fumée. Face à cette catastrophe, une question obsédante : Comment accéder à un patrimoine qui n’existe plus ? Comment « visiter » un musée sans murs ni collections ? Pour y répondre, Carolina Bonfim et Flavio Rodrigo ont recueilli les souvenirs intimes de celles et ceux qui, un jour, ontcroisé un objet, une oeuvre, un fragment, un couloir de ce musée aujourd’hui disparu. À travers ces récits, i·els tracent les contours d’un musée qui persiste autrement. Une transmission vivante qui s'interroge sur la fragilité de la mémoire et des droits sociaux et politiques les plus importants de notre époque.
La Balsamine
Schaerbeek
Spectacle
La Dernière Archive | Carolina Bonfim & Flavio Rodrigo
Conférence dansée
« Plus que le résultat, c’est le processus qui m’intéresse, un acte nécessairement collectif. La note qu’un compositeur enlève n’a pas de sentiment. Le geste d’un·e danseur·euse, en revanche, c’est de l’humain : c’est la difficulté et la merveille de la danse, sa beauté et sa complexité. »Ayelen Parolin a voulu s’associer, pour cette conférence dansée, à Olivia Grandville. Déployer deux parcours de danseuses et chorégraphes, forcément uniques, forcément unis par des points de similarité. Entre elles, une grille de questions, un ping pong de réponses. Et les récurrences, les obsessions, les contradictions fertiles qui irriguent l’art de la créatrice de David, de Simple, d’Irresistible Revolution.
« Plus que le résultat, c’est le processus qui m’intéresse, un acte nécessairement collectif. La note qu’un compositeur enlève n’a pas de sentiment. Le geste d’un·e danseur·euse, en revanche, c’est de l’humain : c’est la difficulté et la merveille de la danse, sa beauté et sa complexité. »Ayelen Parolin a voulu s’associer, pour cette conférence dansée, à Olivia Grandville. Déployer deux parcours de danseuses et chorégraphes, forcément uniques, forcément unis par des points de similarité. Entre elles, une grille de questions, un ping pong de réponses. Et les récurrences, les obsessions, les contradictions fertiles qui irriguent l’art de la créatrice de David, de Simple, d’Irresistible Revolution.
Ayelen Parolin & Olivia Grandville
Charleroi danse / La Raffinerie
Molenbeek-Saint-Jean
Spectacle
Conférence dansée
Amour sous contrat
Pendant un an, Jeanne Spaeter a réalisé une performance extraordinaire : la création d’une relation amoureuse avec un inconnu, Mike, régie par un contrat de 14 clauses : le temps passé ensemble, les gestes de tendresse, la sexualité, ect.
De cette expérience naît le spectacle performatif Amour sous contrat.
Ces 365 jours sont entièrement documentés par des journaux intimes, des objets, des photos, des vidéos et publications sur Instagram. Sur scène, Jeanne ouvre ses archives et nous invite à choisir. Une enquête collective s’engage : à partir de nos choix, les fragments de vie, les clauses et les souvenirs de ce couple surgissent.
À la croisée de l’intime et du politique, Jeanne Spaeter interroge nos modèles amoureux. Que produit un amour sous contrat ? Quels sentiments naissent d’un cadre aussi strict ? En exposant les règles souvent invisibles du couple — hétérosexualité, monogamie — elle en révèle le caractère construit et s’en empare comme terrain d’enquête à coeur ouvert.
Création et performance : Jeanne Spaeter / Collaboration artistique et mise en scène : Nicolas Perrochet / Dramaturgie : Magdalena Nadolska / Scénographie : Caroline Bourrit / Conception lumière et technique : Lola Rosarot / Dispositif live-vidéo : Yannick Mosimann / Film rushes (Normal Love) : Yannick Mosimann / Avocate et voix : Emma Lidén / Psychologue : Sanaé Haldemann
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Amour sous contrat
Gimme a break !!! | Baptiste Cazaux
Synopsis ⋆˚✿˖° ♡ ‧₊˚ ⋅ ౨ৎ ‧₊ .ᐟ
GIMME A BREAK !!! est une quête de catharsis. Empruntant au vocabulaire des musiques de rave, aux pratiques méditatives et au headbanging, Baptiste Cazaux continue ses recherches sur le lâcher-prise, qu’il envisage comme une stratégie de survie face au capitalisme. En duo avec des haut-parleurs, le chorégraphe compose un espace-temps déréglé, tout en complexités et en contradictions, dans lequel il se lance à la poursuite d’un élan vital nécessaire et revendicatif.
Dans le cadre du festival Linguales #2 Focus Suisse
La Balsamine
Schaerbeek
Spectacle
Gimme a break !!! | Baptiste Cazaux
Talk Show • Gaël Santisteva
Le corps, le cirque, les prouesses, la vie qui avance, et au passage, laisse ses marques. Talk Show dévoile les bouleversants chemins de vie des circassien·nes.
Le corps, le cirque, les prouesses, la vie qui avance, et au passage, laisse ses marques. Talk Show dévoile les bouleversants chemins de vie des circassien·nes.
Habitué de nos programmations, Gaël Santisteva dans un de ses « classiques » imagine un espace de mise à nu, entre le quizz télévisé et le cercle de parole, où les artistes de cirque viennent se raconter en toute improvisation. On n’y voit pas de numéro spectaculaire mais des confidences qui dévoilent ce qu’i·els ont traversé au cours de parcours souvent atypiques. Les performances physiques, l’envers du décor, les limites, les travers sont autant de drames bien réels que d'épisodes improbables et franchement absurdes. I·Els disent une existence façonnée par la pratique et les risques, et interrogent aussi cette notion brutale de « date de péremption » des corps. En complice lucide et impertinent, Gaël Santisteva endosse le rôle de modérateur pour proposer des questions auxquelles les performeur·ses répondent par le témoignage ou par l’épreuve scénique. Chaque représentation – singulière – émeut. Au-delà des trajectoires personnelles, on perçoit la portée universelle des récits projetés. Le cadeau rare, et presque radical, d'une vulnérabilité offerte.
La représentation du 24 mars est proposée en format Relax.
Gaël Santisteva est artiste associé au Théâtre National Wallonie-Bruxelles
En résumé
Des artistes de cirque racontent leurs parcours en improvisant.
Il n’y a pas de numéros classiques, mais des expériences.
Le spectacle montre les corps mais aussi les émotions.
On découvre ce que vivent vraiment les interprètes dans ce métier.
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
Bruxelles
Spectacle
Talk Show • Gaël Santisteva
On est pas obligé d'en reparler
Sophie Delhasse, historienne de l'art et curatrice indépendante + Guest(s)
Échange de parole et intervention(s) performative(s)
Bozar - Palais des Beaux-Arts
Bruxelles
Spectacle
On est pas obligé d'en reparler
Hewa Rwanda • Dorcy Rugamba Majnun
Ecrivain et figure majeure de la scène culturelle rwandaise, Dorcy Rugamba nous offre un récit bouleversant, porté par une écriture, une voix, une intensité rare.
Tous les ans, Dorcy Rugamba revient à Kigali dans la maison de sa famille : il y a toujours du lierre sur les murs, des callas et des langues de feu sur la terrasse, le palmier et le papayer à l’entrée, le Mont Jali au Nord, le Mont Kigali au Sud. Mais pendant des années, ce retour a été impossible.
Dans cette lecture, qui est tout à la fois une lettre d’amour pour ceux qui ne sont plus, un hymne à la vie, une part du culte des ancêtres, Dorcy Rugamba s’adresse à son père, à sa mère, à tous·tes les absent·es. Il dit ce qu’il a vu et appris auprès d’ell·eux, l’enfant et le jeune homme qu’il était, le temps qu’il a fallu après, pour accepter l’inacceptable. Il se tient au plus près des absent·es, il honore leur mémoire et leur vie, il explore le monde d’avant pour dire sa beauté et sa poésie et s’interroge : comment traduire en mots ce qui est hors de portée ?
Écrivain et figure majeure de la scène culturelle rwandaise, Dorcy Rugamba nous offre un récit bouleversant, porté par une écriture, une voix, une intensité rare.
→ www.theatre-martyrs.be
Théâtre des Martyrs
Bruxelles
Spectacle
Hewa Rwanda • Dorcy Rugamba Majnun
Double Combo Cabaret 6# Ariadna Gironès Mata + Saori Miyazawa
Les soirées Combo Cabaret sont composées de 2 spectacles + 1 repas
Deux univers puissants, exigeants, intenses. Deux propositions radicales, deux artistes sans concession, dont le geste s’inscrit dans un dire du corps social, du mouvement libérateur et de l’identité visible, culturelle et intime.
SO?!WHAT est une performance solo qui combine les arts chorégraphiques, visuels et plastiques. Ariadna Gironès danse à travers différentes physicalités tout en pliant, distordant et transformant son corps avec diverses couches qui le couvrent de différentes manières.
Ces couches sont visibles pour le public, mais représentent ce que le personnage veut cacher, rejetant toute notion d’auto-acceptation. La pièce pose une question cruciale : sommes-nous celleux qui ne nous acceptons pas tel·les que nous sommes, ou est-ce la société qui ne nous accepte pas ?
—
Pour HARUMI — Un petit mythe
HARUMI est un prénom féminin courant au Japon. HARUMI est un être hybride, mi-humain·e, mi-poupée : une présence sans identité fixe, en devenir.
Créé·e pour cette oeuvre chorégraphique, HARUMI évolue dans un univers où se mêlent modernité et tradition. À la frontière entre matière vivante et inerte, HARUMI porte un masque en papier mâché, façonné selon la technique japonaise du Hariko.
Comme un avatar en quête de sens, HARUMI se transforme au fil de ses interactions avec le monde extérieur. Son existence se nourrit de l’“enfant intérieur” que nous avons oublié en grandissant : cette part de nous mêmes, pure et créative, que le temps a mise de côté.
À travers une danse envoûtante, Saori Miyazawa explore l’identité et la mémoire corporelle, portée par les rythmes du wadaiko et des chants inspirés du théâtre Nô.
SO?!WHAT
Direction, chorégraphie et interprétation : Ariadna Gironès Mata / Regard exterieur et assistance : Alban Ovanessian / Création Sonore: Annalena Fröhlich / Conception lumière: Hugues Girard
Pour Harumi — Un petit mythe
Conception et chorégraphie : Saori Miyazawa / Interprètation : Marika Suzuki, Danou Robbrecht Nara / Musique et performance live : Tsubasa Hori
Le 140
Schaerbeek
Spectacle
Double Combo Cabaret 6# Ariadna Gironès Mata + Saori Miyazawa
EXIT
Huit minutes pour condenser un marathon de trois ans : c’est la règle donnée à chaque étudiant..e, au moment de créer le numéro avec lequel il s’élancera hors de l’abri de l’école.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
Huit minutes pour condenser un marathon de trois ans : c’est la règle donnée à chaque étudiant..e, au moment de créer le numéro avec lequel il s’élancera hors de l’abri de l’école.
5 tickets solidaires à 5€ seront réservés à chaque représentation des projets arts de la scène (sauf exception). Merci d’écrire à reservation@halles.be
11 € / 16 € / 18 € / 20 € / 22 € / 24 €
Les Halles de Schaerbeek
Schaerbeek
Spectacle
EXIT
